miércoles, 28 de diciembre de 2016

MOTÖRHEAD: "ORGASMATRON" 1986

No hay tiempo para lloros ni lamentaciones, han pasado 365 días desde que Ian Fraser "Lemmy" Kilmster se marchase botella de Jack en mano y su bajo en la otra a rockear al otro lado. Para nosotros sigue y seguirá estando tan cercano como lo estuvo siempre, el rockero juerguista impertérrito, celebrando que cumple 71 un año después de que haya pegado el portazo final. Cualquier disco es bueno para recordar su figurón, nosotros hemos decidido rendirle homenaje con "Orgasmatron".


La cosa es que Lemmy tenía gana de marcha en el 86 y no era para menos. Llevaban los Motörhead embarrancados sin material nuevo desde "Another Perfect Day" publicado tres años antes. La cosa había terminado muy mal con Robbo Robertson y con el sello "Bronze", con el cual la banda todavía publicaría "No Remorse", disco recopilatorio que incluía cuatro temas nuevos que presentaban a los nuevos forajidos de Kilmster, entre las nuevas canciones se incluía el "Masterpiece" "Kill By Death". Todo esto ocurría durante un año 84 que parecía no tener fin para Lemmy.

Pero no fue hasta comienzos del 86 cuando por fín pudimos ver a  "Snaggletooth" encadenado a una locomotora apunto de descarrilarse y de disfrutar de material nuevo con tres años de retraso, lo que en aquella época era decir mucho.

Las canciones como no podía ser de otra manera van a lo bestia desde "Dead Forever". Vamos a tener plasmado en nueve canciones y treinta y cinco minutos posiblemente a los Motörhead más heavies de la década, por supuesto que Würzel y Phil Campbell son bastante culpables de eso.

 La ínclita "Orgasmatron" desgarra como un puñal en la píel. La voz de Lemmy cien por cien alquitranada masca el sonido de su propio bajo, que casi es tan aplastante como las guitarras.


Hemos empezado por el final, pero el Heavy Metal que en el 86 quería perderse entre teclados como el agua del water al tirar de la cadena, comienza con "Deaf Forever", un Must-Die que los fans hemos amado siempre, con un rítmo sofocante y pesado, logrado en parte por la batería de un Pete Gill que venía de escribir grandes páginas metálicas con Saxon. El estribillo es poderoso, y el final apoteósico.

Los Motörhead del "Overkill" o el "Ace Of Spades" regresan de entre sus muertos en "Nothing Up My Sleeve", una orgiastica gang-bang del descacharrante sonido madre que la banda había forjado a base de Rock insano y Punk Rock desde los primeros días de la "NWOBHM".

El Rock And Roll tan desvocado como la portada del disco seguía en la fenomenal "Ain´t My Crime", con un estribillo de alto voltaje, de esos que matan, y que Lemmy se sacaba con tanta facilidad como le daba al Speed o al Jack Cola.

"Clow" era todo un "Metropolis" y "Mean Machine" otra burrada speed metalera de esas que ponían burros a tipos como Lars Ulrich. De verdad que sigo sin entender la manía que el gran Lemmy le tenía a este disco, cosas de las mezclas del productor y del ingeniero de sonido, que bueno, son dos cosas como para tomarse muy en serio. De todas formas sigo pensando que "Orgasmatron" suena de miedo treinta años después.

Otro temazo top total es "Built For Speed": "I Was born to RNR, Everithing i need, I was born with the Hammer Down, I was built for Speed!!! Joder, que puta grandeza!!

"Ridin´ With The Driver" es otra bestialidad parda que te deja nuevamente sin resuello y "Doctor Rock" otra bala salida del cinturón de Lemmy a base de furibundo Rock & Roll, esas palabras que matan, y por las que ha vivido Ian Fraser Lemmy Kilmster. 

El Hijo de Ron Keel



miércoles, 21 de diciembre de 2016

RUSH: "FLY BY NIGHT" 1975


21 del 12, no del 2012, estamos en el 16, pero hoy sigue siendo 21 del 12, una fecha que para un rockero tiene que ser obligatoria, digo más, una fiesta. Desde que sale el sol hasta que se pone, Rush todo el santo día sonando; nos da igual que sea el debut, Caress Of Steel, Power Windows, Hold Your Fire, Vapor Trails o uno de sus mil directos.

Nosotros vamos a celebrarlo a nuestra manera ¿Y que mejor cosa que hacerlo con "Fly By Night"? Pues démosle cera al teclado mientras suena de fondo una vez más el segundo disco de los ases del Canadá.

¿Y que tenemos aquí? Pues ese plástico que significó el sacramento inicial de Neil Peart con Rush. Estamos en 1975 y Peart aparte de darle a la banda el impulso musical que le faltaba al estupendo debut, comenzará su flirteo con las letras que serán santo y seña para ellos. 

Empezando por "Anthem", en "Fly By Night" los homenajes a Led Zeppelin se quedan en "Best I Can" , con letra y música del Geddy Lee; el resto pertenece al mundo privado del gran cerebro de Peart, con sus sesudas chanzas filosóficas e individualistas, que toman posiciones en la antes nombrada "Anthem" y avanzan inexorablemente hacia la ciencia ficción o la fantasía de "Rivendell", quizá una mini conexión aquí con Zeppelin. más que nada por la influencia que los mundos de Tolkien pueden ejercer en determinados momentos sobre sendas bandas.

Otro de los temas que viene firmado por Geddy Lee es la final "In The End", aunque no es totalmente suya, Alex Lifeson es co-autor de la música. Lifeson me parece un guitarrista brutal, y es acojonante lo poco que se le valora a la hora de elaborar esas putas listas de genios del mastil. Bueno, peor para ellos y mejor para los que saben apreciar lo benditamente bien que toca este señor. En este tema tanto sus partes acústicas como eléctricas alcanzan una épica de la hostia, y eso que los riffs parecen bastante básicos. Lee está en los tiempos en los que sus agudos son memorables, al que le molesten pues que se joda, claro que sí. Es melódico, salvaje...un fuera de serie que rockea con su voz y con su bajo, codo con codo con un Peart bárbaro con sus interminables cambios de ritmo.


Peart sobresale en todo el álbum, el comienzo de "Anthem" es alucinante; los riffs son matadores y la batería es una puta apisonadora hasta que entra Lee a liarla pero que muy parda. Me encanta esa parte final tan Heavy y contundente, con los alaridos de Lee contestados por un Peart arrollador. Un poco antes Lifeson se saca un solo que huele a clásicos, a Page, a Beck, al tío de los Mountain...

"Best I Can" y "Benath, Between & Behind" siguen desprendiendo ese vaho procedente de su debut, pero Peart le aporta ese toque que le diferencia de John Rutsey, Peart es un Keith Moon del Heavy Metal y eso se nota en el conjunto de esta obra. En "Benath, Between & Behind" la rapidez con la que toca es sorprendente, obligando a sus compinches a redoblar sus esfuerzos con las seis y cuatro cuerdas.

El punto álgido para un servidor llega con "By-Tor & The Snow Dog", una épica que supera los ocho minutos, con una primera parte realmente Heavy merced a la velocidad de los instumentos y de la aguda interpretación vocal de Lee. Posteriormente entramos en una fase instrumental que sigue siendo muy violenta en sus primeros minutos, con riffs y contra riffs, bajos punzantes a lo Yes y un Peart convertido en funambulista de las baquetas. Luego de un solo magistral de Lifeson, otro ataque frontal del trío con un final apoteósico. La letra por mucho que pueda indicar el título, parece que tiene bastante guasa al estar basada en una historia de dos perros del manager de la banda contada por un Roadie de Rush.

De vuelta a los sonidos típicos del Rock Duro de los setenta con un ojo puesto en los Led Zeppelin y el otro en The Who, tenemos "Making Memories", con música de la sección de cuerdas y letra del maestro Peart, buenas guitarras acústicas y eléctricas, y parte vocal muy vacilona.

"Rivendell" es una deliciosa balada de Lee con letra de Peart inspirada en la ciudad elfica del mismo nombre aparecida en los cuentos de J.R.R. Tolkien y "Fly By Night" un medio tiempo super radiofónico que no debió de sonar lo esperado en las emisoras de radio fuera de Canadá, como el álbum en sí, que sirvió entre otras cosas para presentarnos en sociedad a Neil Peart, la larga alianza con el productor Terry Brown; y ver como Rush seguía creciendo como banda hasta lo que hoy conocemos de este trío legendario, pero que hasta 2112 segurían siendo una banda de segunda fila.

El Hijo de Ron Keel 


miércoles, 14 de diciembre de 2016

GREG LAKE: "KING CRIMSON 69-70" "EMERSON LAKE & PALMER 1970"


Poco a poco van cayendo los héroes de nuestra música. Lemmy, Bowie...
...Keith Emerson en Marzo y ahora Greg Lake, muerte esta que nos ha pillado con la guardia baja. Se ha ido una de las voces dulces y más carismáticas del Rock progresivo además de un bajista fenomenal. Músicos tan influyentes como Pete Townshend, Ian Anderson o Fish han lamentado la muerte de un músico de un tiempo irrepetible dentro de la historia del Rock.


Su primera grabación como vocalista para los KING CRIMSON es considerada para muchos aficionados del progresivo como la más importante de su carrera. Sin desmerecer a Emerson, Lake & Palmer soy de los que cae rendido ante el mayestático debut de la banda de Robert Fripp, un guitarrista innovador que causará sensación desde sus primeros conciertos, y que dejará boquiabierto al personal, con un debut fuera de lo común, un colorido catálogo de tardo psicodélia rockera, con causticas sesiones Jazz y un explosivo cocktail de Rock que dará como resultado Rock Progresivo.

Lo curioso del asunto es que cuando en Octubre del 69 el debut de los Crimson salía a la calle, la banda estaba en estado de putrefacción; las tres cuartas partes del grupo estaban fuera y Greg Lake era uno de los que se iba para formar parte de un super grupo con Keith Emerson y el ex batería de Atomic Rooster Carl Palmer.

El debut implosionaba con "21 Century Schizoid Man", aventura psico-hard rockera salpicada de jazz en la que el bajo de Lake y la batería de Michael Giles suenan nucleares. Ambos músicos se marcan una mini jam que no deja títere con cabeza. Una demencial y filtrada voz de Lake hace furor junto a la guitarra de Fripp y una alucinante letra de Peter Sinfield.

FRIPP, LAKE & FRIENDS EN EL CAMPO
El kaos se torna calma en "I Talk To The Wind", bucólica y pastoral tonada con flauta, vientos y la dulcificada voz de Lake; una maravilla para todos nuestros sentidos. "Epitaph" incluye "March For No Reason" y "Tomorrow & Tomorrow", conformando una larga y eglógica mini suite donde las cortinas de melotrón son fundamentales para redondear ese ambiente tan opresivo que desprende.

El comienzo de la segunda cara con "Moonchild" que intoduce el tema "The Dream & The Illusion", comienza con un campestre cantar de Lake y la percusión de Giles junto a otros efectos como campanas y nuevamente melotrón, la guitarra de Fripp es suave y creativa durante los muchos minutos que ocupa el tema.

Para el final la mítica "In The Court Of The Crimson King", un dolmen sónico con marchamo fúnebre, montones de capas de melotrón, flautas, una letra alucinante cantada por un espectacular Greg Lake para cerrar uno de los mejores debuts de la historia del Rock; por música, letras y portada.




"In The Wake Of Poseidon" saldrá al mercado en Enero del 70, siendo el último trabajo en el que trabajará Greg Lake. Se trata de un disco que repite los mismos esquemas del debut.

 De entrada la respuesta al "21St Schizoid Man" llega de la mano de "Pictures Of A City", otro corte de Rock vanguardista que no llega a las cotas de espectacularidad del tema que abría el debut.

"Cadence & Cascade" también es continuista y prima carnal de "I Talk To The Wind". Nuevamente, tenemos ante nosotros, un tema pastoral con una melancólica melodía vocal de un Gordon Haskell que suple a Greg Lake. La flauta de Mel Collins es vital para entender el clima bucólico que respira.

Lake retorna en "In The Wake Of Poseidon" (canción), un "The Court Of The Crimson King" con una alta carga de Rock barroco que se retira ante el instrumental "Peace-A Theme", pieza para la guitarra de Robert Fripp.

Uno de los temas destacados de este segundo disco es "Cat Food", una merienda de estilos que bebe de los Beatles y que escupe Jazz, Prog Rock y Pop Psicodélico a partes iguales.

Quedan para el final la épica "The Devil´s Triangle", una mini saga dividida en cuatro partes donde los melotrones hacen estragos creando un ambiente altamente opresivo, y "Peace & End", vehículo para lucimiento de Lake con el que se cierra un disco desigual, en el que tan sólo estuvieron implicados al cien por cien Robert Fripp y Peter Sinfield, quedando el resto de músicos del debut en un segundo plano.



La carrera de Greg Lake continuará con uno de los trío definitivos de la historia del Rock. E,L & P se convertirán en maestros de lo excesivo; tres fuertes personalidades al servicio de un super grupo que dará que hablar por lo desmesurado de su propuesta musical y escenica, pero por encima de todo la genialidad que ya hizo acto de presencia en un bestial debut que igualaba en grandeza al debut de King Crimson, y sería lo más representativo del género Sinfónico-Prog-Rockero hasta la aparición de las obras maestras de Yes, Genesis o Jethro Tull.

"The Barbarian" abre incendiándolo todo a su paso,en una impresionante muestra de barroquismo en la que Keith Emerson desarma su Hammond con el bajo de Lake y la batería de Palmer dando cera por detrás. La banda arrima al ascua del sinfonismo rockero el "Allegro Barbaro" de Béla Bartók.

Con "Take A Pebble" se sube un peldaño más en muestras de pericia; teclados, baterías con precisos golpeos y malabares al por mayor, jams de bajo, y por supuesto la voz maravillosa de Greg Lake para una suite de más de doce minutos en las que caben el Rock progresivo, la música pastoral y el Folk Rock. Esta vez el virtuoso adaptado es Johann Sebastian Bach y su "Invención n 1 en do mayor".

SUPER TRÍO
La tercera toma del disco también es sobresaliente. "Knife-Edge" es un Rock duro sin guitarras, en los cuales los instrumentos que rockean duro son la batería petrea y persistente de Carl Palmer, el Hammond humeante de Keith Emerson y un bajo que sin sonar tan heavy como el de Chris Square en Yes, llega a bombear notas con un sonido de lo más crudo. Esta vez las adaptaciones del trío caen sobre la "Sinfonietta" de Leos Janácek y la "BWV" nuevamente de Bach.

La otra cara del disco queda relegada para tres composiciones del trío en la que cada uno pondrá sus habilidades al servicio de ellas; empezando por la suite "The Three Flates", complicada pieza desgranada en tres movimientos, uno de órgano y dos de píano para deleite de un Keith Emerson inconmensurable.

Para "Tank" es Carl Palmer sobre el que recae el peso principal del tema, baquetea sin piedad en otra pieza instrumental en la que es co protagonista el teclado de Emerson, con su arsenal pirotécnico de órganos y sintetizadores Moog, a la que se suma el bajo de Greg Lake.

Concluyen con la estupenda "Lucky Man", tema de Lake que destaca tanto por su melodía y estribillo, como por el solo de Moog que incluye Keith Emerson.

George A Custer




jueves, 8 de diciembre de 2016

ESTUS "ESTUS" 1973: TROGLODITAS DEL ROCK DURO VOL 16

Atabiados en la portada con chaquetas para el frío Neoyorkino, al que parece no pueden combatir como es debido, ESTUS presenta su única credencial sonora patentada hace más de cuarenta y tres años y producida por Andrew Loog Oldham, productor asociado a los Stones en la década de los sesenta y que en los setenta trabajará asiduamente en suelo americano.


Estus es el típico cuarteto de Rock Duro de la primera mitad de los años setenta, lo forman los hermanos Nicholas (Tom y John) que se reparten voces, guitarras y bajo respectivamente; Harry Rumpf guitarra y teclados, Mark Bell batería.

Es precisamente Mark Bell el músico que se hará famoso unos años después aporreando los parches de los hijos predilectos del "CBGB" The Ramones, conocido como Marki Ramone y que a comienzos de la década 70´s ya había grabado un par de resultones trabajos de Rock pesado, el segundo de ellos reseñado en estas páginas ("Dust Hard Attack" 1972 trogloditas del rock duro vol 12).

Los casi 45 minutos de los que consta el álbum ofrecen nueve cortes de mucha calidad, proponiendo Hard Rock´N´Roll de diferentes texturas, alejado del Prog Rock y más cercano a posiciones que van del Rock de tintes sureños al Folk Rock.

Las guitarras dobladas al estilo Wishbone ash son una constante a lo largo del plástico, así como las guitarras acústicas apoyando y respaldando a las eléctricas. También las voces tienen su importancia, realizando interesantes y variados juegos vocales que se adaptan a los diferentes tiempos de las canciones.

El Rock de Estus puede apelar al sonido que los Status Quo proponían en la primera mitad de aquella época, en la que el Boogie Rock y el Rock de Chuck Berry era endurecido por guitarras petreas.

Otro de los apoyos en los que se sustenta la banda en el estudio es en los teclados que buscan un sonido etéreo y orquestal, sobre el que descansan el resto de instrumentos voz incluída, y que culmina en el estupendo medio tiempo "In The Morning", una canción hecha para la conquista de las radio fórmulas.

"M.P.H. (Just A Poor Born From The Country)" también podría ser una canción perfecta para la AM norte americana de los setenta, consta de una melodía que seduce y que recuerda en su estructura y sonoridad a lo que Boston ofrecerá tres años más tarde en su debut.

El disco lo cierra "B.M.D.", un tema que recuerda una burrada al "Mothers Little Helper" de los Stones, compuesto por los hermanos Nicholas y con unos arreglos de Oldham de lo más Stonianos. Buen final para un magnífico disco que pese a las influencias reconocidas en sus surcos, mereció más atención ya que sigue siendo un perfecto desconocido.

George A Custer



jueves, 1 de diciembre de 2016

RORY GALLAGHER: "TATTOO" 1973


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Los irlandeses deben de tener el alma para esto del Rock And Roll hecha de otra pasta. Sino que alguien me explique a tres fenómenos como Phil Lynott, Van Morrison o Rory Gallagher...¿Bono has dicho? Jajajaja! Dejémoslo para otro día ¿Ok?

Hoy toca hablar de Rory y sus compinches; Lou Martin, Gerry McAvoy y Rod De´Ath; y de uno de sus mejores trabajos. Entre el "Irish Tour 74" y "Tattoo" me he decidido por este último, un trabajo espectacular registrado por unos tíos en un estado de gracia al alcance de los Stones de la época, por más o menos importancia que se les haya otorgado.

La versatilidad de Rory ya venía de los tiempos en los que tocaba con Taste, pero en solitario va a explotar todas las virtudes con las que fue alumbrado más las que fue adoptando a lo largo de su vida. Veremos como el rockero de la chupa vaquera es capaz de jugar con el Blues, Blues Rock, Jazz, Folk o Prog Rock sin perder la compostura y encima demostrando el tío que es un vocalista solvente no, lo siguiente.

"Tatoo´d Lady" es algo más que un Rock And Roll boogie buen rollero. La culpa la tiene el fraseo parloteado de Gallagher, un piano que se te mete por el cerebro hasta jodertelo, un solo asesino de Rory, y un bajo/batería de McAvoy/De´Ath realmente destructivo. El tema te deja completamente KO.

Pero no hay tregua posible colega, "Cradle Rock" sigue en plan terremoto de sacudida destructiva en la escala de Ritcher. Ante las tremendas sacudidas implosivas de Rithm & Blues Hard Rock reinventado del que estarían orgullosos sus creadores, es imposible parar de moverse...bueno sí, hay medio segundo a mitad del tema en el que la banda se toma un respiro, si tú no lo haces estás jodido, avisado estás.

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RORY ON FIRE!!!
Blues a piano tendido es "20:20 Vison", y Prog Rock Jazzy "They Don´t Make Them Like You Anymore"; en esta pieza el piano contesta cada fraseado de Gallagher que puntea con habilidad, mientras la sección ritmica "Jazzea".

El Funk Rock en "Livin´Like A Trucker" se funde con el Rock duro. Nuevamente el cuarteto explota sus habilidades en medidos arranques de rabia y atinadísimas pausas. Por contra, "Sleep On A Clothes-Lines" empieza con la furia de un riff a lo Elmore James mutado en Boogie Hard Rock, que la voz aguardentosa del de Ballyshannon corta, tanto o más que su quehacer guitarrero o el de sus compenetrados compañeros de faena.

El dominio que Rory ejerce sobre su guitarra le hace llevar a "Who´s That Coming" hacia el Rock sureño, el acompañamiento de los McAvoy y cia vuelve a ser sobervio. Seguro que Duane Allman estaría orgulloso al escuchar este tema; soñemos con una jam de ambos allá arriba...

"Million Miles Away" es como un baúl lleno de objetos que no te esperabas encontrar. Lo que puede parecer un Blues Rock normal sabes que no puede serlo en las manos de estos tipos, y así es...

...Casi siete minutos de música tan pasional como la del tema que cierra el disco, "Admit It", Un Rock duro a base de ritmicas rabiosas, guitarras infecciosas y pianos alborotadores. La traca final para un tatuaje que queda marcado a fuego en cada uno de los que hemos tenido la suerte de escucharlo.

George A. Custer








jueves, 24 de noviembre de 2016

THE ROLLING STONES: "GOAT HEAD SOUP" 1973 "IT´S ONLY ROCK´N ROLL" 74 "L.A. FORUM" 75


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BESA LA CABRA!
Y llegó el día, no podíamos seguir ignorándolos más. Quizás "Beggar´s Banquet", "Let It Bleed" o "Sticky Fingers" lo merecían más, pero...¿Por qué no su undécimo disco en Reino Unido, decimo tercero en USA?

El caso es que tenía que ser uno en el que Mick Taylor fuese el guitarrista, así que "Goats Head Soup" tenía alguna papeleta, no todas, pero sí unas cuantas...quizás "Silver Train", y que hacía muchos años que no me ponía el disco decantaron la balanza a su favor. 

Para que os hagáis una ídea, cuando el vinilo empezó a sonar las canciones saltaban de lo lindo por el polvo acumulado, así que un pequeño baño con una yema de jabón y un buen trapo hicieron el resto...

Cuando "Dancing With MR.D" hizo acto de presencia la magia brotó esta vez sí, sin saltarse notas, todo parecía seguir en su sitio; ese riff alcoholico de guitarra tan Stoniano, el píano sucio de Nicky Hopkins, la voz sensual y super viciada de Jagger y el Funk en la base ritmica de Watts y Wyman. El estribillo memorable, invita a lo mejor, pero también a lo peor que podamos pedirle o sacarle a nuestro cuerpo, una calcamonía que queda marcada a fuego cada vez que repites con "Mr.D".

Los Stones venían de tocar el cielo, y puede que el infierno con el controvertido y celebrado "Exile On Main ST", el doctorado en drogadicción y ego máximo (posiblemente) para la banda, así que cuando te das de bruces con "100 Years Ago" quizás pueda parecerte un tema menor, la banda, Humble Pie, o los Faces podían tener mejores temas; aun así la canción tiene ese baño dorado que la hace brillar como si fuese un lingote de varios quilates. 

Nicky vuelve a juguetear con su piano en la melancólica "Coming Down Again" pero es sustituido por Billy Preston para "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)", un As que los Stones van a soltar encima de la mesa, otra medallita que colgarse de su repleta solapa de éxitos y temazos. En el tema hay elementos del incipiento Funk Rock setentero y del Rock canallesco Stoniano, rematado por un solo imperfecto-pluscuamperfecto de Mick Taylor y una letra sobre tiroteos y sobredosis en New York.

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"Angie" es "Angie", cualquier tipo normal que haya leído una revista de Rock and Roll o no, seguramente que la conocerá. La balada cantada lastimeramente por un Jagger que cuenta un desamor con varias hipótesis como partida, fue número uno en USA y cinco en una Inglaterra de la que los Stones habían huído para no pagar al fisco de su majestad. Canción machacada hasta la saciedad en emisoras rockeras o de Pop, un clásico que se ha vuelto cansino, por eso algunos preferimos la mística que desprende "Coming Down Again"; es lo que tienen los temas menores.

Con el mítico "Stu" al piano "Silver Train" es el laboratorio para disfrute de Mick Taylor y su Slide guitar. Cualquier Stone puede llegar a impresionar si, pero Taylor siempre suele llevarse la palma. Adoro a Ron Wood, claro que sí, pero Taylor es mi músico favorito de la banda, junto a Jagger claro, que está memorable cantando ese "Silver Train" que nos deja en "Hide Your Love", Blues Rock "In The Twilight Zone" para muchos mortales, con un piano demoledor de Nicky Hopkins y un regusto góspel.

"Winter" recupera la balada para la cara b del disco. Mucho más stoniana que "Angie" y con abundante orquestación, excelsas guitarras y excelso Jagger ¿Quien dijo que Jagger no sabía cantar?

Los Stones se marcan una extraña maravilla con "Can You Hear The Music". Los efectos cuasi robóticos de las guitarras y de algunos fraseos de Jagger, y el piano de Nicky Hopkins le dan ese emboltorio tan estrambótico pero que sigue sonando genuinamente Stoniano.

El final queda para la simpar "Star Star", todo lo que son los Stones, modus operandi, vida y milagros y demás tropelías stonianas quedan reflejadas en cuatro minutos y veinticinco segundos de desenfreno rockero que sólo esta banda sabía ofrecernos cuando la cosa les iba rodadas; como no podía ser de otra manera.

General Custer ¡Rides Again!

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STONES ON TOUR 73!






SÓLO R´N´R PERO NOS GUSTA!
Sólo un año pasó hasta que los STONES tuvieron nuevo material y casi a Ron Wood amarrado como nuevo guitarrista en detrimento de Mick Taylor, al que dejó de pagársele una suma importante de dinero pese a ser parte de la mayoría de canciones del nuevo álbum, aunque viniese firmado enteramente como solía ser lo normal por "The Glimmer Twins" (el pseudónimo que Jagger y Richards adoptaron apartir de este disco cuando actuaban de productores).

La salida de Taylor y la entrada de un Wood que ya había participado en el tema que titula el disco, retrasó un año la gira de sus satánicas majestades por USA, sería en el 75, cuando la banda recobraría un lugar en el podio del Rock And Roll copado por The Who y Led Zeppelin.

Las nuevas diez canciones van a contar con los colaboradores habituales del universo stoniano, los Billy Preston, Nicky hopkins, Ian Stu...

Los hermanos Jones (Andy y Glyn) trabajarían en las mezclas y en la ingeniería de sonido de un disco que sonará más contundente y rockero que "Goat Head Soup", pero que no obtuvo tanto éxito y recibiría tíbias críticas en comparación no sólo con el mencionado, también entraban en la terna "Sticky Fingers" o "Exile On Main St", los dos discos referencia en la década de los setenta para muchos seguidores de la banda.

Mi opinión es que "I´ts Only Rock´n Roll" cierra la era dorada de la banda, pese a que "Some Girls" es un magnífico disco, ya estará en otro contexto músical, diferente al de canciones como "If You Can´t Rock Me", que abría con un marchamo Stoniano infernal el álbum, con una contundencia y un sonido muy poderoso.

Si bien el disco es menos Funk y Soulero que el anterior, creo que ambas facetas se han diluído en el Rock que la banda nos ofrece en "Ain´t Too Proud To Beg"(adaptación de los Temptations), tema cuyo comienzo es el arquetipo sonoro del debut de los Black Crowes y de parte del primer material de los Quireboys, bandas que tendrán su momento dos décadas más tarde.


El tema título, nuevo himno para la colección, declaración de principios, y puñetazo de aviso de que los Stones vivían únicamente para ello, para seguir siendo aclamados como en la portada del nuevo disco, palidos, emergentes en un nuevo mundo o en uno antiguo, pero siempre como aclamados reyes del ego y la condescendencia.

Las baladas siguen dentro de la música del grupo, aunque ni "Till The Next Goodbye" ni "If You Really Want To Be My Friend" alcanzarán ni un ápice de la popularidad de una "Angie" cuya sombra era demasiado alargada.

"Time Waits For No One" tampoco parece uno de los platos fuertes, seis minutos y medio que serían de lo más descafeinados si no salen al rescate Taylor con un estupendo solo de guitarra y un brillante piano de Hopkins.

"Luxury" nos muestra a los Stones menos inspirados de la década dentro del estudio junto a alguno de los temas del siguiente álbum "Black And Blue", afortunadamente "Dance Little Sister" nos devuelve a unos Rolling resucitados, nos quita el susto del cuerpo a base de básico y rotundo Rock And Roll, machacón pero demasiado repetitivo.

El Funk aparece en la final "Fingerprint File", un tema super caliente, donde Wyman y Watts se lo curran y en el que las guitarras son pasto del wha wha (será una de las casi fijas de la gira del 75), cerrando un trabajo menor, con altibajos, pero puramente Stones.

General Custer Rides Again!



Entre el nueve y el trece de Julio del 75 los Stones ofrecieron una serie de Shows en Los Angeles que quedaron oficialmente registrados en uno de los volúmenes de la serie "Rolling Stones From The Vault".


"L.A. FORUM (LIVE IN 1975)" recoge lo mejor de unos conciertos en los que la banda defendía parte del material de "It´s Only Rock´n´Roll"; canciones como la que titulaba el disco eran trituradas por la maquinaria stoniana, que ofrecía "Ain´t Too Proud To Beg" o la exhuberancia Funk de "Fingerprint File".

Naturalmente no faltan a la cita "Honky Tonk Woman" que abre la velada, temas del "Exile" como "All Down The Line" o "Rip This Joint"; incendiarias tomas de "Brown Sugar", "Star Star" o "Gimme Shelter"; o clásicos de clásicos como "Street Fighting Man", "Jumpin´Jack Flash" o "Simpathy For The Devil".

El disco es triple, conteniendo además el dvd del concierto de la noche del día doce con algunos temas que no salen en los vinilos; a saber, "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)", "Wild Horses" y los "That´s Life/Outa-Space" junto a Billy Preston.

Los Stones salen a darse un baño de Gloria con "Honky Tonk Woman", con Jagger escalando hacia un escenario que se transforma en la proa de un barco glamuroso con una banda totalmente Glam.

Hay varios momentos remarcables: "Star Star", "You Gotta Move" con Billy Preston ayudando en tareas vocales, "If You Can Rock Me" con Jagger haciendo la croqueta por el escenario o un impagable "Happy" donde Richards lleva la batuta.




jueves, 17 de noviembre de 2016

BON JOVI: "7800º FAHRENHEIT" 1985

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Imagino que a Bon Jovi le tirará de los huevos (hablando en plata ) lo que cuatro heavies chochos cuarentones tengamos que decir sobre su segundo disco. Lo mismo más o menos, que algunos de esos cuarentones pensamos de sus últimos lanzamientos, que ni sabemos como se llaman, ni nos importa demasiado.

De todas formas, hay que decir que este disco que os traemos hoy, ni siquiera es el favorito de casi nadie, otros  cuatro gatos mal contados entre los que me vuelvo a encontar, le vemos la gracia a un disco publicado en el 85, año en el cual "Invasion Of Your Privacy" o "Theatre Of Pain" salían a competir con el disco de Jovi, y que en general tuvieron buenas reseñas pese a no ser tampoco dos discos de los más queridos por sus parroquianos.

Pero en el 85 si no tenías a Tom Werman, tenías a Spencer Proffer...o que se yo, a Neil Kernon ¿Pero a Lance Quinn??? La verdad es que no se quien es ese tipo, pero si quieres un producto con un sonido 80´s de verdad, pocas cosas vas a encontrar más 80´s que 7800º Fahrenheit, por más que le pese a Bon Jovi.

Si estas canciones las llega a coger por banda el Bruce Fairbairn...
...Pero no amigos, Lance Quinn era el que pasaba por allí en ese momento y luego un tal David Thoener mezclo esta maravilla y "Voila", a disfrutar.

Y digo a disfrutar, porque todo aquel que tenga un poco de memoria 80´s, sabe que va a hacerlo desde el comienzo con "In And Out Of Love", un clásico ignorado durante años y que un servidor ignora si a día de hoy el presunto Jon Bon Jovi ha indultado para sus directos.

El himno en sí, es un grito de guerra de puro clembuterol Hard Rock Glam, con un estribillo hiper adictivo y más repetitivo que la lombarda. Poco me importan los himnos que tengan "New Jersey" o el "Slippery" de los cojones, "In And Out Of Love" se las pule y ya está.

Luego, "Price Of Love" es cierto que es cursi de narices, pero es otro entrañable y marchosón serie b de la época, que yo me la imagino en una "Top Gun" o en una "Firefox" persiguiendo cazas rusos de fondo sin darse importancia.

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GIRA FAHRENHEIT POR JAPÓN
En "Only Lonely" si que hay que reconocer que la cosa se sale de madre, a ver, a mi me gusta porque soy fan total del disco, pero ni los arreglos parecían los mejores hace treinta años, ni por supuesto lo parecen ahora; el estribillo duele en el alma, pero rescato el solo de Sambora.

Afortunadamente, se arregla el entuerto con el primer tema del disco compuesto por Jon Bon Jovi y Richard Sambora, "King Of The Mountain". El estribillo se sale por la patilla, rockero y contundente; como la música, que como dicen los clásicos "No hace prisioneros".

La baladita AOR "Silent Night", que empieza con un teclado cutrecillo de David Bryan, aprueba gracias a un inmenso Jon Bon Jovi, que la convierte merced a su enfasis y entrega en un temazo, al menos para un servidor. Fue el último single lanzado del álbum, elegido para las navidades del 85, no ha llovido y tronado desde entonces...

La cara b, o dos, comienza de la mejor manera posible; "Tokyo Road". De nuevo la unión del cantante de jersey y del guitarrista también de la misma ciudad, funciona con precisión en un Hard Rock de ritmos concisos y estribillo cuasi primoroso; otro me temo, gran ignorado.

"Hardest Part Is The Night" tiene el mismo mal que "Only Love", y es que está compuesta a medias con David Bryan al igual que aquella. Esta si que es un truñaco difícil de defender, mejor pasamos a la tercera canción firmada por el cantante y el guitarrista "Always Run To You", Hard Rock Aoreo estándar total, y de la que seguramente Jon Bon guarda un grato recuerdo.

Otro tema que tiene toda la pinta de ser amado por Jovi es "To The Fire"; joder, un puto temazo más hortera que la vida, con ese estribillo "I Don´t Wanna Fall" "To The Fire"!! Memorable ¡Amo esa canción!

7800º Fahrenheit cierra con "Secrets Dreams", el perfecto colofón de un disco al que termina de dar color una portada y una contraportada ochenteramente memorables.

El Hijo de Ron Keel




jueves, 10 de noviembre de 2016

ALICE COOPER: "KILLER" 1971

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Conozco a un montón de seres metálicos por una parte y acérrimos del Hair por la otra que no soportan el antiguo material de Alice Cooper con su grupo, si, el de los setenta, ese que nos dejó varias obras maestras del rock and roll.

Unos se quedan con "Constrictor" y "Raise Your Fist & Yell", y los otros con "Trash" y "Poison"; perfecto, pero no entiendo esa fobia a un artefacto vital para el devenir de ambos estilos en la década de los ochenta.

"Killer" fue el primer disco de la banda que sin llegar a venderse como rosquillas, si que funcionó de puta madre, consiguiendo disco de oro y de platino posteriormente; y eso sin un jodido single que llevarse a la boca. En dos años, la "Alice Cooper Band", pasó casi de mendigar, a establecerse dentro del "Establishment Rockero".

Con los dividendos que fue dejando el álbum, la banda incrementó el atrezzo terrorífico para los conciertos que pasó de la boa que luce la cubierta de "Killer", propiedad de Neal Smith, a la horca con la que se ajusticiaba a Vincent Furnier "Alice Cooper" al final de la canción que titula el disco.

La primera cosa importante que uno nota al escuchar este trabajo, es el pedazo de sonido que tiene. Bob Ezrin que había co-producido "Love It To Death", se encargará en solitario de unas canciones que gracias a su habilidad y a sus consejos se convertirá en un auténtico clásico dentro de la discografía de la banda.

Temas que ganan gracias al aporte de una orquestación; o de unos vientos que en un principio los miembros del grupo no estaban por la labor de introducir, y que al final hacen brillar todavía más a temas como "Under My Wheels" o "Desperado", por citar tan sólo un par de ellos.

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Precisamente, estos dos, que abren y cierran el primer acto de un disco cuasi conceptual basado en un asesino en serie, son de mis piezas favoritas del combo, y eso que han pasado 45 años, y Alice ha grabado un montón de clásicos populares para el Rock, Rock duro e incluso Heavy Metal.

"Under My Wheel", con esa entrada "Stoniana" y garajera, totalmente vacilona, con un riff estupendo y adictivo de Rick Derringer, que encima clava un estupendo solo, y ese saxofón terco como una mula, el estribillo inquebrantable y pegajoso...

..."Desperado", misteriosa y vodevilesca, como tantas otras de Cooper; con ese final apoteósico y su "I´m a killer, I´m a clown, I´m a Priest, that´s gone to town"...memorable!

Entre ellas dos maravillas más, "Be My Lover" y "Hale Of Flies". La primera es un tema rupturista de la temática Psico-killer del álbum. Es un rock and roll soberbio que recuerda en su riff al "Sweet Jane" de la Velvet de Lour Reed, aunque los miembros del combo de Alice y el mismo Alice juran y per juran que nunca habían pensado en la Velvet de la cual no se declaraba fan ninguno de ellos.

"Hale Of Flies" es una "Ballad Of Dwight Fry" mejorada; un puto temazo repleto de arreglos psicodélicos, dementes cambios de ritmo y una letra desasosegante. Fue compuesta inspirada en "21 Schizoid Man" de los King Crimson, Cooper quedó literalmente alucinado con el tema de Fripp y aún más con la puesta en escena que los británicos hacían de ella.

La otra cara de la galleta comienza con el enloquecido "You Drive Me Nervous", un tema que junto al siguiente "Yeah ,Yeah, Yeah" son de los menores y menos exigentes dentro de la discografía del de Detroit y su banda; y quizás también un pequeño bajón después de lo servido en el brutal primer acto.

"Dead Babies" recobra el vodevil, la locura y el terror en una espiral sonora en la que juegan riffs rockeros con arreglos entre las bandas sonoras a lo James Bond, y tratamientos barrocos pop con reminiscencias de los Kinks británicos.

Y finalmente el salto al vacio que supone "Killer" tema, en el que el culpable de todas la barbaries cometidas en cada canción es ajusticiado, en un tema sórdido y opresivo, de fondo prog-rockero y que conecta con el anterior "Love It To Death"; un final de postín para un disco cuatro sobre cinco estrellas.

El Hijo de Ron Keel


jueves, 3 de noviembre de 2016

DOKKEN: 1999-2012 "ETAPA POST-LYNCH, MADUREZ Y DECLIVE DE DON DOKKEN"

El declive de Don Dokken comienza con "Erase The Slate", una decadencia que parece no tener fin por lo poco que se cuida el ínclito músico americano, que por otra parte ha seguido componiendo buena música sin George Lynch, canciones que conforman cinco lanzamientos donde sus cuerdas vocales cada vez más resentidas, van del aprobado en el estupendo "Erase The Slate", hasta el suspenso del entretenido "Broken Bones"; trece años grabando buena música pero martirizando a sus fans en vivo ¿Hasta cuando? Por ahora quedémonos con lo acontecido entre bambalinas.

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1999
Dos años después de George Lynch y "Shadowlife", Don Dokken y sus DOKKEN demuestran que hay vida detrás del genio que grabó los discos clásicos de la banda.

Las seis cuerdas caen en manos del fenómeno Reb Beach, el ex de Winger participará en la composición junto a Mick Brown, Jeff Pilson y Don Dokken del nuevo material. 

Estamos en el 99 y el mundo hace tiempo que no espera nueva música de la banda californiana. Algunas bandas de su época se han ido para ir volviendo una temporada sí y otra no; Dokken siempre han estado ahí, con mejor o peor suerte.

"Erase" será su trabajo peor vendido hasta la fecha pero recupera el 90 % del sonido clásico por el que la banda fue popular en los ochenta. Obviamente el sonido de Beach tiene mucho que ver con ello. El ex de Winger se marca un trabajo tan cojonudo que nunca se echa en falta a Lynch. 

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Con Reb Beach (primero por la izquierda, en la sillita)
El riff inicial del tema título ya deja claro que la banda va a muerte trabajándose el sonido que alumbró a "Turn On The Action" o "Til The Livin´End" quince años atrás. La máquina Pilson/Brown regresa como un "Rocketeer"; ni siquiera Don Dokken la va a cagar, "Change The World", "Maddest Hatter" o "Drown" muestran a un vocalista con una afonía nasal, pero como se pudo ver en la gira del disco, nada que nos llevase a preocuparnos de veras...¡Que pardillos fuimos diantre!

El disco producido en California por la propia banda nos muestra a unos Dokken oscuros en presencia que no en lo esencial que es la música, hay baladas en las que Don se puede permitir algún lujo ("Who Belives") , homenaje a los Beatles con palmas incluidas ("Crazy Mary Goes Round") pero en general el Rock duro metalizado de raíz Pop triunfa gracias estrofas comerciales ("Voices Of The Soul") y estribillos lujosos ("Haunted Lullabye"). 

¿Su mejor disco desde "Back For The Attack"? Para un servidor sin duda, poco me importa la falta de Lynch, ya que sin él la banda seguirá como vamos a ver grabando buenos discos (alguno excelente) con diferentes guitarristas con el añadido del declive vocal de Don. La única pega es que la formación con Reb Beach no nos ofreciese una réplica de este estupendo disco.


Y eso que parecía que había planes...
...O al menos Don sacó a su banda para intentar mejorar en la secuela del criticado directo en suelo nipón de la década ochentera. Eran los días en los que Don no salía a pasearse permanentemente al escenario con el cubata en una mano y el cigarrillo en la otra.

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2000
Noches de "Sold Out" rememorando un pasado glorioso para presentar al nuevo guitarrista con el "Sun Theatre" de Anaheim como testigo.

De su flamante "Erase The Slate", el tema inicial con el que también abrían concierto, disco y dvd ("Live From The Sun" saldría también en ese formato) y "Maddest Hatter". El resto, clásicos populares de la banda entre los que cabe mencionar "Too High To Fly", épico tema compuesto por Don y Lynch que la banda grabaría para "Dysfunctional", álbum labrado en plena vorágine Grunge.

El sonido del directo es bastante cercano al "Bootleg", al menos no parece que la música haya sido retocada en el estudio y da la impresión de que la voz tampoco. La voz de Don está ya elevando "El Canto del Cisne", sin hacer el ridículo actual, todavía potable como queda patente en las nuevas y viejas canciones, de las que hay unas cuantas, "Kiss Of Death", "The Hunter" o "It´s Not Love".

Y por supuesto que Reb Beach es el gran atractivo del directo, la versión dvd mejor, así se puede disfrutar de la pericia de uno de los guitarristas con más pedigree del Hard Heavy mundial, un tío que acaba haciendo suyas canciones que tocadas por Levin siguen pareciendo de Lynch.

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2002
Dos años después Dokken regresan con "Long Way Home", trabajo que tiene como novedades la partida de Reb Beach y la de Jeff Pilson; esta última la más lamentada por los fans, casi a la altura de la partida de Lynch, Pilson no sólo es un buen músico, compositor y cantante, es uno de los tipos más carismáticos del grupo; y su espacio nunca ha sido del todo llenado por su substituto, Barry Sparks.

Junto a Sparks llega un viejo conocido de los fans de Dokken, John Norum; si amigos, el nuevamente guitarrista de Europe regresaba a los brazos de Don, con el que ya había compartido su disco en solitario "Up From The Ashes" en el año 90.

Por lo tanto, el otrora cantante de Los Angeles, volverá a contar con un guitarrista de elevada reputación, con un estilo que difiere al de Lynch o al de Beach, pero que es al igual que ellos un estilista nato del mástil, elegante y muy técnico.

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Sus riffs pueden tornarse oscuros como los que destapa en los últimos Europe, y que en "Long Way Home" pueden virar hacia tendencias más modernas ("Sunless Star" o "You") que las mostradas en "Erase The Slate", aunque no abandona, como debe ser, el "Classic Rock" con el cual se engloba a día de hoy a bandas como Dokken; "Under The Gun" es ese aldabonazo que recuerda a la banda que grabó un día "Tooth And Nail".

"Long Way Home" baja ligeramente la calidad con su antecesor, pero es un trabajo muy disfrutable y ameno que sigo recuperando habitualmente; con un equilibrio perfecto entre canciones duras y medios tiempos cantados más que correctamente por un Don Dokken que empezaría a liarla parda con la gira del álbum; la primera realmente en la que sus fans empezamos a cantar más alto que él sus propias canciones.

¿Canciones destacables? Me quedo con dos temas que pueden pasar perfectamente por Power Pop, "Little Girl" y "Everybody Needs (To Be With Someone)", que lucen y de que manera junto al cover de los Yardbirds "Heart Full Of Soul" o el bonus japo "Dancin (The Irish Song)". Por cierto, Mick Wild Brown seguía aporreando los tambores con la clase y contundencia conocidas y reaparece Michael Wagener como ingeniero sónico.

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2004
Efímera fue la estancia de John Norum en la banda; no problem, Don Dokken se saca de la chistera a Jon Levin, un joven de 38 tacos que ya había grabado con la banda "Dancin (The Irish Song)" para el anterior disco y que en el nuevo trabajo va a demostrar que es un guitarrista de mucho talento.

Ya desde joven Levin demuesta versatilidad como instrumentista, con la trompeta ya de niño, y con la guitarra en la pre adolescencia. Fan acérrimo de George Lynch pero con un sonido pulcro y muy pulido que suena muy personal desde el arranque del disco con "The Last Goodbye", tema de ademanes modernetes pero de estribillo Dokken Classic Style.

Y es que pese a la supuesta modernidad de muchas de las canciones, "Hell To Pay" sobre todo en la primera parte del disco rebosa de calidad y buenas ideas.

Junto al puramente Dokken 80´s de "Don´t Bring Me Down", el Dokken de la nueva centuria derrocha talento en "Prozac Nation" o en "Haunted"; en las cuales Don todavía mantiene el nivel dentro del estudio, otra canción será la gira del disco, donde nuevamente su voz volverá a arrastrarse delante del público.

El nivel del álbum va decreciendo con los minutos, demasiados medios tiempos alguno bastante insípido restan nivel y punch a un trabajo que había empezado de manera fulgurante. La buena noticia de "Hell To Pay" es el descubrimiento de Levin, un diamante que se pulirá y de que manera en el siguiente trabajo.

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2008
Cuatro años se necesitaron para que "Lightning Strikes Again" saltase a la palestra. El título es una clara declaración de principios y la portada lo mismo. En sus canciones vamos a darnos de bruces con dos realidades, Levin es un fichaje cojonudo, Don Dokken está para sopas, papillas y poco más.

Trece canciones son suficientes para darse cuenta (uno ya se da por enterado con la segunda) de que Don está casi finiquitado como vocalista, se ha acabado, un tío medio ronco y afónico cantando en el estudio de grabación me parece intolerable.

Aún con esas aguantamos el tirón porque casi todas las canciones son tan buenas que podemos tolerar que Dokken se las vea y se las desee para llegar a las notas de "Give Me A Reason"; le acaba salvando que muchas de las canciones están grabadas en tonos más bajos y que en los medios tiempos, de más calidad, todo hay que decirlo, que en "Hell To Pay", da el pego.

La sección rítmica formada nuevamente por Barry Sparks y Mick Brown no se arruga a la afrenta de riffs de un gran Levin, que sí bien emula a Lynch en algunos cortes como la inicial "Standing On The Outside" (con un claro hedor a "Back For The Attack"), "Judgment Day" o la final "Sunset Superstar" (Un cañonazo que rememora los tiempos del "Under Look & Kay") vuelve a revelarse como el protagonista destacado de  unos temas que llevan su sello en cada acorde.

Al final de las trece canciones, se da la paradoja de que el disco nos parece realmente bueno pese al resquemor del "Caso Don Dokken", aquel tipo que en los ochenta llegó a ser una de las voces principales del "Hear N Aid" y que veinte años después no ha sido capaz de cuidar su voz primeramente, ni retirarse a tiempo; dándose nuevamente la paradoja de que pese a todos los pesares algunos seguimos comprando fielmente su música ¿Por qué coño va a retirase pues?

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2012
El comienzo de "Broken Bones "Empire" es fulgurante, canción rápida marca de la casa de estribillo práctico y de manual. El tema título sigue apostando sobre seguro, nada de ruletas rusas, ni rojos-negros, pares o impares.

Los riffs de Levin siguen siendo muy dinámicos y los solos como el de "Broken Bones" siguen un patrón blues alejado de los punteos más Hard Rockeros o metálicos de por ejemplo, "Best Of Me", un medio tiempo "Old School" que gustará a cualquier fan de Dokken.

En "Hell To Pay" Dokken habían apostado por una serie de temas épicos con reminiscencias del "Modern Rock", lo épico vuelve pero con trazas clasicistas, "Blind", "The Victim Of The Crime" o "Burning Tears"; las dos últimas envueltas en un halo misterioso con los riffs de Levin y la voz de Don mediante.

Y hablando de la voz de Don...
...Pues nada que no faltase a la cita en los dos anteriores discos, aunque en honor a la verdad mejora sustancialmente ya que "Broken Bones" es un disco generoso en medios tiempos en los cuales Don Dokken disimula bastante bien; medios tiempos como "Today", cover del clásico de Jefferson Airplane, que la banda esculpe con pulcritud. En esta ocasión los temas reposados de "Broken Bones" le ganan claramente la partida a los de "Hell To Pay".

Quizás emocionados por las primeras escuchas de "Lightning Strikes Again" y su inmediatez se tendió a ningunear a "Broken Bones". Cuatro años después, el álbum es completamente reivindicable y aprovechable, ya que contiene todos los elementos que los fans de Dokken apreciamos, a saber, buenas melodías rockeras, estribillos remarcables, guitarras potentes no exentas de pericia y una base rítmica contundente (El bajo ahora es cosa de Steve Mc Nabb).

Pedir que Don Dokken cante bien a estas alturas del cuento es precisamente como pedirle peras al olmo. Parece ser que la banda actual después de el esperpento perpetrado por la formación original recientemente, volverá con un nuevo disco para el 2017. Me la juego al siete rojo impar a que es un buen disco.

George Armstrong Custer


Formación de DOKKEN con Jon Levin


Otras entradas de DOKKEN:

http://blogdecaido.blogspot.com.es/2014/03/dokken-reediciones-tres-clasicos-del.html
http://blogdecaido.blogspot.com.es/2012/12/mirada-retrospectiva-dokken-back-for.html










jueves, 27 de octubre de 2016

BLACK SABBATH: "THE ETERNAL IDOL" 1987

Que BLACK SABBATH estaban más perdidos que "El Holandés Errante" a mediados de los ochenta lo tenían claro hasta en Birmania.

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Un Iommi completamente desnortado desde la huida de Ronnie Dio, lo intenta con Ian Gillan primero y con Glenn Hughes después, pero nada; Black Sabbath hacen aguas y parece que los padres del Heavy Metal van a entrar en colapso.

Y eso que "Born Again" y "Seventh Star" son dos discos cojonudos, pero este último ya no debió de salir con las palabras Black Sabbath encima del bigotazo de Iommi. Desafortunadamente para él, su banda seguiría cuesta abajo unos cuantos años más.

"The Eternal Idol", no se salvará del ostracismo, las pocas ventas y de las afiladas plumas, que en algunos casos no dudarán en hurgar en la herida pese a que las nueve canciones son bastante majas.

A Iommi le gafaron cuando iban a grabar en la isla caribeña de montserrat. Algún ser demente le envió un paquetito con una mierda (excremento) dentro y una nota para que se la comiese (la mierda) ; buen comienzo sí...

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De entrada el que no se comió ningún marronazo fue Ray Gillen. El elegido como vocalista para las nuevas canciones del álbum  "Tomó las de Villa Diego" después de grabar las demos. Parece ser que acabó hasta las narices del bueno de Tony y se las piró al continente para formar los imprescindibles Badlands; estupenda elección.

Así que el bigotudo de Aston se ve obligado a pescar a Tony Martin, que sin ser Gillen hace un trabajo muy bueno. Mola esa voz entre Don Dokken y Coverdale, que en ocasiones alcanza matices que recuerdan a Dio y que casan a la perfección con los tempos del álbum y de los riffs del padre del invento.

Como ya sabréis, de Black Sabbath aparte de Tony sólo queda el nombre. Esperando la llegada de Martin imagino que en una cala con una caipiriña en mano estaban los bajistas Bob Daisley y Dave Spitz, el batería Eric Singer y el teclista Geoff Nicholls, este último uno de los asalariados a tiempo completo durante la década de los ochenta.

El disco suena 80´s total, y de verdad que algunos temas están casi a la altura de la leyenda; con esto quiero decir que al escuchar "Lost Forever" experimentas sensaciones que habías sentido con parte del material que la banda había grabado con Dio.

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 Esas canciones cuasi míticas, con los riffs marca de la casa, eran perfectas para el año 87, año en el que los Sabbath eran vistos como un producto caduco entre los emergentes y triunfantes Guns N Roses o los remozados y americanizados Whitesnake; poco o nada podía rascar un grupo visto como un dinosaurio esperando su "Armagedon".

Si el disco como lo conocemos es bueno, cantado por Ray Gillen es todavía mejor. Desde hace seis años se puede disfrutar de un remozado "The Eternal Idol" que contiene un segundo disco con ocho de los nueve temas que salieron en la edición original cantada por Martin, sólo "Scarlet Pimpernel" falta a la clase magistral impartida por un Gillen desatado y que me parece el sucesor perfecto para Dio.

Su chorro mejora los notables cantos de Martin en una estratosférica "Lost Forever" o en la semi terrorífica canción que titula el álbum. 

Lo que hubiese pasado con los Sabbath en una hipotética gira con Gillen, el disco cantado por él o incluso más incursiones suyas en el seno de la banda queda obviamente en terreno especulativo. En cambio, disfrutar de su voz en estas sesiones y del disco cantado por Tony Martin sí es una realidad palpable que un buen aficionado al Rock duro clásico y al Heavy Metal no debe dejar escapar. 

El Hijo de Ron Keel



miércoles, 19 de octubre de 2016

TAPIMAN "TAPIMAN" 1972: TROGLODITAS DEL ROCK DURO VOL 15

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Después de varios meses en el dique seco, "Trogloditas" vuelve con un disco emblemático para el Rock catalán y por extensión para el Rock patrio de la década de los setenta; el debut de TAPIMAN.

Vendido por muchos como banda progresiva por su parentesco con los Máquina!, Tapiman eran un trío de Rock Duro al estilo Jimmy Hendrix Experience o Little Free, que en el 72 dejaron un potente artefacto repleto de furia y pericia, con una portada realmente Heavy y con una buena producción para lo que solía registrase en esa época.

Josep Maria Vilaseca (Tapi)  junto a otros dos jóvenes rockeros de la escena barcelonesa, el guitarrista Joaquim "Max" Sunyer y el bajista Pepe Fernandez son los encargados de dar forma a su amor incondicional por el Blues Rock de Los Bluesbreakers de John Mayall y el posterior de Clapton, Bruce y Baker en Cream, con un resultado corpuscular típico del periodo 69-72 dentro del Rock duro.

Música valiente cantada en inglés capaz de recrear ambientes cercanos a lo que Cream mostraban en sus mejores discos, con un Max ofreciendo versatilidad a la batería, fusionando Free Jazz con la contundencia de los mejores "baquetistas" de Rock del momento.

 Guitarras furibundas de Blues duro convertido en Rock ácido, escalas hambrientas de Proto-Heavy Metal y malabares a las cuatro cuerdas, conviven de lleno chocando e implosionando no más de cuarenta minutos de música tan urgente que se quedó olvidada como tantos otros trabajos de su mismo tiempo, demasiado "complicados" para ser asimilados por las carpetovetónicas discográficas del momento, más ocupadas en los folclóricos del Tardo Franquismo que de la nueva hornada de melenudos patria. 

El disco se nutre de material rumiado por la banda durante los años 71 y 72, siendo publicado en Mayo de ese último año por el sello "Edigsa", con la misma impactante portada de la calavera rosa que nuevamente el sello ilerdense "Guerssen" rescataría para su reedición del 2003.

Pese a las críticas notables que recibió este excelente disco, Tapiman se quedarían huérfanos de nuevo material durante varios años, parece ser que trabajos mejor remunerados que el de músicos de Rock fueron los culpables de que no hubiese una continuación para canciones del calibre de "Wrong World" o "No Control"; una auténtica pena.

General Custer "Rides Again!"

TAPIMAN:

Tapi: Batería y voces
Max: Guitarra y voces
Pepe: Bajo y voces

Temas:
1 "Wrong World", 2 "Gosseberry Park", 3 "Don´t Ask Why", 4 "Practice", 5 "Paris", 6 "No Change", 7 "Moonbean", 8 "No Control", 9 "Jenny", 10 "Driving Shadow (Pepe´s Song)".


lunes, 10 de octubre de 2016

WINGER "Winger" + "In The Heart Of The Young" 88-90 LA MEJOR MIEL DE LA COLMENA HAIR!!

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1988
Estuve dándoles la murga en las fechas estivales al General y al Hijo de Ron Keel para que sacasen una mísera reseña del debut o del segundo disco de WINGER "In The Land Of The Heart" y al final he logrado mi objetivo a medias, eso si, han estado a un trís de mandarme a paseo, de facto esta puede ser mi última colaboración con el blog así que "carpe diem".

Sinceramente no comprendo la tirria que se le tiene a esta banda, o mejor dicho, se le tenía antes de que volviese la década pasada. Hay una serie de petulantes y cascarrabias que se habrán escuchado como mucho "Seventeen" y han dedicado media vida a poner por los suelo a esta fenomenal formación.

Y no crean que WINGER han sido los únicos, que va, Warrant, Firehouse, Danger Danger o House Of Lords son nombres que producen falsas urticarias a tipos que luego escuchan un pepinazo como "Poison Angel" y caen rendidos preguntando por los chorbos en cuestión, quedando retrataditos cuando les dices que son los WINGER. En fin, que el populacho rockero y jebi patrio siempre ha sido así y no hay mucho más que rascar.

Los que somos medianamente normales, racionales y sin complejos estupidos nunca hemos tenido prejuicios ni con los primeros discos de la banda de Kip Winger ni con los últimos, faltaría más, todos y cada uno de ellos son trabajos de notable alto, con buenas producciones y con unas guitarras fabulosas. No me cabe duda de que estas reseñas cambiarán opiniones, porque el gusanillo acabará picando, la curiosidad mató al gato y al final disfrutar de los dos primeros discos de Winger será cosa de coser y cantar; al tiempo...

Y eso que dirán que en el 88 la escena de Hair Bands estaba estancada, otra falsedad, un falso mito creado por una mente "poco" guay de esas que se creen a píes juntillas que el disco de los Guns era el acabose; pues mire usted más allá de su nariz, hete aquí un disco del 88 que pateaba culos, tenía pompa y en USA se convirtió en un clásico "Hair"; ya se que molesta ese apelativo, a mi ni gota, "Hair" sí, y a mucha honra.

"Madaleine" es el tema que la aguja del tocata desgastaba por primera vez. Lo primero que llama la atención es la voz sensual de Kip, unos segundos nada más, luego caes preso de la guitarra de Reb Beach y cuando "Hungry" ya esté mediada te darás cuenta de lo buena que es la producción de Beau Hill (Ratt) y de que sí, que los Winger no son buenos, son cojonudos. Y eso con sólo los dos primeros temas degustados.

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WINGER, GUAPOS Y BUENOS ¿QUIEN DA MÁS?
"Seventeen" tiene madera de hit single y funciona bien en la radio. En la MTV lo hace incluso mejor ya que la banda exhibe su poderío y su imagen, donde claramente un tío guapo como Kip destaca por encima del resto ¿Pasa algo por decir que el tío está bueno? 

Pero no todo está basado en los encantos sensuales del lider de la formación, faltaría más. Rod Morgenstein ha demostrado dentro y fuera de Winger ser un batería muy competente ¿De que otras bandas me suena? Veamos...The Jelly Jam o Platypus, dos de los magníficos proyectos del culo inquieto de Ty Tabor (King´s X) han contado con las baquetas de este muchacho.

¿Y que decir de Reb Beach? Pues que casi hay que ponerse de rodillas cada vez que has escuchado los riffs de este fenómeno. Dokken, Whitesnake son sólo alguno de los ilustres que han tenido la suerte de tenerlo como asalariado aparte de Kip Winger, y su trabajo aquí es inmenso.

La versión del "Purple Haze" de Hendrix claro que mola, pero es en las compuestas a medias junto a Kip "Time To Surrender" , "State Of Emergency", la bestial "Poison Angel" o la demoledora "Hangin On" donde los riffs de Beach causan sensación amigos míos.

..."Without The Night" si que es puro caramelo almibarado hair ochentero. La balada del disco, con unos chulos y pomposos teclados cortesía de Paul Taylor, un solo guapo de Beach y la sensual voz de Kip.

Este debut vendió un millón de copias, una cifra redonda que los tipos de "Atlantic" recibieron encantados y que les puso en bandeja una segunda oportunidad nuevamente con Beu Hill como productor titulada "In The Heart Of The Young".




Y ese nuevo trabajo llegaría a las tiendas en el 90 y supuso un nuevo espaldarazo para Kip y sus compinches. Bien mirado la banda optó por tirar por el camino del medio y pasar de repetir la fórmula exacta del debut o un cambio muy radical que les hiciese perder el norte ante su creciente armada, que cada vez se veía más nutrida de chicas que adornaban sus habitaciones con la cara de Kip o las de toda la banda.

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Tampoco es que el camino a recorrer fuese demasiado espinoso, la discográfica confiaba plenamente en sus muchachos y en Beu Hill, así que casi fue cosa de coser y cantar.

Cantar precisamente era lo que Kip seguía haciendo fantasticamente en unos cortes que comenzaban con el Rock pomposo de "Can´t Get Enouff" y "Loosen Up", para seguir con la balada de turno y éxito al canto "Miles Away".

El hipnótico "Easy Come Easy Go" nos hacía bailar si es que alguna vez el Rock Hair ha podido hacer tal cosa y la banda se ponía mística con la épica "Rainbow In The Rose", trazando un sonido boomerang que volvería en discos posteriores como "IV" o el fenomenal "Better Days Comin´" 

Las baladas regresaban con la bonita "Under One Condition" y el resto del álbum se decantaba nuevamente por un Hard Rock melódico de altos vuelos en los cuales las guitarras de Reb Beach ganaban la partida entre melodías y arreglos de lo más variado.

Después de hacerse un hueco en la escena rockera de los 90, los vientos de Seattle cambiaron los acordes del Rock y los sonidos de los riffs; algo que tardó en asimilar una banda que quizás veía con recelo a la horda Grunge que desolaba a las bandas de su mismo palo. Pese a todo sacaban el estupendo "Pull" en el 93, un islote en medio de un desierto rockero que engulliría  a la banda por más de una década.

Fourmyles de Ceres 








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Hasta el gorro de ser los más guapos (Winger a finales de los 80)