jueves, 16 de noviembre de 2017

BLACK SABBATH: "TECHNICAL ECSTASY" 1976, NEVER SAY DIE! " 1978

2017

Hace unas semanas vivimos días angustiosos en el norte del país sepultados entre nubes de cenizas y con el olor a quemado en nuestra pituitaria. Galicia y Asturias ardieron, y de que forma...

Quiso la casualidad que dirigiéndome en coche a mi trabajo pudiese ser testigo de un amanecer que no era tal, bajo un manto anaranjado que ninguneaba al sol y a las nubes, ofreciendo un desolador aspecto apocalíptico digno de una de las sagas de Mad Max.

La banda sonora de ese amanecer-ocaso de cenizas la hice con los dos peores discos de Black Sabbath  era Ozzy para terminar de dar color al terrorífico paisaje. Si, posiblemente ya te habrás dado cuenta de que hablo de "Technical Ecstasy" y de "Never Say Die"; el punto y aparte que por aquel entonces parecía punto y final de Ozzy con Iommi y la banda.

De todas formas ninguno de ellos es un mal disco, "Technical Ecstasy" de facto me parece magnífico y "Never Say Die" un agridulce hasta la vista con varias canciones de nivel y un par de temas infumables.

Lo que queda de ambos discos es que ninguno suena a Black Sabbath. Para "Technical Ecstasy" Iommi se encuentra en una etapa en la que vive semi obsesionado con Queen y "A Night In The Opera", cambiando buena parte de sus malignos riffs por composiciones mucho más bombásticas y grandilocuentes.

Aunque el arranque es de puro Sabbath, del clásico y terrorífico. Exactamente ocurre con la segunda canción "You Won´t Change Me" cuyo riff y ritmo infernal nos catapulta a las mejores noches de "Walpurgis" ofrecidas por la banda.

2017

El inicio con "Back Street Kids" no puede ser más tremendo. El riff de Iommi es prolongación directa del "Sabotage", la voz de Ozzy entra endemoniada y el estribillo es matador.

A la tercera llega "It´s Alright", un Pop Rock Sinfónico cantado por Bill Ward que quiere sonar a Queen pero que lo hace a Supertramp.

Una de las novedades que presentó el nuevo álbum fue la de un teclista fijo y como parte propia dentro del grupo. La figura del músico Gerald Woodroffe ligado a trabajos discográficos de Robert Plant y Phil Collins espantará a no pocos seguidores de los Sabbath, aunque no era la primera ocasión en la cual los teclados aparecían entre los surcos de los de Aston; Rick Wakeman de Yes hacía de las suyas en el fundamental "Sabbath Bloody Sabbath" y Woodroffe intentará dar un toque barroco a los Sabbath del 76.

Su teclado suma más que resta desde la inicial "Back Street Kids", luciendo Hammond en "Gipsy" y escudando a la estupenda "All Moving Parts". Del disco ha sobrevivido como clásico "Dirty Woman", aunque siempre he pensado que "Technical Ecstasy" es bastante más que ese tema aunque Ozzy no esté en su mejor momento y la banda pasase por una crisis de identidad.

Dos factores interesantes de los dos últimos discos 70´s de los Sabbath son las portadas. Después del horror bizarro que supuso la cubierta de "Sabotage", la banda apuesta por "Hipgnosis", diseñadores que habían pintado los diferentes mundos en los que habitasen los monstruos particulares de los Led Zeppelin, UFO, Genesis o Pink Floyd entre otros.

"Technical Ecstasy" con el encuentro sexual de dos robots en unas escaleras mecánicas y "Never Say Die" con esos misteriosos pilotos de avión se suben a la originalidad del grupo diseñador londinense, que son envoltorio perfecto para estos inusuales Black Sabbath.

2017

Y después de un par de años la banda publica "Never Say Die" en un clima de lo más extraño, con Dave Walker de Savoy Brown y Fletwood Mac sustituyendo a Ozzy al que el mismo Ozzy va a sustituir, con lo que Sabbath se ven obligados a reescribir las nuevas canciones, los temas con el sonido menos Sabbath de la historia del grupo.

Para muestra el tema título. Desde que suena el primer acorde dices ¡Guau! Esto ya me lo conozco! Y es que "The Boys Are Back In Town" viene al instante a la cabeza, el riff parece un calco pero nos importa una soberana mierda, es un tema que levanta a un muerto, Ozzy hace ese milagro, los riffs de Iommi y el ritmo de la banda lo hacen aunque sea a costa de los Thin Lizzy.

Poco importa que "Johnny Blade" sea una mierda de las que te dejan tieso, "Never Say Die" te va a dejar flotando el resto del día. "Junior´s Eye" por contra, es pausada, quizás demasiado pero cuando se acerca el estribillo levanta el vuelo y se vuelve imparable.

2017

"A Hard Road" es otra de las destacadas, sigue sin sonar a Sabbath, quizás a unos Status Quo pasadísimos de ácido, pero funciona. Podría pasar por un tema en solitario de Ozzy Osbourne, desde luego que los riffs made in Sabbath no estaban invitados para ser tocados en él.

Del resto del disco puedo tragarme lo que sea excepto la horrorosa "Swinging The Chain", que parece decirnos "Iros a tomar por el culo y muchas gracias por la atención prestada".

 A Dios gracias el instrumental cuasi Progy "Breakout" y el Prog Rock Crimson-Tulliano  "Air Dance" mantienen el tipo pese a su sonido nada Sabbathiano, algo premeditado por Iommi para insuflar aíre que resultó como una bocanada de azufre para una banda que afortunadamente levantaría cabeza dos años más tarde con el lanzamiento del inmortal "Heaven & Hell".

Artimus Alistair Babayobski




miércoles, 8 de noviembre de 2017

STONE FURY: "BURNS LIKE A STAR" 1984


blogdecaido2017

Y Lenny Wolf se fue hacer las americas desde las germanias en la era Reagan...y no fue para espiar para la antigua RDA no, era para rockear, conocer chavalas, grabar discos y ganar mucha pasta.

El bueno de Lenny tardó en hacer billetes de los grandes; eso ocurrió con Kingdom Come en la rampa final de los 80 a base de saquear  el catálogo de los Led Zeppelin para el debut de los Come, y de mejorar cosa fina con un segundo y estupendo disco de título "In Your Face".

Antes de todo esto nuestro colega había unido fuerzas con el guitarrista americano Bruce Gowdy, con el que se había asentado en la bulliciosa Los Ángeles del 84, ciudad totalmente tomada por aquel entonces por los  Great White, Dokken, Black N Blue, Keel, Rough Cutt y por supuesto las super novas metálicas Ratt, Mötley Crüe y WASP.

A Wolf y Gowdey se le unen el bajista Rick Wilson y el batería Jody Cortez, al menos durante un tiempo, ya que en el estudio otros dos músicos serán sus sustitutos en varios de los temas del único disco de  STONE FURY, así se llamará el invento.


"Burns Like a Star" fue grabado en el 84 y en un primer momento parece que el sello "MCA" confía en sus pupilos, a los que pone bajo el paraguas del super productor Andy Johns.Un señor que había trabajado con Humble Pie o los Free, era ahora el mentor sonoro de estos desconocidos pipiolos.

Y todo hay que decirlo, el disco es un estupendo álbum de Hard Rock melódico con las dosis precisas de dureza y con unas melodías que por buscar alguna comparación de la época quizás podrías encontrar en Dokken, aunque ambas bandas en lo que más pueden coincidir es en el número de componentes, cuatro.

De las canciones de estos Stone Fury me llaman la atención las melodías bastante misteriosas y muy trabajadas que canta Lenny Wolf perfectamente escudadas en unas guitarras muy bien cuidadas y tratadas al milímetro y de un bajo punzante y melódico que alejan al Heavy Metal de la música del cuarteto.

Wolf como ya sabemos de los Kingdom Come es un clon de Robert Plant, esa forma de cantar tan característica suya ideal para los setenta puede ser chocante dentro de un  envoltorio Hair Rockero, por contra ese timbre chillón es perfecto para canciones como "I Hate To Sleep Alone" o "Life Is Too Lonely", dos de las nueve canciones de un trabajo reeditado este mismo año por Rock Candy y que merece ser rescatado por todos los amantes del Hard Rock USA/Hair/Glam Metal.

El Hijo de Ron Keel 

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jueves, 2 de noviembre de 2017

NEIL YOUNG: "TONIGHT´S THE NIGHT" 1975

2017

La disquera "Reprise" se negó en el 73 a publicar este disco. Neil Young descorazonado y deprimido se había vaciado escribiendo un material con el cual dar sepultura con honores a dos amigos del alma que el "Jaco" se había llevado por delante. Bruce Berry, pipa de la banda y Danny Whitten, parte de los forajidos de Young The Crazy Horse, van a inspirar uno de los puntos más calientes de la discografía del canadiense.

Young ha tenido una carrera errática casi desde el comienzo. Es un misterio como músico. Nunca sabes a que atenerte ni que te puede dar, un apretón de manos, una patada en los huevos...
..."Tonight´s The Night" parece lo segundo por lo doloroso de su música.

"Tonight´s The Night" (tema) es un sollozo contenido al comienzo y superlativo cuando Crazy Horse se encabritan cosa mala y triplican rítmo. Del piano y la voz hérida de Young emanan vapores etílicos nebulosos. Nadie es capaz de parpadear durante cuatro minutos y treinta y ocho segundos.

De pronto todo se espesa más como si fuese humo denso que nos encoge hasta las entrañas. Se trata de "Speakin Out". Es demasiado pronto si, pero Neil Young nos tiene maniatados y amordazados en el sillón de casa, o en el del coche, incapaces de prestar atención a otra cosa que no sea Crazy Horse o Neil Young.

2017

Nuestro pulso se recupera al rítmo del RNR de "World On A String" para volver a perderlo con "Borrowed Tune Texas Canyon", un Folk Rock por el que se matarían a palos el grueso gordo del "Alt Country" veinte años más tarde.

Uno de los platos fuertes es servido como "Come On Baby Lets Go Downtown", brumoso Rock Sureño de guitarras garajeras y voces sixties. "Mellow My Mind" es más "bitter" que "Sweet", con esa armónica bamboleándose con elegancia entre notas de piano, la Steel de Ben Keith y la base rítmica de Talbot y Molina. 

Young vuelve a achantar mi alma con la estupenda "Roll Another Number (For The Road)" , con "Albuquerque" me envuelve como un torbellino en la mierda a la que me termina lanzando "New Mama", una genialidad en la que las voces a capela de Young, Keith y Molina se llevan la palma.

La tríada final no hace prisioneros. "Lockout Joe" rockea vilmente a la Stones pero dejando un ambiente chungo que ni Brian Jones soportaría. A "Tired Eyes" podría llamarla el lamento de la steel guitar de Ben Keith y "Tonight´s The Night-Part II" como replica brutal del tema inicial baja la persiana de un álbum maestro que no es para todos los días, pero cuando lo repescas sigues sacando nuevos matices a la música y a las voces de un genio y unos músicos con el alma quemada entre las visicitudes personales que les rodearon para escribir y grabar este totémico disco.









martes, 24 de octubre de 2017

JOURNEY: "CAPTURED" 1981

2017

Entre la cantidad de discos en vivo lanzados entre mediados de los 70 y mediados de los 80 hay unos cuantos clásicos indiscutibles. Entre los discos dobles brillan los de UFO, Thin Lizzy, Blue Oyster Cult o Iron Maiden, y entre los directos sencillos los de ACDC, Judas, Mötorhead o Saxon.

De entre los más grandes y brillantes doble lps, yo destacaría "Captured". Publicado en el 81 recoge los momentos más brillantes del "Departure" tour de Journey, una serie de excitantes conciertos llevados a cabo entre el 26 de Marzo del 80 y el 13 de Octubre, con arranque en la ciudad natal de la banda (San Francisco) y con final en la exotica Tokyo japonesa .

"Departure" primero y "Captured" después son el testamento de la época más rockera de Journey antes de su inmersión total en el AOR con la llegada de Jonathan Cain, músico que con sus teclados y composiciones dará otro sonido partiendo de los imprescindibles "Escape" y "Frontiers".

 Lo que tenemos en "Captured" son setenta minutos repletos de Rock Duro enérgico capitaneado por la colosal voz de un Steve Perry que había llegado con el estupendo "Infinity" y que deslumbraba en los siguientes "Evolution" y "Departure", contrastando en este directo que tenía pocos rivales tanto melódicos como rockeros. Para muestra la dureza y la dulzura de "Line On Fire" y "Lights" donde rockea con ese feeling empapado en lo mejor del sonido Motown.

2017

Journey recogen en este doble un material que prende sin mecha. Kevin Elson pone orden a un repertorio apabullante en directo en el cual Neal Schon demuestra ser uno de los grandes hachas de las seis cuerdas. Comparado en no pocas ocasiones a Van Halen en cuanto a destreza, lo borda en las adaptaciones sin trampa ni cartón de clásicos tan potentes como la inicial "Where Were You" o la speedica "Dixie Highway".

Esta gira y disco reune también la última campaña de Gregg Rolie como teclista de la banda, el ex músico de Santana llevaba en Journey desde el comienzo cuando eran una banda de Rock experimental en la que el músico ponía voz a muchas de las canciones hasta la llegada de Perry, momento en el que pasa a un segundo plano, aunque aún sigue cantando maravillas del calibre de "Just The Same Way" o "Feeling That Way, esta a medias con Perry.

No hay que olvidar por otra parte, que estamos en la era de las grandes bandas de estadio; y Journey en esos comienzos de la década 80´s eran máquinas practicamente imparables como demuestra el sonido del directo en una gira en la que compartieron cartel con ACDC y de la que brotó una gran amistado sobre todo con Bon Scott, al que dedican el lanzamiento de "Captured".

Este "Captured" vale para desmantelar la opinión interesada o desconocida de todos aquellos que tienen a Journey por una banda de baladas, si bien "Lights" lo es, y hay muchos temas de corte melódico como "Anytime", "Captured" es un disco de Rock mayestático e irrepetible, el final de la época de los Journey más áridos y explosivos.

Toño Caído






miércoles, 18 de octubre de 2017

SEX "SEX" 1971:TROGLODITAS DEL ROCK DURO VOL 19

blogdecaido

Volvemos a la sección de Trogloditas para alegría de los que buscan tesoros arqueológicos de los primeros tiempos del Rock Duro. Los que no se conforman con los discos de Purple o Sabbath, culos inquietos de los Marshalls saturados que escupen riffs como lava infernal y rítmos salvajes atronadores no deben de perderse el primer trabajo del Power Trío "SEX".

Naturales del Quebec canadiense, concretamente de Montreal, estos tipos no se andan con tonterías en los ocho cortes que aquí presentamos. En poco más de media hora van a muerte con un potente proto Heavy Blues con buenísimos pasajes en los que coquetean con el Prog o el Jazz.

Son simples devaneos para un trío que pensaba más en la música del grupo de Hendrix o en los Grand Funk y que suenan muy en la onda de los Elias Hulk y los Incredible Hog.

El comienzo con "Scratch My Back" es de una gran contundencia tanto vocal como rítmica, con una batería atronante y unas guitarras de lo más furiosas. Desde luego no busquéis un vocalista tipo Ian Gillan. Robert Trepanier que es el vocalista además de bajista tiene un timbre grave y áspero, perfecto para ataques tan frontales como los de "Not Yet", segundo tema, tan Heavy como el inicial y con montones de riffs y punteos de Heavy Psych. 

La influencia del Blues Rock tan fundamental en los primeros Cream, Sabbath, Zeppelin o Jethro Tull resuenan en la estupenda "Doctor" y en "Try", un tórrido Blues Rock de guitarra, voz y armónica que hará las delicias de los más puristas.

Los canadienses publicarían al año siguiente su segundo y último disco "End Of My Life", orientado totalmente al Prog Rock y alejándose de la tozudez de títulos como "I Had To Rape Her" o "Night Symphony", mal encarados y ácidos Hard Rocks fundidos en Fuzz guitar y proto Stoner Rock.

Otros dos temas destacados de este iracundo trío son el ruidoso "Love Is A Game" y el instrumental "Come, Wake Up", un tiovivo sónico con pinzeladas Progs en la onda de los Tull del Benefit o de los belgas Waterloo.

El caso es que los dos discos por separado de SEX a día de hoy son muy raros de ver. De hacerlo, prepara la chequera. Quizá tengas más suerte con una reedición en cd que contiene los dos únicos discos de la banda y que fue publicada por el sello australiano "Progressive Records" en el 2002; suerte pues, merece la pena hacerse con él. 

Artimus Alistair Babayobski 


miércoles, 11 de octubre de 2017

GREAT WHITE: "SHOT IN THE DARK" 1986


Una entrada más de este blog sin recurrir a un clásico de los californianos no podía permitirse, así que manos a la obra. He elegido "Shot In The Dark" por aquello de que es un disco que deambula por el mar discográfico de la banda. Con el cuadro de bitácora averiado y el ancla echado, aún faltan hojas al calendario para sentir el Blues Hard Rock que nos salpicará con "Once Bitten", "Twice Shy" o "Hooked".

Hard/Heavy Rock de la misma escuela de los primeros Dokken, Ratt o Black N Blue; GREAT WHITE nos ofrecieron dos guerreros trabajos en los primeros ochenta, "Out Of The Night" (ep con cinco temas del 82) y "Great White", primer LP del año 84.

Llegado el 86 la banda redobla el paso buscando el éxito con una fórmula similar pero explorando una producción menos rudimentaria y más comercial, grabando ocho temas entre los que encontramos dos estimables versiones del "Face The Day" de los australianos The Angels y el "Gimme Some Lovin´" de Spencer Davies Group.

La banda de Jack Rusell y Mark Kendall ya eran perros viejos cuando publicaron este tercer trabajo, desde el 78 llevaban pateándose los garitos de L.A. y querían aprovechar la puerta abierta del redil metálico que los dos primeros discos de Mötley, los dos primeros Lp´s de Ratt y WASP más el "Metal Health" de Quiet Riot habían echado abajo a base de ritmos saturados de Heavy Rock y de estribillos más hinchados que los pectorales de un Mister Olimpia.


Y en eso consistía basicamente "Shot In The Dark", buen Hard/Heavy con un Jack Rusell magnético a la voz en el prometedor inicio de "She Shakes Me", enésimo himno machorro con la testosterona salida de madre para correr a todo trapo por las colinas de Hollywood; o en "What Do You Do", Metal americano con regusto Zeppeliano en la voz y de los Ratt de "Out Of The Cellar"/"Invasion Of Your Privacy" en lo musical.

Pero la banda no pierde su identidad, y el tema título atestado de los clichés propios de su tiempo nos ofrece brillo Heavy rockero con un estribillo deudor del Ozzy comercial y triunfante del "Ultimate Sin", perfectamente ejecutado por la banda y por las guitarras asesinas de Kendall y por la voz más que perfecta para estos quehaceres Heavy rockeros de Rusell.

Quince días y tres sesiones fueron suficientes para finiquitar unas canciones más afortunadas (la dinámica Heavy ochentera "Run Away") que otras (el intranscendente medio tiempo "Is Anybody There") y dejar un buen regusto final con la estimable medio balada "Waiting For Love". 

Un año más tarde Great White pegaría su primera gran hostia con "Once Bitten", un disco que seguía en el redil del Metal US pero que se dejaba seducir por los cantos de sirena Blussy, y es que las sirenas atraen de igual manera a barcos, naúfragos que a escualos.

El Hijo de Ron Keel


martes, 3 de octubre de 2017

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS: "INTO THE GREAT WIDE OPEN" 1991


Hoy era el día para una reseña de los Great White. Os juro que ni por lo más remoto del mundo pensaba en tener que cambiar sobre la marcha y a toda hostia de planes, pero el corazón de Tom Petty es el culpable de que ahora mismo vayas a leer sobre "Into The Great Wide Open".

Mirándolo bien, podía ser cualquier otro. "Full Moon Fever", "Damn The Torpedoes" o el delicado "Wildflowers"; pero finalmente me he decidido por este trabajo ¿La razón? Pues que me parece un disco irresistible y me apetecía en este momento que estoy escribiendo tenerlo de fondo, aparte de que contiene "Learning To Fly"  o "Into The Great Wide Open".

 En la emeroteca de este blog, hay un estupendo artículo sobre la primera etapa de Petty escrito por "Beriboogie", uno de los primeros colaboradores de este blog. También podrás encontrar reseña sobre su último disco de estudio, el despampanante "Hypnotic Eye", un disco ligado a una época importante de mi vida como lo ha sido casi toda la música del de Gainesville.

El pasado año estuve en Austin (Texas) durante quince días. Sería demasiada suerte que Petty se pasase por esa ciudad o cualquier otra del estado del la estrella solitaria. Al menos tuve la suerte de ver en el típico tugurio made in USA una fenomenal tributo band  de manera inesperada, al menos algo es algo.

"Into The Great Wide Open" a mi me sigue sonando a "Full Moon Fever", no totalmente, parcialmente lo hace, y también a los Traveling Wilburys claro que sí. La producción de Jeff Lyne junto al glorioso Mike Campbell y al propio Petty suena cristalina, dando brillo a los Heartbreakers que como una lampara maravillosa recién frotada hacen aparecer esas evocadoras piezas a lo Byrds que Petty hace enormes, dándoles ese impulso rockero que ni el mítico "The Boss" es capaz de alcanzar más que en contadas ocasiones.

La calma profunda de "Learning To Fly"  contrasta con el acelerón turbo inyección de "Makin´Some Noise". El masterpiece tan Wilburys como Roger McGuinn de "Kings Highway" abre una perlada alfombra sobre la que se levanta el formidable tema título con su impagable estribillo, con esa cadencia tan maravillosamente "looser" y el crepuscular western sónico de "Two Gunslingers".

"The Dark Of The Sun" es una de las seis canciones con el estigma Lynne/Petty, una amarga rodaja rockera con las acústicas que repican en tus oídos como lo hacen las voces, la voz de Petty y todo lo que nos pueda tocar el bueno de Benmont Tench.

"All Or Nothing" suena misteriosa entre letras pesarosas y "All The Wrong Reason" en la que pone voces el mismísimo Roger McGuinn se pilla un buen pedo de Folk Rock respondido por el Rock FM de "Too Good To Be True". Son tres canciones que brillan con palidez comparadas con otras de sus hermanas del repertorio Heartbreakers, pero no hay muchos artistas capaces de mirar a la cara de ese sol sin salir abrasados.

Una de las escandalosamente buenas del álbum para mi es "Out In The Cold", Mike Campbell vertical y a tumba abierta puntea mientras los Heartbreakers le dan caña de la buena y Petty nos deleita, canta y aulla.

El aullido se convierte en lamento para un fan de Petty que sabe que no habrá más Petty para ver, ni nuevas canciones para escuchar. El dolor y la pena se mitiga con cada disco al azar que saques de la estantería, o cada vez que hagas sonar "You And I Will Meet Again" o "Built To Last"; no habrá mejor tributo que ese.



lunes, 25 de septiembre de 2017

LIME SPIDERS: "BEETHOVENS FIST" 1990


Los magníficos LIME SPIDERS tuvieron una reputación más que estimable en los años ochenta por las áridas tierras de Australia, país entregado al Rock sudoroso y al Punk Rock abrochado al corsé de los Blue Öyster Cult y de los Stooges de Iggy, puesto en escena en las postrimerías de los setenta por Radio Birdman, The Saints y continuado en los ochenta por estos Lime Spiders entre otros.

Ungidos en Garaje Rock pasado de rosca fueron labrando su reputación a golpe de single y Ep, en sus conciertos siempre daban más de lo que eran y les sirvió como trampolín para que un sello potente como "Virgin" les sumase a su nómina. Entre medias habían asolado las radios "indepes" y universitarias de Australia con el explosivo single "Out Of Time" y publicado "Weirdo Libido" para la banda sonora de la peli autóctona "El Jovencito Einstein" (1988) que incluso llegó a pasarse por este país.

En el 87 publicaban el sudoroso debut en largo "Cave Comes Alive" y un año después el trepidante "Volatile". Se trataba de dos estimables trabajos de Garaje Punk bañado en proto Heavy Metal con guitarras más que ácidas y la estimable y bronca voz de Mick Blood haciendo sangre como indica su apellido. Pero lo mejor estaba por llegar...

Al menos en cuanto a la calidad de las canciones que no a la venta de discos que siguió siendo sino paupérrima bastante por debajo de lo que un sello grande busca. Precisamente la producción de un por aquel entonces joven Kevin Shirley, más una mezcla en Los Ángeles de Michael Brauer buscaban ese sonido que introdujese al cuarteto con fuerza en los USA.


Las canciones esta vez sí encuetran una coherencia sónica que los Hoodoo Gurus compatriotas de los Lime Spiders habían logrado casi desde el principio, y hay fragmentos despedidos de los surcos de los Gurus en los dos temas que abren cada cara de este "Beethovens Fist", las fulgurantes y "comerciales" "Scene Of The Crime" y "This Time", donde el orden está en las guitarras rockeras y firmes pero sin desmadre y en la voz de Blood bien sujeta a cincha.

Por supuesto que el sonido rockero descarriado que practicaban no queda en el olvido pero si pasa a un segundo plano representado por "Silent Partner", la violenta "Old Dog New Tricks" o el único single que "Virgin" tuvo a bien publicarles los muy miseros ("Cherry Red") todos ellos duras muestras del Rock pesado de los Lime Spiders pero con una producción más acorde al Pop Rock o al Power Pop que al Rock duro.

Aunque Rock duro también habita en los surcos del disco, la altamente sexual "Real Thing" suena como a un híbrido de los Cult de "Electric" y el Iggy Pop de la década de los ochenta entre la nueva sabia de Circus Of Power o los Throbs con el aliño de unos New York Dolls. Habemus temazo pues.

Comentaba en su momento uno de los componentes de la banda que la producción del disco era el lastre que hundió las expectativas de la banda por alcanzar cotas más altas, divergencias sobre el camino a seguir deslizándose sobre el terreno underground o sobre derroteros más comerciales terminaron por agotar a una banda sin demasiadas aspiraciones ante la falta de promoción de este magnífico y peleón disco rockero que si no conoces queda presentado en esta reseña.


lunes, 18 de septiembre de 2017

CHEAP TRICK: "IN COLOR" 1977


Cuarenta añazos ha cumplido esta semana este relevante disco, el segundo de una larga e irregular trayectoria la de Cheap Trick que ha sido sublime en unos cuantos casos como en la de este "In Color". Actualmente la banda sigue grabando buenos discos como en los viejísimos tiempos en los que un "Hello There" para ellos era como salir a la calle y dar los buenos días para cualquier mortal de nuestra especie.

En  el 77 rodeados de la fiebre Punk que asola USA y Reino Unido principalmente, los pupilos del extravagante y extrovertido Rick Nielsen que ya han sido bendecidos por Joe Ramone,  freirán los sesos de los incautos que tengan la suerte de padecerles en directo. En el  estudio la rabia es más contenida que en el debut Glitter Rockero producido por Jack Douglas, ahora el Power Pop se le sube a las barbas al Hard Rock, aunque Nielsen reniege de ese adjetivo, "Downed" entonces es una canción Pop y aquí no ha pasado nada.

En realidad si que ha pasado, "Downed"  brilla desde sus primeros acordes como esa gema caribeña vista desde la superficie del agua. Uno se sumerge en ella buscando la melodía pluscuamperfecta, el estribillo super cinco estrellas y vaya que si lo encuentra. Robin Zander es el hombre que le ha dado ese brillo tan característico.

¿Seguimos? En realidad retrocedamos...
¿Big Eyes? Recuperando el tono más Glam rockero del debut con un rock and roll de manual, su riff es terco y cabezudo, el estribillo estrambótico, no es la única extravagancia de la banda en su carrera discográfica, me viene a la mente "Auf Wiedersehen" sin ir más lejos.


Luego llega un clásico, "I Want You Want Me". En Japón aman esta canción. Yo no soy japo, pero puedo entender esa comunión con un tema Pop sublime en el cual las guitarras tosen acordes armoniosos entorno a un estribillo fabuloso con el estigma del número 1 en la frente.

"You´re All Talk" es nervio puro y "Oh Caroline" la vuelta de tuerca al Pop que los amados Kinks de los hermanos Davies inventaron después de crear Rock Duro con "You Really Got Me" y su reverso tenebroso "All Day All Of The Night".

La sencillez en la música de los de Rockford se torna sublime en "Clock Strikes Ten", o como el Rock and Roll inventado por Gene Vincent y Berry penetra en nuestra espina dorsal poseyéndonos como Zombies entregados a la causa rockera, arrojados a los infaustos riffs duros de la guitarra de Nielsen y al ritmo trepanador de Carlos y Petersson.

"Southern Girls" es el sueño americano echo canción y "Come On Come On" otro órdago a la grande power popero, ambas tienen a Zander como azucarillo a la mala leche que la banda se gasta en el fondo de su ser. Con la centelleante "So Good To See You" se cierra un magnífico segundo álbum, parte importante de las calientes noches del Budokan que estaban rojas en un poniente que ya se vislumbraba.




viernes, 8 de septiembre de 2017

STEPPENWOLF: "MONSTER" 1969


"Monster" es una epifanía de los sonidos que pululaban entre el púrpura de la vestimenta hippy y del ácido en su momento álgido. "Monterey", "Woodstock" subidos a lomos de las guitarras de Larry Byrom, músico que llegó para dar un plús sónico al cuarto álbum de la banda de Ontario afincada en California. El músico que lo será de Neil Young o de la banda de Peter Frampton hace un trabajo Kaleidoscópico durante las siete canciones de "Monster".

El tema título con sus más de nueve minutos planea a media altura psicodélica; por debajo de los artefactos creados por los Byrds que lo hacían a ocho millas de altura o de los Greateful Dead que iban lanzados directamente a la exósfera. John Kay, el tipo que puso voz cazallera al himno motero por excelencia, luce tipo en "Monster" (tema) , pero su aportación no se detiene aquí. La letra es pura política y puro Viet-Nam, estamos en el 69 amigos y el mundo es una puta caldera.

"Draft Resister" y "Power Play" también caldean el ambiente de un disco que se mueve inquieto cercano al incipiente y nerviatico Rock Duro del 69, todavía unido al Blues Rock por el cordón umbilical y para el que Steppenwolf utilizan sus artes de siempre, con el casi omnipresente órgano de Goldie McJohn y unas guitarras ácidas, ásperas que echan pulsos entre efectos de wah wah al rítmo caluroso del bajo y batería. 


"Move Over" es el tema más popular del álbum y única aportación al mítico recopilatorio del 71 "Gold: Their Great Hits". Un Rock Duro marchosón y fogoso que te gana por los riffs, la voz de Kay y el teclado humeante de McJohn.

Con "FaG" llega el Blues, se trata de un instrumental entretenido pero que no quita el hipo, compuesto por teclista, bajista y guitarrista respectivamente.
Mejor "What Would You Do (If I Did That To You)", donde el Blues Rock y el Soul se funden en un Rock rudo dulcificado por unos coros con muchísimo feeling. 

El final llega con "From Here To There Eventually", los treinta y dos minutos de "Monster" se consumen  como una vela que llega hasta el final saboreando un Rock ácido costa oeste total con unas guitarras muy precisas, unas voces muy bien puestas dentro de un ambiente puramente Psych, el que se desacía en tu lengua a finales del 69.

Artimus Alistair Babayôbski





martes, 29 de agosto de 2017

GRAND FUNK RAILROAD: "SURVIVAL" 1971

No se puede decir que sean unos perfectos desconocidos dentro del estado pero desde luego que los norteamericanos están lejos de sostentar el Status de unos Black Sabbath o Deep Purple. Lo de Grand Funk Railroad es más caminar de la mano de los Blue Öyster Cult, otra maravillosa banda de culto por estas soleadas tierras.


Al trío de Michigan, pues de Flint son, se les conoce sobretodo por "We´re An American Band", himno en USA y de culto en muchos otros lugares del mundo con olor a petas de maria y a Napalm por aquello de su auge durante el odioso conflicto en Viet-Nam.

Yo les prefiero siempre en sus tres primeros años, concretamente con la termobárica triada que conforman "Grand Funk" (el álbum rojo), "Live Album" y "Closer To Home", registrados entre el 69 y el 70 al que unimos "Survival", del 71, con siete canciones menos explosivas en una primera exploración que el anterior material debut incluído ("On Time" 69), pero con la mecha más larga y con una explosión final a la altura de todo lo anterior grabado.

El material de Grand Funk es puro Cream-champagne, sobremanera en el disco rojo. "Survival" ya es más maduro, aquí uno ya viene de vuelta con la "mili" echa por lo que si queremos seguir haciendo comparaciones con los británicos habría que hacerlo en cuanto a la evolución que sufrieron del debut a "Wheels On Fire", entonces entendemos el crecimiento de los de Ohio desde "On Time" a este trabajo de carpeta "Australopithecus" y furia contenida en sus surcos.

"Country Road" abre las hostilidades con un riff afilado de Mark Farner que es reproducido por el bajo de Schacher. La voz con su feeling Soul entra en juego y despega en un estribillo pletórico que juega a lo mismo que la guitarra. En el solo el "Power Trío" sale a la palestra y "Country Road" quema, la batería y bajo literalmente calcinan a su paso; la guitarra puro Napalm, otra vez esa horrible palabra...


Más de lo mismo "All You´ve Got Is Money"; mucho Funk primigenio, Soul Rock a patadas y pinceladas de los mismísimos Sabbath en los riffs y solos (los de Sheffield también habían ahogado sus penas en los discos de Cream).

La nerviosa "Confort Me" es otro magistral Rock a dos voces deudor de los sonidos de la costa Oeste americana, pero presa de un vigorizante Rock Duro con unos redobles maravillosos de batería y un ritmo desbocado por momentos tanto de guitarra como de bajo.

Una aseada y pulida versión del "Feelin´Alright" de los versátiles Traffic es el cuarto apeadero que la locomotora rockera de Ohio se lleva por delante en este "Survival", mientras que "I Want Freedom" funciona como alegato póstumo del tardo hippismo sepultado por una catarata de notas del bajo de Mel Schacher y órganos hammond regados por la voz de un magnífico Farmer.

La paz que trasmite "I Can Feel Him In This Morning" con sus ecos sixties a la Jefferson Airplane se rompe con el tercer cover de "Survival"; "Gimme Shelter" de Jagger/Richards es adaptada con virulencia granítica, muy bien zurcida por unas indómitas guitarras y una  sección ritmica sin ataduras que ponen fin a un magnífico y atemporal disco.

Artimus Alistair Babayôbski


lunes, 14 de agosto de 2017

URIAH HEEP: "THE MAGICIAN´S BIRTHDAY" 1972


1972 queda muy lejos, lejísimos, pero para los amantes del Rock es un año repleto de discos "Top". El Rock Duro gritará al son del "Made In Japan" de Purple y el "Machine Head". Del  Volume IV" de los Sabbath brotará el Heavy Metal y el Rock Progresivo tocará el Olimpo de la grandilocuencia con obras de Yes, Genesis, Tull y Emerson, Lake & Palmer.

Entre ambos estilos Uriah Heep, siempre firmes desde finales de los sesenta llegando al 72 con dos de sus obras cumbres, el druidismo sónico de "Demons & Wizards" y su mística continuación "The Magician´s Birthday", abordado como semi disco concepto basado en un pequeño relato de Ken Hensey con la cubierta perfecta que un libro o disco fantasioso anhela, un maravilloso dibujo de Roger Dean.

A los Heep ha de reconocérselo casi todo, aunque pocas veces se ha sido lo suficientemente justos con ellos. Las listas premiaron el brutal "Easy Livin´" y poco más.

Músicos inquietos presas de un ataque de barroquismo sin parangón, en "The Magician´s Birthday" unen el puente entre el Progresivo y el Rock Duro, algo que Purple, Zeppelin o Jethro Tull habían intentado posiblemente queriendo y King Crimson en su debut sin querer. O fue al revés?

 Uriah Heep llevarán la tarea con el teclado de Hensley como brújula, pero sin olvidar que el timón es cosa de un Mick Box siempre hábil con su guitarra y de la voz de un David Byron perfecto para ensalzar las intrincadas melodías de la banda.


La crepuscular "Sunrise" abre con maestría un fuego fatuo Prog Rockero sumergido en los teclados de Hensley, a fuego lento se va asando uno de los grandes temas del combo, en el que sigue alumbrando la llama propulsada por un estratosférico David Byron que canta como los grandes del género.

El Rock muscular se estira y contrae al rítmo que marcan el bajo y la batería de Gary Thain y Lee Kerslake en "Spider Woman", magistral Rock directo a tu aparato locomotor con eficaces guitarras de un Mick Box que pasea su acústica y puntea con gracia en la siguiente "Blind Eye".

"Echoes In The Dark" pasa por una fantasmal composición de Hensley dominada por sus teclados que Byron y Box engradecen aún más por sus increibles aportaciones vocales y guitarrísticas. En "Rain" Byron muestra su encantadora voz a la hora de vérselas con una balada de cruel desamor y "Sweet Lorraine" nos regala uno de los momentos memorables del disco, con todos los ornamemtos esenciales de la marca Heep; teclado chillón y fantasioso, riffs poderosos con Wah Wah presente y un chorus intenso y pegadizo.

La bucólica "Tales" pone nuevemente el sabor Prog Rockero que se desata totalmente en la última pieza del disco, la homónima "The Magicians Birthday", una super épica pieza que supera los diez minutos y que rememora ligeramente a los Zeppelin en los riffs iniciales de Box, pero que enseguida se revela como una auténtica campeona en su estilo gracias a unas melodías sobresalientes y a un giro psicodélico que el tema experimenta durante la primera parte de su viaje. La magia y la mística que acompañaría a los Uriah Heep durante buena parte de los 70 vive comodamente instalada en este tema, con una parte central instrumental  Heavy Rockera que seguramente dejó huella en la mente de Steve Harris y Dave Murray para los primeros días de Maiden.

Bronze Records publicaría el disco en Noviembre del 72, producido por el capo del sello Gerry Bron, que trabajaría todavía en futuros trabajos de los Heep, algunos tan buenos como el siguiente "Sweet Freedom" del 73 o "Return To Fantasy" del 75. En el 2004 con la reedición de parte del catálogo Bronze por el sello Sanctuary, los discos de los Uriah Heep se reeditaron con montones de bonus, "The Magician´s Birthday" contiene un buen número de inéditos como las estupendas "Crystal Ball" y "Silver White Man" además de diferentes tomas de temas publicados en el álbum original.

Artimus Alistair Babayòbski



viernes, 28 de julio de 2017

AC/DC: " FOR THOSE ABOUT TO ROCK (WE SALUTE YOU)" 1981


Estaba claro que la empresa no era fácil. Se té muere el vocalista perfecto y posiblemente el pilar en el que se sustenta la banda, todo parece irse al garete pero la banda resurge con un "Back In Black" que tiene parte del mejor material discográfico y al que Brian Johnson termina por darle el resto de credibilidad.

Una vez superados los recelos de los fans con una gira tremenda queda volver al estudio y golpear nuevamente a esos fans antes de que bajen la guardia, y lo hacen como si de un hostiazo de Muhammed Alí se tratase con "For Those About To Rock (We Salute You)", que entra suave con ese magnánimo riff que envuelve al oyente en su espiral rockera convertida en huracán con un Brian Johnson muy vertical y con la maquinaria rítmica ACDC a todo trapo; el estribillo y el final a base de cañonazos realzan la épica de esta gran tormenta rockera.

A los que dicen que el disco se termina con este tema se les acaba ese argumento cuando Angus acomete el riff de "I Put The Finger On You", tema que con un dinamismo y energía a prueba de balas, resiste cada embestida que le da el paso del tiempo gracias a su aparente sencillez y a su sobrio estribillo.

La tercera en discordia es "Let´s Get It Up" ¿Floja decís? No por favor ¿Realmente alguien puede decir semejante cosa una vez terminado el tema?  Solo se me ocurre decir que Mutt Lange lo ha vuelto hacer el hijo de puta...

De momento hay empate técnico entre "Back In Black" y el nuevo trabajo ¿Lo rompera "Inject The Venom"? Quizá no pero el cuarto tema sigue aguantando al disco en todo lo alto ¿Donde coño está la mediocridad o el bostezo que alguno pregona? Ni siquiera en los silencios entre canción y canción porque el álbum trascurre como el arroyo de un riachuelo ladera abajo, osea a toda velocidad.


"Snowballed" cierra con un siete un primer acto hasta el momento de nueve. Apunto de darle la vuelta al vinilo "For Those About To Rock" pierde a los puntos con "Back In Black".

Con "Evil Walks" el inicio de la cara B es furioso. El riff conciso de Angus, la rítmica machacona de Malcom y el potente estribillo la convierten en una de las preferidas del álbum. El sonido al igual que en "Back In Black" que abría el lado dos del mismo disco camina por la senda del Hard/Heavy Rock, perfecta para lo voz de Johnson, alejándose cada vez más del Hard-Blues-Rock macerado en Boogie de los discos con Bon Scott.

"C.O.D." entretiene pese su cadencia repetitiva, representando el papel de escudera fiel de los temas importantes del disco, ni es un clásico ni un tema olvidable. 
Personalmente me quedo con "Breaking The Rules" y sus aspavientos sureños, con ese estribillo menor pero altivo. Otro magnífico serie B de la banda.

El final recae en "Night Of The Long Knives" y "Spellbound", dos esforzados y sudorosos mini himnos con todos los vicios malos y buenos de la música de los australianos, repetitivos hasta el dolor pero que saben o sabían ganarse a su personal con esos riffs diabólicos de Angus, la cazallera voz del Johnson y el rítmo pasional de Malcom y el de la irrepetible y sencilla base rítmica de Phil Rudd y Cliff Williams.

El disco vería la luz en las postrimerías del 81 con la curiosidad de que en la edición española, en la primera, habría un error de impresión en su portada que cambiaba los colores originales de la carpeta al fondo oscuro y cañón en color marrón, siendo una edición bastante cotizada en la actualidad. "For Those About To Rock" (We Salute You)" fue un éxito relativo de crítica y rotundo de ventas embarcando a la banda en una de las mastodónticas giras que llevarían a lo largo de los 80.

El Hijo de Ron Keel

Portada Española primera edición


lunes, 10 de julio de 2017

THE PLIMSOULS: "EVERYWHERE AT ONCE" 1983




Llegaron a prestar uno de sus mejores temas a la banda sonora de la película 80´s "Valley Girl", uno de los primeros vehículos para Nicholas Cage, era el año 83 y "A Million Miles Away" junto a temas de  grupos como The Payolas o Modern English sonaban a todo trapo dentro del film.

El lider natural de la banda militó con anterioridad en los seminales The Nerves junto a Paul Collins, con los que grabó una de las primeras referencias del catálogo discográfico del sello "Bomp" records dedicado al Power Pop.

Si no habéis adivinado de quien hablamos ya es hora de desvelar el nombre de Pete Case y el de su banda The Plimsouls a los que hoy dedicamos la reseña de su obra más importante, el segundo y magnífico "Everywhere At Once", uno de los grandes del Power Pop de ayer y por supuesto hoy.

Con "Geffen" de apoyo, la banda de Paramount (California) firma un disco escandaloso de melodías perfectas ensambladas a una música que en algunos casos roza lo excepcional. "Shaky City" inicia el brillante lienzo con un colorido rock and roll, macizo y con un estribillo super atractivo.

"Magic Touch" pone el primer Power Pop del disco, altamente vibrante y con un chorus emocionante rodeado de guitarras que redundan en lo cristalino pero que no hacen ascos a lo eléctrico. "Oldest Story In The World" pone el contrapunto Pop, y además teje una melodía vocal buenísima en la que Case está sobervio.


"Lie, Beg, Borrow & Steal" es hasta donde recuerdo un tema de los garajeros sixties Mouse And The Traps que Plimsouls llevan a su cancha, domándolo a su antojo, dándole la contundencia que la original no tenía y un final de bandera.

Uno de los momentos más inspirados del álbum llega con "Play The Breaks", un formidable y fornido medio tiempo que se acelera en torno a su tremendo estribillo. "How Long Will It Take" abre de manera sensacional la otra cara del disco, la melodía me sabe a grande del Power Pop, el estribillo y el final del tema es para no perdérselo, uno de los grandes "Highlights" del género.

Pero si de clásicos hablamos "A Million Miles Away" se lleva la estrella del paseo de la fama, no solo por su vinculación a la banda sonora nombrada con anterioridad, el Power Pop mayestático es autoritario en cada fraseo de Case, en cada nota de guitarra y en un estribillo irrepetible. Estamos ante esa canción diez porque no hay más numeración que poder darle.

"My Life Isn´t Easy" posiblemente sea lo menos redondo del disco, pero tampoco es un tema deforme y sí disfrutable. Pero mucho más lo es "Inch By Inch", esta vez si que nos damos de bruces con un tema que impone, sobretodo por su poderoso estribillo.

"I´ll Get Lucky" y "Everywhere At Once" cierran el vinilo (el cd lo hace con el instrumental "Hobo") con otras dos inyecciones Power Pop de calado inmediato en sangre, corazón y cerebro. Un final cuasi redondo para un redondo con pocos rivales en su campo.





lunes, 26 de junio de 2017

KING´S X: "OUT OF THE SILENT PLANET" 1988


Lo primero que tiene que quedar claro es que "Out Of The Silent Planet" es un discazo. Así, en la primera línea por si hay algún despistado que no conozca ni el disco ni a los benditos (dicen que son una banda de Rock Cristiano, aunque nunca lo he tenido claro) KING´S X, una banda de la que en el pasado publicamos reseñas de "Gretchen Goes To Nebraska" y "Faith Hope Love", o lo que es lo mismo, el segundo y tercer disco de estudio de la banda.

Me estoy imaginando a los heavies cavernicolas de finales de los 80 aquí en la piel de toro, los mismos gilipollas que les lanzaron de todo a Tesla escuchando un tema como "Goldilox" o "In The New Age".

Qué una nueva era empezaba dentro del Rock Duro estaba claro desde un año antes del debut del trío tejano, cuando los Gunners nos volaron los huevos con "Appetite", discos como este de hoy nos adelantaban unos cuantos años lo que vendría desde Seattle.

Y es que Jeff Ament de Pearl Jam quedó eclipsado cuando los vio derruir sonicamente una pequeña sala de Seattle ante poco más de 150 personas, o Kim Thayil de Soundgarden los cita como una de sus máximas influencias musicales.

Los tipos del sello "Megaforce" también se quedaron de piedra al escuchar una maqueta que Dough Pinnick les hizó llegar con cuatro temas producidos por Andy Johns, los chicos habían quedado impresionados con el trabajo de Andy en el debut de Cinderella aunque Johns era ya un productor afamado por aquel entonces.

En Nueva York les hacen sonar en un extraño concierto-festival con leyendas como Joey Ramone entre los asistentes y poco después la banda regresa a su Texas natal para grabar debut con Sam Taylor (el cuarto King´s X) de productor.

Cuando el disco salió al mercado recibió elogios en la mayoría de reseñas de revistas y fancines roqueros; la "Kerrang" británica encumbró a "Out Of The Silent Planet" como el mejor disco del año 88.


No es para menos, "In The New Age" abre con mística un disco cuya portada parece la de un grupo de Metal progresivo en la onda de los Queensryche. Nada que ver amigos, "Goldilox" es el "Gran Dios Pan" del álbum, una maravillosa balada de letra y música a flor de píel que desde hace muchos años los fans cantan de la "A" a la "Z" con auténtica devoción mientras la banda pone la banda sonora.

"Power Of Love" es un crossover Gótico-Hard-Metalero con unas melodías que entran a machete en nuestro cuerpo siendo testigos del intercambio de guitarrazos repletos de quintas metálicas pero también de interludios acústicos.

Más quintas en la poderosa "Wonder", medio tiempo coral, espiritual y épico con rítmos incansables de Heavy Metal donde la batería de Gaskill es un monstruo de dos cabezas y Pinnick explota sus virtudes vocales aprendidas a base de discos Motown.

"Sometimes" muestra a un Pinnick super enérgico con su bajo, marcando un ritmo fervoroso a la limón de unos riffs de guitarra Hard Rockeros cortesía del también vocalista Ty Tabor, la voz de Dough es puro feeling Soul y el estribillo del tema es muy pegadizo y viral.

Por supuesto que uno de los temas fastuosos del debut es "King", si de un redentor nos habla al menos no lo parece, más bien anuncia la llegada de algo impío. Junto a "Goldilox" un clásico de su primera época que se quedó bastante tiempo en su repertorio. Cuenta con poderoso chorus y un sonido Hard Rocker total.

Con un sonido termonuclear "What Is This", bajo Funk total, guitarras ásperas y ensalada de Metal y Rock Gótico. Cuando alguien dice aquello de "Rock Alternativo" parece que lo hace exclusivamente para nombrar la música que hacían REM, pues escuchen "Far, Far Away" y en el año que salía "Green" King´s X se adelantaban en años a cualquier banda que jugase con el Metal más vanguardista y el Grunge.

Uno de mis números favoritos del álbum es "Shot Of Love", un caramelo envenenado de estribillo endiabladamente pegadizo, voces celestiales a la par que rockeras que rivalizan en categoría con "Visions", otro clásico super Power Trío total que cierra un debut de mucha altura, diferente a casi todo y que junto a "Dogman" es mi preferido de los de Texas.




jueves, 15 de junio de 2017

QUINCE DISCOS AOR PARA EL PRÓXIMO VERANO (VOLUMEN TRES)

1- "Vital Signs".Si amigos, esta vez el primero de la clase es para nosotros el número 1. "Vital Signs" es al AOR lo que Pelé al futbol o "La Traviata" de Giuseppe Verdi a la ópera. Pocas veces ha sonado todo un disco como una perfecta banda sonora desde que empieza hasta que termina. Imposible no palidecer y asombrarse al escuchar las maravillosas melodías y el pluscuamperfecto estribillo de "I Can´t Hold Back".
1984
Hay pocas cosas en este mundo que posean el encanto irresistible de "High On You", la garra y pasión aorera de "First Night" o el melodrama echo canción de "The Search Is Over". Jamison, Sullivan, Peterik, Ellis y Doubray son una alineación que debería uno saberse mejor que la de su equipo de futbol favorito. Definitivamente "La Voyager" esa tendría que haber sido lanzada al espacio con "Vital Signs" sonando a todo trapo para deleite de toda la Galaxia. Una pena que no retrasasen el viaje una década. Materpiece no, The Next!

2- "Megaforce"¿Una sola palabra que sustituya a "Hard-AOR"? "Megaforce" amigos, esa única palabra es suficiente para definir a ese sub estilo del Rock más melódico al este del Rock Duro. Y vaya álbum que se marcan 707 en su cuarta intentona por hacerse un hueco entre las radio fórmulas USA y los corazones de los rockeros duros americanos.
1982
Sus anteriores trabajos son feten, de eso no hay duda, Kevin Rusell que es el vocalista en todos ellos lo hace rematadamente bien, pero hace falta un plus para que el 707 alcance la altura de los aviones supersónicos y eso al menos va ocurrir en este disco gracias al fichaje de Kevin Chalfant para pilotar con maestría gracias a su portentosa y aorera voz.
Chalfant acomete las canciones a la Steve Perry pero con garra rockera y desarmando el lado soul del menudo frontman de Journey.
Del disco destaco todos y cada uno de los temazos que lo llenan pero el que lo titula se sale literalmente de la estratosfera AOR, encima es el tema central de la película de Ciencia Ficción serie Z "Megaforce" y viene producido por Keih Olsen. Sobresaliente!

3- "Runaway". El debut era bueno pero este segundo disco posiblemente sea mejor. "Runaway" de título y esa carpeta que mezcla paisaje marciano por delante y Pablo Iglesias + Tarzán Migueli por detrás agranda la leyenda del segundo disco de Dakota. Pero que nadie huya todavía, de facto no lo vas hacer cuando "Runaway" comience a sonar, sus teclados se apoderen de tu mente y caigas en la cuenta de que has desatado un "Necronomicon" aorero que te llevará de Dakota a Toto, de Toto a Le Roux y de ahí al orgasmo.
1984
El dúo Hludzik/Kelly son culpables del desaguisado, los dos un par de "Una Bombers" cargados de explosivas muestras del mejor AOR de los años 80. "Heroes", "When The Rebel Comes Home" o "Love Won´t Last" son alguna de esas canciones que harán de tí mejor persona este próximo Verano cuando tengas que incorporarte nuevamente al tajo, y que en las vacaciones te convertirán en el puto amo al son de "Into The Night" "Pepsi Cola" en mano.
El disco lo produce Danny Seraphine, batería de los repelentes Chicago que aquí también se hace un hueco con las baquetas. Monstruoso AOR super cinco estrellas!

4-"Living In Oz". Quizás alguno echó de menos en los dos volumenes anteriores que le dedicamos al AOR a Mr Rick Springfield. Pues problema solucionado, aquí tenemos uno de los discos bandera del guaperas australiano que lo mismo te cantaba una de Power Pop que hacía de médico galán en un culebrón de tres al cuarto y que antes de meterse en discos farragosos de Hi-Tech lo clavó con este particular Pais de las maravillas aorero.
1983
Para la ocasión Springfield se rodea de varios astros de lo melódico, tipos como Alan Pasqua, el batería todo terreno Mike Baird, el tipo de los Mister Mister Richard Page o Tom Kelly; todos ellos le echan un cable, aunque las canciones practicamente todas vienen firmadas por el australiano que demuestra su maestría en la vital "Me & Johnny" o en la fantasmagórica "Motel Eyes".
Obviamente todo gira en torno al AOR desde el arranque de "Human Touch", consiguiendo los momentos más destacados con el tema que titula el disco, la inmensa "Souls" o con "Affair Of The Heart", tema que fue single y que llegó muy arriba en las listas de éxitos americanas. "Living In Oz" quizás no sea el mejor disco de Springfield pero si que puede mirar a la cara al anterior "Success Hasn´t Spoiled Me Yet" y con altanería a cosas como "Tao". Muy notable.

5-"Streets". "If Love Should Go"...corazón de AOR, que letras y que chorus. Menudo brío tiene el cantante ¿Y el estribillo? Buff, calla calla que no hace prisioneros ¿Habéis escuchado esas guitarras? Joder, puedo pensar en Foreigner, Journey o Survivor; los tres grupos en uno solo pero puede que hasta mejor ¿Pero de verdad que no has escuchado "Move On"? ¿Estás tonto? Rápido, aún no la han capado en youtube ¿El disco para comprar dices? Si, "Wounded Bird" sacaron una de sus pírricas reediciones hace unos años pero te aconsejo la de "Rock Candy", que no está mal de precio y esos tíos si que saben cuidar sus productos.
1983
Qué este disco sea tan cojonudo es tan fácil como tener a Steve Walsh de los Kansas como vocalista. Uno de los grandes en los 70 dentro del Prog Rock era imaginable unos años más tarde en algo más directo y comercial. Su voz va como anillo al dedo para el rollo aorero y en "Lonely Woman´s Cry" tienes la prueba. Sus compañeros de calle no pueden ser mejores, el Mike Slamer a las seis cuerdas está tremendo imprimiendo personalidad y garra a todas las canciones del disco. Billy Greer camarada de Walsh en Kansas durante años y de Slamer en los estupendos Seventh Key durante las dos últimas décadas es el bajista y perfecto escudero de Walsh para moldear unos estribillos fabulosos. Produce Neil Kernon.

6-"Vigilante". Que el programa bandera del AOR en este país lleve el mismo nombre del disco de Magnum ya es para pensar que efectivamente hay que detenerse necesariamente en el sexto disco de los británicos. Al "Vigilante" se le ha dado palos por su sonido y portada entre otras cosas. La portada es cierto que parece sacada del carrusel de los Barriguitas pero es innegable que tiene su gracia y su encanto. Recuerdo leer la reseña en alguna revista cuando el disco fue publicado e interesarme inmediatamente por Magnum. Meses más tarde sacié mis ganas con el recopilatorio "Mirador", otra historia diferente a la que nos ofrece este magnífico "Vigilante".
1986
En cuanto a la producción del Queen Roger Taylor...vamos a ver, estamos en el 86, no veo tantas diferencias entre el sonido de este disco de Magnum y otros de su mismo tiempo. De su poker aorero comprendido entre "On A Storyteller´s" y "Goodnight L.A." posiblemente sea el más comercial de todos pero suena perfecto para ese momento, y si olvidas que son Magnum y de lo que tiene delante y detrás podrás disfrutar de un disco repleto de himnos AOR. Temas como el que titula el álbum, la inicial "Lonely Night" o "Midnight (You Wont Be Sleeping)" son auténticos masterpiece aoreros. Las canciones como no podía ser de otra manera las firma Tony Clarkin pero es Bob Catley el que nos cautiva con su voz, poderosa en "Red On The Highway" y melódica en "Sometime Love" ¿Un tema por encima de los demás? La inmensa "Holy Rider".

7-"Righteous Heart". Un disco que comienza con un temarral del tamaño de un cometa de grande ("Modern Day Delilah") y que no decae ni un solo instante de los casi 38 minutos que ocupa tiene que venir incluído en esta lista  no apta para diabéticos que preparamos cada verano como si fuese la sangría más fresca del mundo mundial. Van Stephenson debería de haber vendido millones de discos amigos, y no el panoli ese de Michael Bolton, pero la vida es así de cabrona, tanto que el bueno de Stephenson se fue hace ya unos cuantos años dejando como legado tres discos en solitario entre otras cosas. En nuestra primera entrega del 2015 os recomendamos su tercer disco, el magnífico "Suspicious Heart", ahora le toca el turno al segundo trabajo del cantante de Ohio.
1984
En esta ocasión "RH" lo componen diez temas que tienen más garra que los que componen "SH" de dos años más tarde, pero que siguen siendo puro AOR 80´s que te los puedes imaginar en la banda sonora de la película que se te pase por la cabeza  de aquella época. Acompañando a la estupenda voz de Stephenson los reputados músicos de sesión Dan Huff, Alan Pasqua, Mike Baird, Tom Kelly, Bill Champlin...la flor y nata pues del AOR y del West Coast al servicio de un repertorio sobresaliente.


8-"Racing After Midnight". Adoro a estos tíos. Acaban de regresar con un magnífico trabajo cuando nadie lo esperaba. Sus cuatro primeros discos son de enciclopedia aorera, cualquiera de ellos podría copar los primeros puestos del género de sus respectivos años de publicación.
1988
Las dos cosas que destacan en mi opinión de los canadienses son el vocalista Johnnie Dee con un timbre melódico pero con garra que me recuerda a John Bon Jovi y el guitarrista Derry Grehan, un tío que descorchaba las botellas de una marca de cola en un anuncio a mediados de los 80 con su guitarra y que de verdad es un auténtico monstruo a las seis cuerdas. Las canciones de este tercer trabajo fueron grabadas en Los Ángeles con Ted Templeman trás los mandos. La discográfica obligó practicamente a la banda a grabar el tema del dúo Steinberg/Kelly "Cold Look", algo que no fué del agrado de los músicos canadienses que grabaron un clip para dicho tema en Inglaterra mientras estaban de gira. La versión es mejor la original de los I-Ten, pero lo destacado del álbum es lo que Grehan y Dee crean, AOR tremendísimo con alguna incursión en el Power Pop como en la final "Tears On The Page" ¿Otras joyas? "Long Way Back", la inicial "Looking Out For Number One" o "It´s Over Now". Masterpiece total!

9-"Diving For Pearls". Otro incunable del AOR es el debut del quinteto de Boston afincado en New York City. Pedazo de disco repleto de himnos memorables, coros y estribillos arrebatadores, teclas que adornan con sensación, buenas guitarras y la estimable voz de Dany Malone.
1989
La balada "New Moon" es una de las destacadas de un disco lleno de dinamismo y con muchísimos detalles que no lo hacen caer en la banalidad de alguno de sus contemporaneos. Los arreglos no patinan ni hacen del producto algo empalagoso aguantando 28 años después las envestidas del tiempo. Una de las bazas que juegan a favor de Diving For Pearls es la original mixtura de sonidos dentro del AOR que practican, incluyendo sonidos prestados a bandas tan dispares como Simple Minds, The Cult o Cheap Trick. Una pena que no tuviesen continuidad y que tardasen más de quince años en volver a publicar nuevo material.

10-"Shaft Of Light". Reino Unido también fue zona AOR a mitad de los 80 colegas...vamos a ver...FM, Strangeways, Virginia Wolf, Shy...y Airrace claro. Esta banda es el proyecto encabezado por Keith Murrell, un cojonudo cantante de aíres clásicos cuya voz estaba en algún lugar entre los tíos de Toto y el Paul Rodgers, demostrando que era un cantante de buen gusto principalmente British.
1984
El otro nombre que suena de la banda es Jason Bonham que con 18 años empezaba a labrarse su carrera baqueta en mano emulando a su bestial papá. "Shaft Of Light" es un magnífico disco de Hard/AOR tipo FM pero también Foreigner, Survivor, Journey. Te prometo que no podrás dejarlo ni cuando saltes del trampolín a la piscina. Es casi seguro que tonadas rockeras del calibre de "I Don´t Care" o "Promise To Call" te convertirá en el rey de la tumbona durante estas vacaciones ¡Que se preparen los niños y la parienta! Produce el artefacto con gracia y salero Mr Beau Hill.

11-"Heartbeat City". ¿THE CARS presas de la fiebre AOR? Pues sí, al igual que Heart, Cheap Trick u otras bandas que nada tenían que ver con el género, el quinteto nueva olero también se dejó atrapar por los cantos de sirena que maleficamente dominaban buena parte del Rock a mediados de los 80. The Cars en realidad se dejan querer por los estilos que gobiernan tiranicamente las emisoras de radio, Techno, electrónica y otras moderneces sónicas se diluyen en el Power Pop y en el sonido New Wave que los norteamericanos practican desde finales de los 70.
1984
"Hello Again" descoloca al principio con esa entrada más propia de los Def Leppard, con Ric Ocasek haciendo de Joe Elliot y con un enfoque melódico descaradamente emparentado con el "Pyromania" de los británicos, con la salvedad de que dan el cambiazo al Hard de los Leppard por el Pop/AOR de los Cars. La producción de Robert John Mutt Lange es fundamental para este nuevo sonido que atrapa en su maraña a los Leppard, Bryan Adams o los propios Cars y que en "Heartbeat City" les hace entrega de su salvo conducto sónico particular que hace que temas como "Magic" o "Drive" suenen con altanería en las emisoras de radio USA. Las canciones pese a esa producción tan rebuscada no pierden nervio ni garra cuando las guitarras tosen su particular Power Pop como en "It´s Not The Night" y las voces de Benjamin Orr y de Ocasek suenan altas, claras y más limpias que nunca. Masterpiece en toda regla.

12-"Caught". Teri DeSario también lo intentó con este trabajo recién iniciada la década del AOR. Una artista del mundo del Pop y de la música disco podía hacer el viaje al revés que Kiss y cascarse todo un disco de Rock dentro de unos cánones en los que su voz gobernase con mano de hierro melodías atractivas, estribillos con mucho gancho en los que poder emular a Pat Benatar y alguna balada lacrimógena a la Barbra Streisand. Con "Caught" vaya que si lo consigue.
1980
Para llevar a cabo este virage al Rock Teri se rodea de la crema del AOR, tipos como Steve Lukather, Mike Baird, Steve Porcaro o David Foster, que por cierto en aquella época debían estar ganando un pastón componiendo y grabando música ajena a sus bandas. Músicos de sesión como el también productor del disco Bill Purse o Richie Zito componen un material al que DeSario pone tres de las nueve canciones entre las que está un cover del "I Should Have Known Better" de los Beatles.

13-"Virginia Wolf". De regreso a Gran Bretaña con el debut de este cuarteto que contó con Jason Bonham a la batería, pero cuyo miembro más destacado para los que aman el AOR es su vocalista, Chris Ousey, de timbre agudo y con muchas aptitudes como demuestra en este disco y posteriormente en los buenísimos Heartland.
1986
Producido por el Queen Roger Taylor, Virginia Wolf acumula lo mejor del género melódico en sus surcos, gracias al AOR con garra de "Are We Playing With Fire", "For All We Know" o el Power Pop a la Police de "Make It Tonight". En un disco de muchos teclados en el cual ninguno de los miembros de la banda son diestros en ese momento con él, se cuenta con Spike Edney, colega de Taylor que le había acompañado en solitario y también en Queen aparte de músicos como Ian Hunter o bandas como Maniac Street Preachers o los mismísimos Stones. Otra de las curiosidades de este debut es que fue parcialmente grabado en los estudios Mediterraneo de Ibiza donde seguramente la banda & Crew se lo pasarían bomba. Para fans de Foreigner, Loverboy y Strangeways.

14- "Save Your Prayers". Pete Way de UFO formó Waysted en los primeros 80, momentaneamente se desmarcó de su viejo compinche Phil Mogg y se hizo muy colega de los Iron Maiden. Luego de rockear duro con tres fornidos discos, cambió el chip totalmente y reorientó el sonido de su banda en el Hard-Aor. Para terminar de dar el enfoque melódico que Way buscaba, aterriza en la banda Danny Vaughn, vocalista norteamericano de dulce timbre y carismática voz que años más tarde sería pieza importante en los reivindicados Tyketto.
1986
El otro ex UFO al aparato es el guitarrista Paul Chapman. El Galés había estado en cuatro buenos discos que la banda grabó cuando Michael Schenker dijo basta, con Waysted grabó tres incluyendo "Save Your Prayers", un disco rico en guitarras Hard Rockeras como lo demuestran "Walls Fall Down" o "Heroes Die Young", pero también de Rock melódico cuasi aorero, "Black & Blue" o la inmensa "Singing To The Night" son ricas en estribillos azucarados que bien pudieron copar listas en USA como Bon Jovi en ese mismo año o Winger dos años más tarde. Una pena, Waysted con este disco merecieron más suerte, "Heaven Tonight" era el medio tiempo perfecto que debió vender un millón de unidades, la canción más AOR del disco y la más destacada sobremanera por la sobervia melodía que Vaughn despacha, un tema que ya fue grabado anteriormente por la banda pero que carecía del brillo mate que le otorga el vocalista norteamericano.

15-"Loverboy". Canadá otra vez amigos...
Unos precusores del AOR fueron LOVERBOY, liderados por Mike Reno, un tipo que vestía con un rojo butano horroroso y demodé incluso en los 80, pero poseedor de una voz muy melódica apta para estas latitudes light del Rock duro, pero también para sacar garra cuando hace falta.
1980
El debut de los canadienses hace de puente entre el sonido que bandas como Foreigner venían haciendo desde finales de los 70 y lo que veremos posteriormente. Es el año 80 y el AOR acogía sin hacer ascos propuestas que venían de la nueva ola, el Power Pop y naturalmente el Hard Rock. Temas comerciales que buscan el estribillo fácil con el teclado siempre en el disparadero y guitarras disciplinadas con arreones de sprinter en pos de una meta volante. De este debut nos quedamos con la inicial e hímnica "The Kid Is Hot Tonight", "Turn Me Loose" o la Cheap Trick "Lady Of The 80´S", con ese aíre tan moderno/hortera/demodé a los quince minutos de su publicación.