lunes, 28 de marzo de 2016

WOLFMOTHER: VICTORIOUS 2016

Nuevo y cuarto álbum del "monstruito" de Andrew Stockdale, que intenta con "Victorious" redimirse de sus anteriores pecados discográficos. No nos olvidemos, que Wolfmother es en realidad Andrew Stockdale, que cuando quiso más, mudó el nombre de su banda por el suyo propio, sacando menos.

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Tampoco le fue muy bien al retomar el nombre de su conociodo retoño, ya que "New Crown" es un disco vulgar con una producción que chirría por todos los surcos del vinilo.

Ahora, cuando ya han pasado más diez años desde la publicación del portentoso debut de Wolfmother y más de la mitad desde el no sufientemente ponderado "Cosmic Egg", el chico de Brisbane regresa a la continuación lógica de aquellos seres repletos de Rock mitológico y arqueológico, realizando un ejercicio de funambulismo a ras de suelo vistoso a primera escucha, pero que no lo es tanto, y que no arriesga absolutamente nada, ya que lo que puede parecer una temeridad (la sugerente balada de aíres Folk "Sweet Peggy") busca el aplauso fácil, terminandose cualquier atisbo de riesgo.

Si el riesgo se ha quedado en "Stand By", el factor sorpresa aniquilado en el debut, y las musas se largaron trás "Cosmic Egg", al menos que haya algo de frescura, aunque sea muy deliverada y planeada al milímetro. Y bueno, de eso si que hay en "Victorious"; hasta buenos temas con los aíres primordiales del debut en la inicial "The Love That You Give", en la portentosa "Victorious" o en la muy seminal "Eye of The Beholder".

En este nuevo álbum la producción de Brendan O´Brien es luminosa sobre todo cuando Stockdale apuesta por un sonido Pop dentro del "Retro-Rock" que practica Wolfmother: La vistosas "Baroness" y  "City Lights" con sus aíres T-Rex vs Cheap Trick, "Best of a Bad Situation" con sus ademanes de garaje Rock y de un Darkness que Stockdale parece Justin Hawkins, o "The Simple Life", donde Jack White y White Stripes entran en la tercera fase con el australiano de la mano. 

La duración del disco también ayuda lo suyo, treinta y cinco minutos a la vieja usanza, como en aquellos "Oldies" de Black Sabbath o Grand Funk, bandas a las que Stockdale ha saqueado con total impunidad y alevosía; con maestría en los primeros tiempos, y a base de resultones clichés en los últimos. 6/10

GENERAL CUSTER Rides Again




martes, 15 de marzo de 2016

EMERSON, LAKE & PALMER: WELCOME BACK MY FRIENDS,TO THE SHOW THAT NEVER ENDS-LADIES & GENTLEMAN 1974

WELCOME BACK MY FRIENDS, TO THE SHOW THAT NEVER ENDS...LADIES & GENTLEMAN: EMERSON, LAKE & PALMER...

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Y así daba comienzo un espectáculo de los que no se destilan, con la pompa y la grandeza que solamente un grupo de selectos atrevidos era capaz de poner sobre un tapete colocado encima de aquellos escenarios, que aguantaban durante más de dos horas la carga que montones de tráilers llevaban de ciudad en ciudad como si de un circo se tratase, circo del Rock sinfónico progresivo de los que el trío británico era uno de sus máximos exponentes.

En una década recargada de egos entre las Rock-Stars, tres músicos como Keith Emerson, Greg Lake o Carl Palmer caminarán por encima de la media, dejando por detrás al gentío de Yes, Led Zeppelin o Deep Purple. Y es que cada uno de ellos disponía de su tráiler-camión para viajar de ciudad en ciudad lo más cómodamente posible, contando con siete "Roadies" por cabeza y un tipo que estaba encargado de hacerles el té.

Estamos en la gira de su cuarto ábum de estudio, durante más de un año "Brain Salad Surgery" es el protagonista de cada noche, "Jerusalem", "Toccata" o "Karn Evil 9" lucen incrustadas entre un repertorio donde el terrible "Tarkus" sigue acongojando con sus más de veintisiete minutos. 

La noche en la que el trío más exagerado y grandilocuente de la historia del Rock vuelve a triunfar; porque E L & P en 1974 aún eran una máquina casi imparable que todavía tenía cosas que enseñar a su entregado público.

Cada noche de esa gira, miles de fans se congregaban horas antes en cada recinto para ir ubicándose en el mejor sitio posible para seguir la evolución del trio. Obviamente era Keith Emerson con su imposible vestuario a medio camino entre una estrella del Glam Rock y de Roose Bolton de "Juego De Tronos" el que acaparaba toda la atención. 

Su equipo de teclados y sintetizadores era de los que quitaba el hipo, siendo el "Moog" polifónico el referente a la hora de recrear nota a nota las extravagancias que contenían el excelente debut de la banda y los no menos excitantes "Tarkus" y "Trilogy". 

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"Brain Salad Surgery", era sin duda el más difícil de recrear en vivo por las montones de capas de teclados que posee en su versión de estudio; pese a todo, Emerson lo suplía con su maestría habitual y sus ademanes de Rock-Star golpeando a su teclado e inclinándolo una y otra vez ante la algarabía que producía en su entregado público. 

En el intenso "Welcome Back My Friends", To The Show That Never Ends-Ladies & Gentleman" producido por Greg Lake se agradece una producción más bien directa y un poco "Bootleg", aunque imagino que el directo de marras sería retocado en el estudio como la mayoría de conciertos registrados en la mísma época.

Quizás las tres primeras piezas, "Hoedown", "Jerusalem" y "Toccata", del "Trilogy" la primera, y del "BSS" la segunda y tercera, puedan parecer semi desnudas en comparación con sus versiones de estudio, pero una inconmensurable "Tarkus" con sus siete partes arregla el problema, que ya es un recuerdo lejano durante el transcurso de "Take A Peeble", super balada magistralmente cantada por un Greg Lake, que enlaza las fantásticas "Still...You Turn Me On" y "Lucky Man" entre una exhibición de Keith Emerson con su "Grand Piano".

Antes de acometer "Karn Evil 9" la banda se divierte con el Country-Western de "Jeremy Bender/The Sheriff", dos aportaciones de la banda para "Tarkus" y "Trilogy".

"Karn Evil 9" es posiblemente la pieza más arriesgada y grandilocuente del trío, alcanzando en éste directo los treinta y seis minutos, seis más que en la versión de estudio. El tema está secuenciado en tres movimientos llamados "Impresiones". En 1ST Impression se incluye una parte para lucimiento de Carl Palmer, que no desaprovecha tan pintada ocasión demostrando ser uno de los grandes colosos de las baquetas en la década de los setenta.

Este primer movimiento es también el más rockero, logrando por momentos picos de puro Rock duro con un Lake muy potente y desafiante a la voz, y unos riffs intensos que acompañan al órgano Hammond de Emerson.

 Los dos movimientos restantes siguen mostrando el virtuosismo, pero también la exageración de una banda irrepetible e irreemplazable dentro de un contexto que pueda parecer desfasado a día de hoy, pero que sigue generando admiración y reconocimiento hasta de Punk Rockers que salieron del armario como Joe Ramone o Johnny Rotten, fans acerrimos y en secreto del trío más Sinfo-Prog de la historia de Rock.

General Custer Rides Again



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Keith Emerson 1944-2016

miércoles, 9 de marzo de 2016

UFO "UFO 1 & FLYING" 1970/71: TROGLODITAS DEL ROCK DURO VOL 13

El vuelo de UFO dentro del Rock & Roll empezó a gestarse en el 69, fue en el norte de Londres, donde unos jovenes Pete Way, Phil Mogg y Andy Parker se unirán al guitarrista Mick Bolton formando Hocus Pocus.

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Bolton, Way, Moog y Parker
Poco después y en honor al club londinense UFO cambian de nombre por el que mundialmente se les conoce y reconoce, aunque dicho reconocimiento llegará de las manos de un rubio guitarrista alemán unos años más tarde.

Ahora ya estamos en los albores de la década de los setenta, el hippismo está agonizando entre los escombros dejados por Woodstock y muchos de los participantes del aquelarre se han enfundado los ropajes de aquella generación de precusores para seguir pregonando parte del mensaje.

Volviendo a Gran Bretaña, bandas como Free o Jethro Tull practican un Rock Duro basado en el Blues Rock mezclándolo con el Rock ácido de los Cream. Algo similar harán Led Zeppelin y Black Sabbath, pero dándole un efoque mucho más insano y pasado de vueltas, que llevará a que nuevas bandas abracen sus tesituras; Leaf Hound, Tucky Buzzard o UFO serán alguna de ellas.

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1970
Por lo tanto, tenemos elevadas dosis de Rock psicodélico, que mezclado con el Rock Duro nos dará ese primer Heavy Rock, que en el debut de UFO es más directo que lo que nos ofrecerán con su segunda grabación.

La primera canción que nos llama la atención es "Boogie For George", con unas guitarras en su comienzo muy Black Sabbath, de cuando los Sabbath del debut le daban al Heavy Blues cosa mala. Bolton se desata con un típico solo de la época y la base rítmica que formaban ya Pete Way y Andy Parker suena muy hipnótica y agresiva.

Otras dos canciones destacadas de este debut son dos potentes versiones de clásicos de los cincuenta que en los sesenta fueron recordadas gracias a las bandas de garaje que se empaparon de la British Invasion y del Rock and Roll de la década anterior.

 "C´Mon Everybody" y una pasada de vueltas "Who Do You Love" lucen junto a otras gemas de Heavy Pshyc propias de UFO como "Shake It About" o "Timothy", donde las influencias de Cream o The Who son bastante claras.

Puede parecer raro que a estas alturas de la reseña no hayamos hablado todavía de Phil Mogg, ese grandísimo frontman estaba en este debut en fase de aprendizaje como puede escucharse en la balada "(Come Away) Melinda". Será a partir de "Flying" un año más tarde, cuando la voz de Mogg empiece a parecerse a lo que nos encontraremos del 74 en adelante.

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1971
Con un solo disco en su casillero se quedaron montones de bandas que publicaron trabajos similares al debut de UFO, los londinenses mostrarán tener la suficiente imaginación y capacidad, para una segunda obra en la cual las versiones pasan a mejor vida y los temas propios dejan de sonar a Cream, para ir adentrándose en un "Space Rock" bastante original dentro del Rock Duro imperante en el 71. Además, la banda cosechará un pequeño éxito en algunos países como Alemania o Japón, dejando Reino Unido y los Estados Unidos de America para más adelante.

Bolton y Mogg son los que evolucionan más, desplegando el primero todo un abanico de posibilidades guitarrísticas en las que no deja de experimentar, siendo la larguísima "Flying" el laboratorio pefecto para llevar a cabo sus inquietudes psicodélicas.

Phil Mogg ya empieza a parecerse al deslumbrante vocalista que inmortalizará "Doctor Doctor" en la inicial "Prince Kajuku", un excitante Hard Rock Psych bastante original con guitarras muy ácidas e intrincadas melodías vocales, que se quedan en anécdota después de escuchar "Star Storm", una alucinada canción de largo minutaje, con sesión jam triposa que nos hace fantasear con unos Pink Floyd de haber seguido con Syd Barrett.

Más directa es "Silver Bird", un potente tema con buenas guitarras de Bolton y más cercano a lo que la banda ofrecerá en el futuro ya con el teutón Schenker a las seis cuerdas, cuyo final, es puro The Who.

Pete Way y Andy Parker, dos de los pilares fundamentales dentro de UFO, desarrollan un trabajo extraodinario  para que el Space Rock que realiza la banda  despegue en lo musical dentro de la delirante y comentada "Silver Bird", o de la final "Flying"; una odísea fantasiosa que supera los veinticinco minutos (algo con lo que Yes o Genesis ni siquiera soñaban en el 71) y que cierra la desconocida e interesante etapa de UFO pre Michael Schenker.




miércoles, 2 de marzo de 2016

MONTROSE: EL "ROCKETEER" DEL 73

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1973
El debut de MONTROSE es la "enciclopedia Larousse" del Rock Duro. Tiene todo lo que uno debe saber, conocer y amar del género voltaico por excelencia. Si existe un disco que nos voló los huevos antes del primer trabajo de Van Halen, seguro que fue el que unió a Ronnie con Hagar y con una brutal sección ritmica formada por el bajista Bill Church y el batería Denny Carmassi.

"Montrose" lo componen ocho obras maestras juntas o por separado; da igual que lo escuches del tirón o en modo "Shuffle", porque el jodido artefacto va dejarte exhasusto desde "Rock The Nation" a "Make It Last" como pocos discos hayan hecho.

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Capaz de ser Heavy Rock del que llevará de la mano a Aerosmith a partir del "Toys In The Attick" en "Rock Candy", o de mutar del Boogie Rock en las estrofas al Rock duro más mortífero en el estribillo de "Bad Motor Scooter", así se las gasta un trabajo que no hace prisioneros y que es el "Must Have" de la banda sin duda alguna. 

Con Ted Templeman a la producción, pillando puntos para  en un futuro cercano ponernosla durísima con Van Halen, haciendo que "One Thing On My Mind" suene a unos Bad Company cabreados con el mundo, o de que la guitarra de Ronnie parezca un cohete despegando del Cabo Cañaveral en la portentosa "Space Station Number 5".

Una lástima que el disco sea practicamente de culto, ya que temas ganadores como "Make It Last" o el anteriormente nombrado "One Thing..." bien pudieron tener su hueco en la Radio americana. Aunque eso no importa demasiado, ya que Montrose es un disco 10, el mejor trabajo en el que tocó Ronnie y en el que cantó Hagar, muy superior a los tres buenos discos que veremos a continuación.



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1974
Faltaban unos pocos días para cumplirse el primer aniversario del debut de Montrose cuando la banda saca "Paper Money", el disco de la confirmación que finalmente no lo fue y terminó con Sammy Hagar en claro "offside".

Las canciones son buenas, pero les falta el poso y la contundencia que tenían una "Rock The Nation" o una "Rock Candy", que en "Paper Money" solo se vislumbra en la bestial "I Got The Fire", que abre el segundo acto del disco y que sí es un tema sobresaliente.

"I Got The Fire" es un meteoro de guitarras ardientes, una de esas canciones de las que Eddie Van Halen tomó buena nota, y que nos hace preguntarnos el por qué es única en este segundo disco. Haggar más sobresaliente que nunca, alcanza el cenit vocal de sus dos primeras grabaciones justo en este punto, entre la maraña de riffs de Ronnie Montrose y el fuego amigo cruzado de la base rítmica.

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Presentando "Paper Money" en Inglaterra
De todas formas, muchas bandas de ayer y de hoy quisieran que su guitarra sonase como lo hace en "Spaceage Sacriface", donde Haggar está brutal, además de Carmassi y el nuevo bajista Alan Fitzgerald.

"Paper Money" opta equivocadamente por una pomposidad de la que son responsables los productores del disco Templeman y Montrose, y que tan buen trabajo habían realizado en el debut. Las orquestaciones en "We´re Going Home" o la inclusión del cover de los Stones "Connection" no acaban de funcionar, y ojo que es una versión muy diferente de la original, pero...

Montrose viajarían a Europa para presentar "Paper Money", abriendo para The Who, Bad Company o Humble Pie en Reino Unido, pero la suerte de la primera formación ya estaba echada al pasar de un debut 10 a un segundo disco de 6´5.





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1975
Y a continuación Ronnie se deshizo de Hagar, o Hagar se fue. El caso es que Bob James es el nuevo vocalista, estupendo por cierto, pero no tanto como Sam Hagar; digamos que su timbre es más Soul que Blues, más James Brown que Paul Rodgers. 

No es el único cambio que experimentan los nuevos "Montrose", Jim Alcivar será teclista de una banda en la que continuaban Alan Fitzgerald como bajista y Denny Carmassi como batería, siendo éste el único miembro del debut a estas alturas de la película junto al lider Ronnie Montrose.

El disco es tratado como si fuese el debut de una banda: "Warner Bros. Presents MONTROSE", o mejor dicho, como el de una película, con el rótulo del sello debajo de una portada evocadora del cine fantástico de los años 50, o incluso del de la Universal al modo "King Kong" de los años 30.

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La formación del tercer disco con James y Alcivar
El propio lider y guitarrista de la banda será el sustituto de Templeman como productor de un disco que mejora al anterior "Paper Money", pero que sigue estando a años luz del debut de la banda pese a ser un buen disco, variado y heterogéneo.

"Matriarch" es la estupenda carta de presentación de estos "nuevos" Montrose, con mucha fuerza Hard Rockera, velocidad y la verticalidad de los Purple del "In Rock", con un omnipresente teclado replicando a los speedicos riffs de Ronnie.

En al menos la mitad del disco, las canciones vienen firmadas por los cinco miembros de la banda, algo novedoso si lo comparamos con los anteriores trabajos, "Matriarch" es una de ellas, como "All I Need", un tema más melódico que mixtura sinfonismo y Rock and roll. 

Sinfónico es "Whaler", otro de los temas compuestos por toda la banda, aunque sinceramente prefiero números directos en los que manda la guitarra y los riffs pesados de Ronnie: la Aersomith "Dancin´Feet", el cover del tema que Ned Fairchild y Eddie Cochran compusieron en los 50 "Twenty Flight Rock" o el frenético Rock Duro sureño de "Black Train". Sin ser una obra maestra, Montrose se recuperan con éste tercer trabajo: 7´5





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1976
Reducidos nuevamente a cuarteto trás la salida de Alan Fitzgerald (el bajo lo tocará en el disco el músico de sesión Randy Joe Hobbs), la banda graba "Jump On It" en Nueva York por deseo expreso del nuevo productor del disco, Jack Douglas, nombre ligado a Aerosmith o al debut de Cheap Trick.

La banda trata de reverdecer los laureles del debut, pero siguen estando lejos de lo acontecido tres años atrás, y sólo la duración del álbum, que no supera los treinta y dos minutos iguala en algo al debut, ya que "Jump On It" no contiene ningún tema sobresaliente, como mucho, un par de temas notables.

Las canciones que son ocho, están compuestas por Ronnie, con la excepción de la inagural y rockera "Let´s Go" o el fornido tema que titula el álbum, ambos compuestos por todo el grupo; además de un par de canciones firmadas por Dan Hartman que buscaban las listas de éxito ( "What´s Are You Waiting For?" y "Rich Man"), pero que no me parecen adecuadas para una banda como Montrose.

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Al álbum le falta la mala leche no solo del debut, sino la del anterior "Warner Bros. Presents Montrose", lastrándolo la búsqueda de las radio fórmulas, que con temas como los nombrados de Hartman, el medio tiempo/balada "Crazy For You", o la final "Merry-Go-Round", restan personalidad a una formación que suena como tantas otras de mediados de los setenta. Hasta la guitarra de Ronnie parece demasiado Light; y es una pena, ya que no es la despedida que MONTROSE se merecían como banda. Pese a todo los pesares, "Jump On It" no es un mal disco, y es que no hay mal disco en el que toque nuestro hombre.

Los cuatro discos aquí tratados, han sido reeditados por el sello "Rock Candy" con bastante información y remasterizados,una excusa perfecta para rescatar el primer legado de un guitarrista, del que se cumplen cuatro años de su desaparición; una falta que se amortigua cuando nuestro reproductor lee temazos como "Rock The Nations", "Jump On It", "Matriarch", "I Got The Fire" o cualquiera de las canciones que han tenido la suerte de contar con las hábiles manos de Ronnie Montrose.

GENERAL CUSTER Rides Again


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