viernes, 31 de octubre de 2014

WHITESNAKE: "COME AN'GET IT"

littlebighornportadacomeangetit
MIRADA RETROSPECTIVA
Come an’ get it, el album babilónico.

A comienzos de la década de los ochenta Whitesnake era una máquina perfectamente lubricada dispuesta a seducir a las masas. Con tres discos de estudio soberbios a sus espaldas y un directo apabullante en las listas, David Coverdale y sus cómplices se encontraban en la posición privilegiada que venían demandando a base de “savoir-faire” y trabajo duro. Las cosas les venían de cara y no defraudaron, cogieron la ocasión por la melena y supieron aprovecharse de ella.


Hay discos que no entran a la primera, discos que necesitan más de una escucha para apreciar toda su magnitud pero Come an’ get it no es uno de esos discos. Es un álbum de rock directo y lujurioso, sin más artificios que una instrumentación excelente, una producción brillante y una voz en estado de gracia. Una obra que penetra directamente en nuestra psiqué para no abandonarla jamás.

La portada del disco no deja lugar a dudas, sobre un sobrio fondo negro se puede ver una lasciva vagina malamente disimulada en la lengua de una serpiente albina que enroscada sobre si misma sugiere con su cuerpo sensuales formas femeninas mientras nos mira de manera amenazante todavía atrapada en una húmeda manzana de cristal. La premisa está clara, sexo, o lo que es lo mismo rock & fuckin’ roll.

littlebighornfotobandasnake
FEOS Y GENIALES
La canción homónima Come n’ get it abre el disco con un lúbrico y sincopado ritmo mediante el cual Ian Paice guía el tema de manera magistral. Las letras de Coverdale son de esas que no tardarán en granjearle las iras de las reprimidas feminazis debido a sus explícitas insinuaciones sexuales. Un gran tema de apertura que nos deja con ansias de más.

Hot stuff es un puro trallazo hard de ritmo trepidante, salvaje y libidinoso, con un Hammond al que el maestro John Lord hace entrar en ignición.

El primer éxtasis del disco llega con Don`t break my heart again. Desde la primera frase “I’m gonna take it to the limit of my love” se puede apreciar que estamos ante una obra de arte en la que todo funciona a la perfección, desde esa base rítmica contundente y sólida hasta esos coros evocativos que apoyan perfectamente el desarrollo armónico del tema.
littlebighornfotocoverdale1981

 Coverdale se vacía emocionalmente en esta titánica pieza y el trabajo de Marsden es antológico, bello y conciso. La letra, como no, vuelve a tratar el tema recurrente de las reglas del juego, en este caso su vertiente más amarga. Todos los engranajes del grupo trabajan por un fin común, que no es otro que llegar al orgasmo sonoro.

Después de esta intensidad es el turno para la bella Lonely days, lonely nights. Con un sosegado comienzo bluesy que nos acaricia el oído interno y nos permite tomar aliento por unos instantes hasta que el tema desemboca en una nueva y romántica vorágine.

La cara A termina con Wine, women and song, un clásico atemporal del rock más festivo. Un sugerente piano honky tonk abre camino y nos conduce a un blues rock orgiástico que nos obliga a mover todos los miembros de nuestro cuerpo pecaminoso mientras disfrutamos de una simpática y juguetona letra. Toda una oda al ámbito más dionisíaco del rock compuesta por todos los miembros del grupo.

La cara B comienza con Child of Babylon, canción que junto con las tres anteriores constituye el corazón de este álbum. Una composición que versa sobre el recurrente tema del hijo pródigo. Utilizando algunas preciosas imágenes bíblicas David nos narra sus desventuras como pecador en este mundo corrompido. 

Sin duda es esta una de las mejores letras escritas por Coverdale, el progreso instrumental no le va a la zaga y sobre el buen trabajo de todo el grupo destaca la guitarra de Bernie Marsden, coescritor del tema, que nos obsequia con un emotivo solo. Una joya imprescindible para los “die hard fans”.

Es el turno de Would I lie to you, segundo single y típica canción de la banda, con una letra traviesa y retozona, de esas que hacen apretar las mandíbulas a las personas más cohibidas, con un estribillo pegadizo y machacón que reina sobre una delicia instrumental.

littlebighornfotowhitesnake3
LA SERPIENTE MORDIENDO!!
Girl es un tema singular en el que destaca el riff de bajo ideado por Neil Murray, un tema sexy y sugerente, con ligeros toques funkys, que nos trae a la mente los añorados marks III y IV de los Purple.
Hit an’ run es un vergajazo en toda la jeta. Una simple y directa canción hard con un buen solo de Moody al slide y una pincelada de “talk box” a cargo de Marsden.

Como colofón tenemos Till the day I die que comienza con una melancólica guitarra acústica tocada magistralmente por Micky Moody, y da paso a un tema apasionado que hace las veces de broche de oro ideal.

En definitiva Come an’ get it es el disco en el cual los Whitesnake británicos alcanzaron la perfección. Una apología del hedonismo y la concupiscencia a ritmo de hard rock de la vieja escuela perfectamente interpretado por todos sus miembros y con una magnífica producción del ubicuo Martin Birch.

Después de esto ya nada sería igual y aunque Coverdale continuaría publicando magníficos discos la magia primigenia se perdería por el camino. Whitesnake se convertiría en un vistoso árbol de navidad, con unos guitarristas pirotécnicos y una diva de melena dorada al frente del cotarro, pero el once de abril del año mil novecientos ochenta y uno esto era ciencia ficción y Coverdale, Lord, Marsden, Moody, Murray y Paice se despedían de nosotros al viejo estilo:
We wish you well.

Odiseo Haller










MR.BIG: "THE STORIES WE COULD TELL"

littlebighornhijodekeelmrbigportada
NOVEDADES 2014
Desde finales de los años 80 y con mucha calma, Mr. Big han sido uno de los grupos punteros dentro del Rock Duro melódico.

Herederos del apelativo "Super Grupo" y formado por unos super músicos y un cantante como la copa de un pino, vivieron su era dorada hace más de 20 años, aunque curiosamente, sus mejores trabajos empezaron a llegar con la madurez.

Hace cuatro años nos ofrecieron "What If", el disco perfecto sin un solo pero y en el que todos los elementos estaban alineados para que público y crítica lo saludasen no solo como un extraordinario retorno tras diez años, "What If" era posiblemente su mejor trabajo registrado en un estudio.

Este "The Stories..." puede que sea una continuación de aquél ( si es que hasta el color de la portada es igual) aunque le falta, o mejor dicho, le sobran dos o tres canciones para llegar al sobresaliente, canciones que no aportan demasiado y que, aunque impecablemente ejecutadas, suenan a pequeño apagón al lado de las muchas luminarias que nos ofrecen Mr. Big en esta nueva obra.

El disco adolece por ejemplo de los arrebatos que Billy Sheehan ejercía sobre su instrumento (bajo) en el pasado ¿Os acordáis de Talas o los dos primeros trabajos en solitario de David Lee Roth? Pues Sheehan está bastante comedido en la actualidad, sonando como un hombre de grupo, en un rollo a lo John Entwistle.

Paul Gilbert sigue siendo un puto crack a la guitarra y Pat Torpey ha estado lo indeciblemente bien que su enfermedad (Parkinson) le ha permitido (en la actualidad Matt Starr está tocando con la banda), mientras que Eric Martin sigue sacando lo mejor de su repertorio para el mismo, cantando tan jodidamente bien como toda la puta vida, aunque me cuentan, que en directo últimamente las está pasando canutas.

littlebighornkeelhijofotomrbig1

Pues bien, agoreros aparte, en "The Stories"...Mr. Big ofrecen casi lo mismo pero más crudo, dándole esa efervescencia y mala leche que las bandas de Rock Duro americanas se gastaban en los años 70. Por eso el sonido en general del álbum parece menos comercial, y digo parece, porque una vez escuchadas canciones como "Fragile" o "Satisfied", te das cuenta de que ambas han nacido para vivir y morir en alguna frecuencia de una emisora de radio que no tenga el gusto en el culo.

Otro punto fuerte de la banda en su dilatada carrera (de años más que de discos) son las baladas y medios tiempos. Lejos están los días del "Be With You", pero relativamente cercanos los de "Stranger In My Life", la sobrecogedora balada de su anterior trabajo. En este nuevo álbum hay unos cuantos momentos sosegados, siendo "The Man Who Has Everithing" el más destacado de ellos ¡Peazo de baladón chavales!

"The Stories We Could Tell" está tan bien hecho como esperábamos, en un disco de Mr. Big no hay errores ni adrede, son una banda metrónomo y lo han vuelto a demostrar. Por poner un pero, la hora que dura el disco se hace más pesada que con su anterior disco; la diferencia entre un trabajo sobresaliente y uno que ralla lo notable.

El Hijo de Ron Keel






martes, 28 de octubre de 2014

ROCKPORTAJE: "JACK BRUCE GOODBYE..."

Jack Bruce. La crème de la crème.

Jack Bruce ya no está con nosotros mas siempre estará en nosotros.
Compositor extraordinario, cantante exquisito e intérprete genial que revolucionó el bajo eléctrico de una manera nunca antes vista. Fue un estudioso de la música, tanto de la culta como de la popular, y un trabajador incansable que militó en muchos y grandes conjuntos. Se suele decir que tal o cual músico fue el Hendrix de su instrumento, personalmente creo que la aseveración correcta sería decir que Hendrix fue el Jack Bruce de la guitarra eléctrica.

littlebighornkeelhijojackbrucefoto1

Asimismo el trabajo de Jack Bruce a las voces debería ser tomado muy en cuenta. Puede que no fuera un cantante espectacular ni innovador, pero está claro que tenía personalidad, garra y toneladas de clase. Siempre es un placer escuchar su diáfana voz.

Hablar de este gigante de la música popular es hablar de Cream, el grupo dónde dio lo mejor de sí y que cambió el devenir del rock. Echando la vista atrás parece increíble que en apenas tres años de existencia, y con sólo cuatro discos pudieran dejar una impronta indeleble en la cultura popular, pero justamente eso fue lo que hicieron. Cuatro discos imprescindibles que lo cambiaron todo y que fueron como una patada a un avispero del que surgieron innumerables bandas que conformaron la edad de oro del rock.

Este triunvirato fue creado cuando Eric Clapton decidió abandonar las filas de los Bluesbreakers de John Mayall y contactar con el excelso batería Ginger Baker, el cual militaba en The Graham Bond Organisation. La cara de éste cuando Clapton le dijo que quería trabajar con Bruce, con el cual había coincidido brevemente en los Bluesbreakers y en el proyecto Powerhouse, debió ser un poema épico, ya que es bien sabido que la relación entre Bruce y Baker no era precisamente armónica. Cuentan las leyendas que sus enfrentamientos cuando militaban en el grupo de Graham Bond eran apoteósicos. Sabotajes mutuos, peleas escénicas e intimidaciones con arma blanca estaban a la orden del día. Un conflicto de dimensiones legendarias vamos. Pero el caso es que Baker accedió y juntos constituyeron una sección rítmica que llevaría la música rock a un nivel de excelencia nunca antes vislumbrado. Llegaron para cambiarlo todo y así lo hicieron. Eran jóvenes, eran veteranos, eran virtuosos, eran ambiciosos y eran arrogantes, eran el futuro rock .

littlebighornkeelhijofotocream2
CREAM "POWER TRIO"
Es de justicia decir que estas tres personalidades imprimieron su carácter en la música del grupo, y que nada sería igual si faltara uno de ellos, pero lo cierto es que Bruce fue el principal cantante de la banda, así como el compositor más prolífico. Suyas son algunas de las mayores joyas que grabaron, maravillas como I feel free, NSU, SWLARB, White Room y Politician, la mayoría coescritas junto con el gran letrista Pete Brown, que también comparte créditos con Clapton y el propio Bruce en la que posiblemente sea su canción más recordada Sunshine of your love.

Cream fue el origen de muchas cosas, fueron el Big Bang de lo que estaba por llegar y después de la publicación de su primer álbum ya nada sería igual. Para los anales nos dejan cuatro discos imprescindibles en los que conjugaron magistralmente Rock, Blues y Pop con algunas pinceladas jazzísticas e incluso de música folk, cuatro gemas con nombre propio que nadie debería pasar por alto, a saber:
Fresh Cream, Disraeli Gears, Wheels of fire y Goodbye.
Discos que junto con los muchos albumes recopilatorios y los directos Live Cream, Live vol. II, BBC sessions y Royal Albert Hall constituyen una discografía sin fisuras, en la que el genio de nuestro querido Jack Bruce brilla con luz propia. Obras de arte en las que sentó cátedra, que influirían decisivamente en la música que estaba por venir y que marcarían su propia carrera, ya que nuestro héroe volvería de manera recurrente a este formato de power trio que le dio fama mundial y gloria imperecedera.
Sin duda lo añoraremos sin medida, pero lo cierto es que ahora es inmortal.
Buen viaje maestro.

 Odiseo Haller.


littlebighornkeelhijojackbrucefoto3
JACK BRUCE 1943-2014





lunes, 27 de octubre de 2014

WINGER: "BETTER DAYS COMIN'"

littlebighornkeelhijoportada
NOVEDADES 2014
Diablos, nunca pensé que algún día tendría expectativas ante un nuevo trabajo de WINGER. Pues si, y no es la primera vez...

...La culpa no es soltera amigos..."IV" (Si, el mismo original nombre de tantos y tantos discos) hizo que un buen día Kip Winger dejara de ser el guaperas que firmaba canciones pasteleras para muchos, y obviamente para sí (ese debut del 88 con "Madalaine" o ese segundo álbum del 90 titulado "In The Heart Of The Young") y se convirtiese en un músico libre de las ataduras impuestas por el mercado "Pre-Grunge" de finales de los 80.

Después llegó el sensacional "Karma" y un lustro más tarde "Better Days Comin'", un título que queda niquelado con la situación global de este mundo que nos ha tocado vivir.

Pues bien, este nuevo disco no llega a la altura de "Karma", pero tampoco se queda demasiado rezagado. Creo que "Karma" es un disco mucho más inmediato y explosivo que este nuevo trabajo de Kip Winger que necesita de varias escuchas, pero que tiene una calidad incuestionable.

Reb Beach (¡Como toca el jodio!) y Kip Winger  meten el dedo en la partitura y consiguen que las cinco canciones iniciales sean casi un jodido repoker de temazos.

"Midnight Drider of a love Machine". Ese comienzo con olor a gasoil y encendido de motor se funde con un inconfudible riff de Reb Beach en un tema que fusiona estilos. Arreglos ochenteros los justos (haberlos haylos) y si, potente Rock Duro de macizos riffs y estribillo de tíos duros más cercanos a The Cult, que a cualquier tema de sus dos primeros discos.

littlebighornkeelhijofotowinger

"Queen Babylon" es otro buen tema, denso y oscuro por momentos, kip Winger le imprime un aíre místico con las teclas y el estribillo, haciendo las guitarras de Beach  el resto...

...Ahora llega el momento critico de "BDC" y se llama "Rat Race". Un tema adimensional, cercano al Heavy Rock americano que los Dokken hacían por ejemplo en "Erase The Slate" (si, el disco de Dokken en el que tocó la guitarra Beach) un corte duro en el que la banda no admite prisioneros, Kip Winger, Beach,John Roth (excelente guitarrista) y Rod Morgenstein no se andan con gilipolleces, cada cual atina con su instrumento; la garganta de Kip...¡Bien, Gracias! Uno de los temazos del año amigos.

"Tin Soldier" no es un "cover" de los Small Faces, sinceramente lo esperaba...
...colchón de teclados solapando las partes de guitarra de Beach para un buenísimo tema de corte moderno que a mi me recuerda a los mejores Harem Scarem.

Otro corte moderno es la atmosférica "Ever Wonder", una atinada balada pop para todos los públicos.

Lo más parecido a los primeros tiempos de Winger quizás venga recogido con pinzas en "So Long China", porque luego con "Storm In Me" y "Another Beutiful Day" la cuerda vuelve a tensarse. Beach recrudece nuevamente el sonido de su guitarra y el ambiente de ambas canciones se torna entre épico y oscuro.

Los ecos de la música pop que había dejado "Ever Wonder" cogen fuerza nuevamente en la bonita "Be Who You Are, Now" donde la voz de Kip me hace recordar a Steve Hogarth.

Lo dicho, "Better Days Comin'" no es "IV", "Karma" ni "Pull"; aquel disco del 93 que empezó a cambiarles, pero es un trabajo super disfrutable, con unos músicos entregados en pos de la canción de Rock duro y no tan duro perfecta...casi lo han conseguido. Notable.

Caído en Little Big Horn



jueves, 23 de octubre de 2014

FLYING COLORS: "SECOND NATURE"

littlebighornkeelhijoportadaflyingcolor
NOVEDADES 2014
A algunos el debut de Flying Colors nos dejó impresionados. Cuando se anunció el nombre de este nuevo proyecto de músicos de primera fila e intachable reputación, la sensación era de curiosidad por el hecho de contar con un cantante desconocido (bueno, seguro que habría alguien fuera nuestro mundillo que conocía a Alpha Rev) pero de esperar un disco con influencias clásicas de grandes del progresivo setentero típicas en las colaboraciones de Neal Morse y Mike Portnoy. 

Pero no, lejos de aquello su propuesta, aunque de carácter prog, sonaba refrescante, diferente y bastante directa, la aportación de Steve Morse y su fiel compañero de fatigas musicales, Dave LaRue, más la voz de Casey McPherson, sin duda influyeron. 

Y aquí estamos, dos años después, con “Second nature”.  
Si bien es cierto que una primera escucha, y ya perdido el factor sorpresa, el disco puede resultar menos directo, sí que termina siendo uno de esos trabajos que van dejando un poso indeleble en sucesivas escuchas y termina estando al nivel de su predecesor.

“Open up your eyes” es sin duda un tema progresivo de pies a cabeza pero sus doce minutos de duración están muy bien aderezados. Ese delicado piano que lo abre y al que Steve Morse va doblando con su guitarra será la base melódica para un plato en el que cada músico va añadiendo sus ingredientes, como La Rue especiando por encima del resto con un slap, McPherson suavizando con su personal voz para evitar que los menos glotones se empachen y Portnoy batiendo la mezcla de manera constante para que no se apelmace. Una delicia para chuparse los dedos. 

littlebighornkeelhijoflyingcolorfotoportada2

Otro punto a favor del grupo es su permeabilidad a sonidos actuales. “Mask machine” tiene claras influencias de Muse, un grupo del que Portnoy es fan (en Dream Theater aparecieron sus ecos) y cuya impronta en el ritmo con el que LaRue abre la canción es palpable. El riff con el que le sigue Steve Morse es de los pegadizos y su solo marca de la casa. 

“Bombs away” arranca con las guitarras intercambiando impresiones en cada canal como si mantuvieran una conversación en la que el bajo pareciera querer unirse. Es un inicio que marca la línea a seguir durante gran parte de su duración, pero tiene algunos giros insospechados, como el que viene tras su estribillo utilizando el nombre del tema y desembocando en otro, digamos, “falso” con un McPherson imprimiendo un toque dramático.

 Además, y como muestra de las influencias de los clásicos, hay un pequeño pasaje de claras influencias de Kansas, algo que también pasa en el inicio de “A place in your world”, una de esas canciones que junto a “Lost without you” o “The fury of my life” ya se pueden considerar la seña de identidad del grupo, sonido progresivo pero con un claro toque pop rock y estribillos melódicos. 

littlebighornkeelhijofotobanda

“One love forever” pone la nota diferente con sus aires celtas y “Peaceful harbor” la delicadeza con un Casey que emociona en su parte inicial y unos coros femeninos épicos en su parte final. Y hablando de final, queda la otra gran canción progresiva del disco, “Cosmic Symphony”, que pese a lo que pueda pensarse al pensar en su extensa duración (doce minutos) y viendo de quienes hablamos, no es un número estándar.

 Formada por tres segmentos, los músicos se ponen al servicio de la canción, su primera parte es tranquila, con Portony haciendo de metrónomo, los teclados tocando una misteriosa melodía y Steve Morse haciendo pequeños arreglos con Dave LaRue saliendo a la palestra para mostrar sus dotes a las cuatro cuerdas.

 Su segunda parte, más vocal, con Neal Morse a la cabeza hasta que el grupo “explota” en armonía, Morse nos regala uno de sus inconfundibles solos (no nos perdamos de nuevo a LaRue esta vez al fondo) y el tema avanzará hacia su melódica, magnética y bella parte final.

En fin, que hablamos de un trabajo que requiere más paciencia para el oyente (algo que cada vez parece ser más difícil de encontrar ante tanta oferta), seguramente no tan fácil como el debut para los menos iniciados en el prog, pero sin duda de una gran riqueza una vez se mete en tu cabeza.

Albytor








BRIAN SETZER "ROCKABILLY RIOT

littlebighornkeel-setzernewalbum
NOVEDADES 2014
Pues bien amiguitos, el rockabilly más chuleta y patriota de los USA está otra vez en ruta. El de New York vuelve con un trabajo que lo aleja de los sonidos pizpiretos de la "Brian Setzer Orchestra" o de sus homenajes rockabilly clásicos como el que le tributó a  "Sun Records", el mítico sello en el que pulularon monstruos de la pasada Centuria como el mismísimo Johnny Cash.

Setzer se hace acompañar en este "Rockabilly Riot! All Original" por viejos conocidos suyos: El contrabajo es para Mark Winchester, un músico que ya había trabajado con Setzer en su orquesta y en el tremendo "Ignition"de hace más de una década. 
La batería es en esta ocasión para Noah Levi, con Setzer se le vio en el proyecto "Setzer Goes Instrumental", y finalmente el piano es para Kevin McKendree, un interprete perteneciente a la escena de Nashville a la que Setzer lleva ligado unos cuantos años.

Para que nadie se lleve a engaños hay que señalar que este nuevo trabajo del guitarrista americano no tiene demasiado que ver con el rockabilly que practicaba con los maravillosos "Stray Cats". El disco es en general una amalgama de estilos emparentados entre si, pero tocados por la divina guitarra "Gretsch" del rubio neoyorkino, que vuelve a deslizar sus dedos con maestría tanto a la hora de departir sobre Rockabilly puro, Rock And Roll o incluso Rock Americano, momento en el cual Setzer saca genio y sus riffs más duros.

littlebighornkeelsetzernewalbumfoto2

Las canciones en general son buenas.
La verdad es que Setzer ha completado un trabajo muy heterogéneo sin apenas bajones, que en su computo general es casi notable. Con una duración total de esas que ya no se llevan, van cayendo temas rompe caderas que desde la inicial "Let's Shake" no admiten prisioneros.

Para las baladas hay poco espacio, una concretamente. "The Girl With The Blues In Your Eyes" es ese momento de sosiego ante tanto despiporre rockanrolero.

Otros temas de material altamente incendiario son las rockeras "Vinyl Records" (homenaje total a lo que se coció mismamente en el sello "Sun" en los 50), "What's Her Name o la simpática "Calamity Jame", un rock and roll humedecido con pinceladas de Country.

"Rockabilly Riot! All Original ha sido grabado en Nashville, concretamente en los estudios que la "RCA" tenía en dicha ciudad, y digo tenía, ya que se han cerrado recientemente, siendo Setzer el último en grabar en ellos. Curiosamente Elvis los inaguró y Setzer los cierra.

Caído en Little Big Horn



jueves, 16 de octubre de 2014

THE WHO: WHO'S NEXT 1971

littlebighornkeelwhoportada
MIRADA RETROSPECTIVA
En 1971, THE WHO volverán a demostrar que eran una de las más grandes bandas de la historia del Rock And Roll.
¿Eres tú el siguiente? Se convertirá en un gran éxito tanto de crítica como de ventas, gracias a una arrolladora colección de canciones que volvían a ser ideas concebidas dentro de la cabeza de Pete Townshend. Pero para que el disco preferido por muchos de sus fans se hiciese realidad, los Who y Townshend pasarían por un sinfín de quebraderos de cabeza.

En un principio el disco fue pensado como un trabajo conceptual al uso y estilo de "Tommy", la celebrada ópera Rock que la banda había lanzado en 1969.
"Lifehouse" debería de haberse titulado...
...Sí "Tommy" era una historia más o menos compleja ,"Lifehouse" lo era aún más.

Se trataba de una complicada ópera rock de pura y dura ciencia ficción al más puro estilo del escritor norteamericano Philp K Dick, en la cual el mundo entero estaba conectado y gobernado por una computadora que dejaba al "Hal 9000" como un auténtico pelele.

La idea estaba en la cabeza de Townshend, pero ni el resto de los miembros de los Who, ni el púbico que abarrotó inicialmente los ensayos de la banda para "Lifehouse", entendieron el mensaje que Pete quería lanzar al mundo con esta nueva y ambiciosa obra.

La pretendida ópera Rock al no acabar en nada, truncó las expectativas e ilusiones de Townshend que acabó profundamente decepcionado y al borde de una depresión. Finalmente el manager de la banda, convenció a Pete de que las canciones que pretendían adornar "Lifehouse", fuesen grabadas con la normalidad de un disco de los Who, desechando cualquier acercamiento a una ópera Rock.

littlebighornkeelthewhofoto2
Así "Lifehouse" se convertirá en "Who's Next", el posiblemente mejor trabajo de los Who, y uno de los mejores álbumes de Rock de la década de los setenta.

El disco se graba entre Mayo y Junio de 1971 con Glyn Jones que venía de trabajar con los Stones en el esencial "Sticky Fingers" a los mandos técnicos.

La banda libre de tensiones y con un Townshend alegre y relajado, grabará alguna de sus mejores y más inspiradas canciones, empezando por la megalítica "Baba O'Riley", con esa intro y final con violín eléctrico que la convierten en algo muy especial para todos aquellos que la escuchan por vez primera.

Otra de las cosas que hacen tan singular a "Baba O'Riley"es su rítmo, el bajo de John Entwistle y la imposible batería de Keith Moon, sustentan esta maravilla a la que terminan de glorificar los guitarrazos de Townshend y la tremenda voz del carismático Roger Daltrey.

"Bargain" prosigue con asombrosa naturalidad su camino por el Rock sobresaliente, aunque en este caso es un Rock Duro en el que Daltrey se lleva el gato al agua, haciendo una demostración portentosa en los momentos sosegados (que los tiene) de este sensacional número, un tema que será de los fijos en la gira inminente que los británicos despacharían por suelo europeo y norteamericano.

A continuación llega el turno de "Love Ain't For Keeping" y "My Wife". Para la primera los Who se destapan acusticamente con Townshend y Daltrey descorchando un tema que es "Moet Chandon" en estado puro. "My Wife" es una genialidad cantada de vicio por John Entwistle, que se la dedica a su mujer, con la que estaba teniendo todo tipo de problemas. "My Wife" es un genial tema de Rock reclinado sobre un colchón de instrumentos de viento que le inculca un carácter único al mismo.

littlebighornkeelwhofoto3
"WHO'S NEXT TOUR!!!"

La primera cara la cierran los Who con "Song is Over", una preciosa canción sinfónica en la que vuelva a brillar por encima del resto de los componentes de la banda (es una apreciación personal) Roger Daltrey.

El otro lado del disco, comienza con una "Delicatessen"; "Getting in Tune". Un tema con aroma a balada que no lo es tanto, y que se hace querer gracias a Nicky Hopkis, el cual le imprime un ritmo
genial con su piano.

"Going Mobile" puede parecer un tema menor dentro de "Who's Next", pero obviamente no lo es. El gran culpable quizás sea Keith Moon y su sobradísimo arte percusionista en la parte final del mismo.

Una vez consumidos estos dos temas entramos en la parte final del disco, con los dos temas más legendarios del mismo con el permiso de la inicial "Baba O'Riley".

"Behind Blue Eyes" es la gema del disco, una balada que no lo es tanto, una suerte de tema que se convierte en "Power Pop" (género que los Who casi inventaron junto a Easybeats primero, Big Star y Greg Shaw después) gracias a su aceleración, y a que posee uno de los finales más flipantes  de la historia del Rock.

Este final viene unido con el comienzo de "Won't Get Fooled Again", al que se le puede otorgar el mismo calificativo del final de la anterior canción.
Este brutal tema compuesto por Pete Townshend es el perfecto final de disco. Con una intro con un poderoso acorde al aire de Pete, al que se une una base programada de teclado, comienza este legendario tema.

littlebighornkeelwhofoto4
"ÉXTASIS WHO!!!"
El teclado ya no desaparecerá a lo largo de la canción y ayuda a alcanzar un climax total en su última parte,  al unirse a un gran solo de Keith Moon y a un aullido desgarrador de Roger Daltrey que corta la respiración, terminando el tema con la banda rematando como si de una sinfónica se tratase. Ni que decir tiene que "Won't Get Fooled Again" es el mejor tema del disco para un servidor y uno de los más emblemáticos de los Who a ojos de los fans de la banda.

La portada del álbum también es emblemática. En ella aparecen los miembros de los Who orinando sobre una especie de monolito al estilo "2001 Una Odisea en el Espacio", alguna de las meadas fueron simuladas con agua.

"Who's Next " fue publicado en USA el 14 de Agosto de 1971 y el 25 de ese mismo mes en el Reino Unido, con distribución de "Decca/MCA" en America y de "Track/Polydor" en Gran Bretaña.

Caído en Little Big Horn



BERNIE MARSDEN: "SHINE"

littlebighornkeelmardsen
NOVEDADES 2014
Hay músicos a los que el "Rock and Roll" les debe mucho. Tipos que no han tenido la suerte que se merecían por culpa de unas circunstancias injustas la mayoría de las veces.

Uno de esos tipos ¡Que digo tipo! Mejor señor o caballero, es Bernie Marsden. El bueno del rechoncho músico de Weston-Super-Mare lleva en el negocio desde el año 1970, cuarenta y cuatro largos años en los que ha tenido de todo, grandes momentos (no muchos) y pequeños (casi todos).

Desde el año 70 ha cultivado casi todos los estilos emparentados con el Rock, haciendo hincapié en el Blues Rock y en el Rock Duro. Whitesnake fue su gran baza desde el 78 al 82, momento en el que Coverdale prefirió dar un giro al sonido de su banda y prescindir de los servicios de Marsdsen.

Desde entonces Bernie ha deambulado con bandas de tercera y cuarta división, grupos como Alaska, de los que el guitarrista nada quiere saber en el presente, o bandas con las que repetir una y otra vez su legado y contribución a "La Serpiente Blanca", los "Company Of Snakes", "The Snakes", etcétera, etcétera, etcétera...

En solitario también ha buscado su sitio siempre rodeado de amigos lejanos como Micky Moody o en discos tributo a artistas a los que Mardsen ha admirado como Peter Green.

Este año el músico británico ha querido rendirse un homenaje a si mismo y rodeado de la flor y nata del "Classic Rock" nos ofrece un estupendo trabajo de eso mismo. Amigos de siempre como Ian Pace o el teclista Don Airey, amigos más actuales como el inefable Joe Bonamassa (¿Este tío duerme???) son algunos de los nombres de los que le echan un cable a Mr Marsdsen.

littlebighornkeelmarsden2
Bernie "BluesMan" Marsdsen
El nombre más ilustre de los colaboradores de "Shine" (nombre del disco) es sin lugar a dudas David Coverdale. El amo de la serpiente más famosa del Rock duro se marca un estupendo "Trouble" y me demuestra nuevamente que el amigo David debería dedicarse a la faceta Blues Rock y no seguir arrastrando su buen nombre por el fango como hace en la actualidad, pero eso ya es otro tema...

La calidad de este "Shine" es innegable e innegociable, Bernie lo borda con su guitarra tanto en los temas más Blues ("Linin' Track", un tema que los Aerosmith versionearon en el estupendo "Permanent Vacation"), como en los Rockeros ("Kinda Wish She Would", donde Bernie suda "Boogie Rock" a lo ZZ Top del bueno   ), e incluso en los que están claramente orientados a la FM de hace treinta años, temas que como "Wedding Day" rezuman AOR británico a lo FM (Banda no frecuencia) y Rock clásico a lo Bad Company.

Todo ello ha sido grabado para mayor Gloría del ex Whitesnake en los míticos  "Abbey Road", testigos de tanta y variada buena música, la misma que ofrece Mardsen en "Shine", algo más que un buen disco de Rock clásico.

Caído en Little Big Horn




jueves, 9 de octubre de 2014

SOUNDGARDEN "BADMOTORFINGER" 1991

Joder, que difícil resulta definir el término “grunge”. Yo soy de la opinión de que, en ese saco, malintencionadamente, se incluyeron a muchas bandas que poco tenían que ver con Nirvana, los presuntos inventores del género. Si acaso, la ubicación geográfica, Seattle, una ciudad que en los noventa hervía, musicalmente hablando.

soundgardenretrospectiva1
MIRADA RETROSPECTIVA
Porque, vamos a ver… díganme Vds, que coño tiene que ver una banda tan influenciada por el rock clásico americano de siempre, como Pearl Jam, con los aullidos maníaco-depresivos de Cobain. O que cojones hace una banda como la que vamos a comentar, Soundgarden, dignos herederos del sonido Black Sabbath, con esa misma historia. El caso era poner etiqueta, si o si, aunque ello conllevara el meter la pata de manera atroz.

En fin, hechas las pertinentes aclaraciones personales y, como diría mi padre, vamos al lío…

“Badmotorfinger” fue el tercer trabajo de la banda de Chris Cornell y cía. Una compañía que había sufrido varios cambios de alineación, y que, en este trabajo, encontró la formación que todos denominamos como “clásica”. Cornell y su increíble manera de cantar, alcanzando agudos a los que muy pocos se han acercado. Thayil y su guitarra extraña, unas veces aullante, otras, ululante.

 Difícil clasificar el estilo de este hombre, en apariencia tranquilo y sosegado, pero capaz de desatar tormentas de notas sin control, perfectas para los desquiciados temas de Soundgarden. Y una base rítmica al alcance de pocos grupos en este planeta. Shepherd y Cameron forman una sociedad en este disco que en algunos momentos se hace dueña y señora del cotarro. Saturación de graves, golpeo incesante… como si cada uno de los músicos fuera por libre pero, al mismo tiempo, ese caos formara parte de un todo homogéneo.

Con la dinámica “Rusty Cage” empieza ese caos organizado. Un tema que sabe a aceite de motor, e igual de denso. Esa densidad va a ser, al mismo tiempo, el denominador común de casi todos los temas de este trabajo. El dinamismo se interrumpe hacia el final del tema, convirtiéndolo en una canción que se arrastra, enfangada, por territorios psicodélicos inexplorados. De psicodelia saben también un rato estos cuatro elementos.

Le sigue “Outshined”, un medio tiempo entre sugerente y amenazador, con un estribillo demoledor, que da paso a una pesada, muy pesada (en el sentido más Sabbath de la palabra), “Slaves And Bulldozers”, con esa chirriante guitarra de Thayil, y un Cornell aullante que casi escupe trozos de laringe del esfuerzo al que somete a su garganta.

fotosoundgarden2
SOUNDGARDEN o la semilla del Grunge

La desquiciada, pero al mismo tiempo eficaz, “Jesús Christ Pose”, es quizá el punto álgido y más significativo del disco. Este tema define claramente el estado musical en el que la banda se encontraba en ese momento, y sirvió para patentar el sonido característico de la misma. Toda una experiencia, y un clásico al mismo tiempo.

Cuando aún no nos hemos repuesto de la experiencia anterior, “Face Pollution” y su urgencia nos golpean sin miramientos. Un tema casi punk, veloz, corto… y cortante.

Shepherd firma la siguiente, “Somewhere”, otro tema en el que reconocemos la marca del sonido que posteriormente hará perfectamente identificables a Soundgarden. La psicodélica parte final se hace un poco larga y monótona, algo que quizás no venía a cuento.

Yo particularmente noto la parte más grunge de este disco en “Searching With My Good Eye Closed”. Ahí si noto quizás la influencia de Cobain y Nirvana. Es por ello por lo que puede que sea uno de los temas en este disco que menos me llama la atención. El nivel del resto está muy por encima.

foto3soundgardenblogcaido
Cornell y cia haciendo sangre!
En algún sitio escuché que este era uno de los álbumes más representativos de “heavy metal” de todos los tiempos. Yo no me atrevería a decir tanto… ni siquiera a tachar este disco como “heavy metal”, pero supongo que todas esas conclusiones las sacó alguien escuchando “Room A Thousand Years Wide”, y su poderoso riff. Uno de los temas más potentes del disco, Cornell recitando y Thayil ululando su guitarra en un segundo plano, mientras el riff te golpea. Venga, vale… vamos a considerar ésto como auténtico metal, aunque ese ¿solo? de saxofón me rechina, y nunca mejor dicho, bastante.

La parte final del disco se abre con “Mind Riot”, quizá otro de los temas prescindibles, y Sabbath vuelven a reencarnarse en “Drawing Flies”, con una buena dosis también de rock clásico setentero. “Holy Water” es otro tema pesadote, quizá algo deslabazado, pero con fuerte influencia también del rock 70’s.

Nos vamos con “New Damage” y su aire bluesy, pantanoso. Para mi gusto, en esta última parte del disco, Soundgarden abandonan un poco su esencia principal para empaparse, pero bien empapados, de sus principales influencias.

Este grupo en esa época se convirtieron en una auténtica superpotencia, y algún avispado ejecutivo de la discográfica se dio cuenta del filón, intentando reconducir a la banda por senderos más convencionales. Aún darían algún coletazo de su poder en el siguiente, y potente aún, “Superunknown”, que combina la fiereza de este disco con esos derroteros mainstream a los que me refiero. Lástima que esa potencia se fuera diluyendo poco a poco en posteriores entregas, hasta quedarse casi en algo testimonial.

Uno de los mejores discos de rock duro de los últimos tiempos, al que algunos aún rendimos pleitesía.


Ritchie Moreno





MOTT: "DRIVE ON & SHOUTING & POINTING"...REEDICIONES

drive fotoportada keelhijo

Pocos dudarán de que "Mott The Hoople" son una de las formaciones más significativas del Rock británico de los años 70. Dentro del "Glam Rock" tendrían su puesto de honor en
 un podio coronado por Queen y con compañeros como los T-Rex de Bolan o los galeses Slade.

Bowie (David) era un fan de la banda y les produjo "All The Young Dudes", el disco del antes y el después para los Hoople. La banda liderada por Ian Hunter y el guitarrista Mick Ralphs no había tenido demasiada fortuna con sus primeros discos, algo que cambiaría gracias al disco producido por Bowie y el tema que lo titulaba que estaba compuesto igualmente por el músico de Brixton.

Desgraciadamente la estabilidad en el seno de la banda de Herefordshire quedaba en entredicho con un Ian Hunter enfermizo primero y un Mick Ralphs que se pira para hacer las americas junto a Paul Rodgers en los Bad Company.

Tres de los miembros de los Hoople, Morgan Fisher (teclado), Overend Watts (bajo) y Dale Griffin (batería) deciden seguir con la banda, aunque acortan el nombre ("Mott") y fichan al guitarrista Ray Major y al vocalista Nigel Benjamin.

La banda con esta formación durará un par de años (escasos) en los que publicará dos excelentes y entretenidos trabajos de "Glam Rock" con incursiones en el Rock Duro. "Drive On" (1975) y "Shouting & Pointing" (1976) fueron producidos por la banda el primero y por Eddie Kramer el segundo, cosechando ventas muy discretas y no pocos varapalos de los críticos de la época. Los golpes más duros eran para el vocalista Nigel Benjamin al que se le machacaba por su timbre agudo de voz (personalmente me recuerda al de John Stockdale de Wolfmother).

La banda se lo curró durante los dos años de su existencia con continuos tours por Europa y USA. Parece ser que en Norte América la crítica fue benévola con su música y en directo despacharon excelentes shows abriendo para bandas como Kiss o Aerosmith, con los que tendrían una buena relación, especialmente con los de Boston.

foto portada 2hijodronkeel
Parte de aquella gira la hicieron como cabezas de cartel de bandas tipo Montrose y solían encontrarse ante un público receptivo que no lo era tanto cuando veían que Ian Hunter ya no era parte de la banda. Pese a todo Mott resolvían la papeleta con incendiarios conciertos en los cuales desgranaban el repertorio de "Drive On" y "Shouting", Joe Elliott de Def Leppard fue uno de los testigos de la fuerza de los nuevos Mott.

"By Tonight" y "Shouting & Pointing" son los dos rockeros números que abren cada uno de los dos discos, el primero tiene un riff que me recuerda al "Star Me Up" de los Stones, el tema de los Stones es posterior y me está dando que pensar la verdad...ambos trabajos son bastante similares, discos dinámicos y entretenidos de Rock and Roll con un punto de dureza que la banda no tenía en la época en la que eran "Mott The Hoople".

Benjamin obviamente no es Hunter, pero resuelve con eficacia las canciones dándoles un punto de simpatía del que carecía el anterior vocalista, destacando por su versatilidad y por una gama de agudos que tiene tantos detractores como admiradores.

"Stiff Upper Lip" o "Storm" rayan en el Rock Duro setentero con riffs mas propios de bandas como Kiss o los Aerosmith, aunque sigue existiendo esa vieja comunión con el sonido ancestral de la banda nodriza y con otras formaciones británicas como los Kinks o los T-Rex.

Ambos trabajos han estado semi olvidados y ahora gracias al sello "Rock Candy" tenemos la posibilidad de conocerlos o rescatarlos leyendo parte de la historia de la banda contada por Campbell Devine (autor de "All the young Dudes" biografía oficial de Mott The Hoople) y de Joe Elliott, cantante de Def Leppard y fan de la banda.

Caído en Litte Big Horn

foto 3
MOTT sin "HOOPLE"




miércoles, 1 de octubre de 2014

KIX: REEDICIONES "MIDNITE DYNAMITE" & "BLOW MY FUSE"

Dos de las últimas reediciones del sello británico "Rock Candy" son el tercer y cuarto disco de los Norteamericanos Hard Rockeros Kix. Los de Baltimore firmaron con ambos (con el permiso de "Hot Wire" 1991) sus dos obras más relevantes, siendo "Midnite Dynamite" el primero en publicarse durante el año 1985.
El disco grabado en Nueva York entre el 84 y el 85 contó con la producción de Beau Hill (Ratt), que dotó del sonido de los angelinos a varias de las canciones de aquel nuevo disco de Kix. Un trabajo de calidad que estuvo salpicado de pequeños incidentes a lo largo de la gestación del mismo.

portadakixmidnite.hardrockmonsters2014

Algunos contratiempos como la lesión en una muñeca del batería de la banda Jimmi Chalfant fueron remediados con la colaboración del batería de sesión Sudafricano Anton Fig en los temas "Lie Like a Rug" y "Sex".

Beau Hill buscando un sonido de guitarra más profesional ficha al guitarrista de Streets y Seventh Key Mike Slamer para que meta un par de riffs y algunos solos en los temas "Walking Away" y "Scarlett Fever", creando algunos malos rollos con los miembros de la banda.

Afortunadamente la sangre no llega al río y "Midnite Dynamite" termina siendo un resultón trabajo de Hard Rock comercial de potentes temas y buenos estribillos que desgraciadamente apenas obtuvo repercusión.

blowmyfuseportada
Más suerte correrá el siguiente "Blow My Fuse" (1988) también reeditado por Rock Candy. El disco le debe tal honor a la "Power Ballad" "Dont Close Your Eyes" que se encaramó al puesto número 11 de las listas americanas y que sirvió como empujón para que el disco vendiese la nada desdeñable cifra de un millón de copias.
Tom Werman (Mötley Crüe, Dokken, Cheap Trick, Twisted Sister, Ted Nugent...) si da en la tecla y consigue un disco con un sonido "Tipical 80's" en el Rock Duro de USA pero dotándolo de los mismos bienes del "Girls Girls Girls" de los Crüe que Werman había producido el año anterior, en el cual el cancionero de la banda ganaba frente al de trabajos anteriores tipo "Cool Kids" o "Midnite Dynamite".

Desde la inicial y rockanrolera "Green Light Red Light TNT" hasta la final "Dirty Boys" disfrutaremos   de un auténtico atracón de buenos riffs, melodías resultonas y estribillos vacilones. 

"She Dropped Me The Bomb", "Cold Blood" o "No Ring Around Rosie" no son canciones que puedan cambiar el mundo tal y como lo conocemos , pero son perfectas para convertir un Viernes en el prólogo de un buen fin de semana.

El siguiente trabajo de la banda "Hot Wire" aún traería mierda de la buena, pero es "Blow My Fuse" ese disco de Kix que hay que tener si o si!

El hijo de Ron Keel






fotokix3
Kix, "American HardRockers "con ganas de triunfar

JOHN MELLENCAMP:" THE LONESOME JUBILEE"

portada mellencamp
Mirada Retrospectiva
Siempre ha sido un misterio para mí el por qué este hombre no está a la altura, por lo menos en Europa, de grandes músicos americanos de la talla de Springsteen, Petty o Young. No lo entiendo.

Me consta que en USA sí que es un grande, pero quizá por la falta de promoción en nuestro continente, o por las reticencias de Mellencamp a cruzar el charco y darnos una buena patada en el culo a los europeos con algunos conciertos, aquí no terminar de enganchar. Sigue siendo un artista de los llamados “de culto”.
Y no será porque no tenga grandes discos, tanto en el pasado como los que a día de hoy sigue sacando. Porque, amigos, trabajos como “Scarecrow”, “American Fool”, “Whenever We Wanted”, o éste que nos ocupa, están a la altura de cualquier obra de los grandes músicos americanos de toda la vida. Bien es cierto que John tiene la capacidad de descolocar un poco siempre a los fans: discos tranquilos, como “Human Wheels”; tradicionales, como este “The Lonesome Jubilee”; con fuerza rockera arrolladora, como “Whenever We Wanted”… siempre nos ofrece algo distinto, pero con el sello inconfundible de Mellencamp en todos ellos. Y de calidad.

El álbum que nos ocupa es el noveno trabajo de John, y pasa por ser uno de sus más exitosos trabajos. Incluso aquí en Europa tuvo alguna repercusión, que hizo que algún pobre mortal, como el que suscribe, se interesara inmediatamente por la obra y milagros de este hombre.

Mi primer contacto fue con “Paper In Fire”, el tema que abre el álbum, y en el que llama la atención su fuerza y contundencia, arropada por instrumentos de añeja tradición americana, como la “Steel guitar”. El acordeón de John Cascella que suena por allí va a tener también bastante protagonismo en el disco, un hecho ciertamente singular.

foto2mellencamp
Mellencamp meditando

El disco, a grandes rasgos, es toda una denuncia a la situación de la clase obrera americana. Canciones como “Down And Out In Paradise”, una especie de carta imaginaria al presidente de los EE.UU, “Hard Times For An Honest Man”, o el himno “We Are The People” así lo testifican.

Hay temas también no tan agrios, más amables, como la inmensa “Check It Out”, para mí el emblema del disco, o la festiva “Real Life”, que tratan sobre asuntos cotidianos de la gente. John siempre ha sido un tipo muy cercano con la gente corriente, y no pocas veces se ha preocupado en organizar eventos musicales y conciertos a beneficio de granjeros, colectividades que necesitan ayuda, etc. En ese sentido, es todo un personaje en su Indiana natal, y en los USA. Tampoco nos olvidemos de otras facetas, menos conocidas, como su afición por la pintura. John expone regularmente sus cuadros, y parte de ese trabajo lo podemos ver en, por ejemplo, la portada de su disco “Whenever We Wanted”.

John se rodeó en este disco de toda una banda de músicos profesionales, entre los que destaca su fiel escudero a las guitarras, Mike Wanchic, o toda una institución a los parches en los USA, Kenny Aronoff. Muy destacables también las voces negras que le acompañan en casi todo el disco, o que incluso asumen partes solistas en alguna de las canciones.

Un disco de rock, si, pero con muchísimas influencias de la música tradicional americana. Un disco para disfrutar de la música, pero también para reflexionar sobre la situación de la gente más desfavorecida, tan de actualidad últimamente, por desgracia. Es una verdadera lástima que el de Indiana no se deje caer por Europa, porque me consta que somos legión sus seguidores, y a buen seguro tendría una calurosa acogida en el continente.

Así que ya sabes: si tienes oportunidad de cruzar el charco y asistir a alguno de sus conciertos, que no son pocos, ya estás tardando, y por favor, nos cuentas la experiencia. Si no, pues a deleitarse con este “The Lonesome Jubilee”, y con la extensa y rica discografía de este musicazo. No te arrepentirás, nunca es tarde para descubrir a John Mellencamp.


Ritchie Moreno