lunes, 31 de diciembre de 2012

DOKKEN: "Back For The Attack" 1987

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En estas fechas se cumple el 25 aniversario del lanzamiento del cuarto (Quinto si contamos el mini Lp del 79) trabajo en estudio de Dokken.

No se quien tiene los derechos de este disco, pero echo de menos una reedición remasterizada conmemorativa que sería ya la bomba con otro cd de alguno de sus conciertos de aquella gira.

25 años son muchos, pero aunque ya ha pasado un cuarto de siglo sigo recordando los nervios de los que fui presa al abrir la casete de "Back For The Attack", y del vello erizándose con los primeros riffs del "Kiss Of Death".

Dokken venían ya de grabar dos discos imponentes. "Tooth & Nail" y "Under Lock & Key" ya habían dejado unos cuantos clásicos. "Into The Fire", "Turn On The Action", "It's Not Love", "Unchain The Night" son solo algunos...

...Ahora se les unía "Kiss Of Death" con un huracanado comienzo con el comentado riff de George Lynch, y una fuerza brutal rítmica de Jeff Pilson y Mick "Salvaje" Brown. Luego se les unía Don Dokken con esa fuerza en voz melódica tan particular y cautivadora; indomable y domada al mismo tiempo.

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Eran obviamente los mejores momentos de un vocalista que llegó a ser uno de los solistas del "Hear & Aid" y la canción "Stars" (Tema del mundillo Heavy para recaudar dinero para el tercer mundo según una idea de Ronnie James Dio) junto a bestias de la talla de Dio, Rob Halford, Dave Meniketti o Geoff Tate.

Volviendo al disco...No solo "Kiss Of Death" era un gigante luminoso dentro del álbum; había bastante más...
...Canciones como "The Prisioner", "Standing In The Shadows" o "Cry Of The Gipsy" eran otros satélites brillantes que seguían describiendo la órbita perfectamente alrededor del planeta "Back For The Attack".

Todas estas canciones nos cautivaron. Los adolescentes que ya conocíamos a Dokken les amamos definitivamente. Aquella voz, aquellos coros cotundentes y redundantes, también trabajados y cantados...Música comercial y pegadiza, pero naturalmente Hard rockera y por momentos metálica.


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Los solos y riffs de "Mr. Scary" nos hacían soñar despiertos mientras el "Air-Guitar" nos poseía una y otra vez...¡Que tiempos! La primera vez que escuchas el riff inicial de "Heaven Sent", buff! ¡Grandes Dokken!

Así y todo, Dokken en aquella época no eran muy populares en España, y si no lo fueron en su época dorada ya no lo serían nunca. Los que amamos cada uno de aquellos primeros discos, hemos seguido cada nuevo trabajo de la banda y casi siempre nos han dejado una sonrisa pintada en la cara. Pese al declive de Don Dokken o de que el guitarrista fuese Levin, Norum o Beach.

Los Heavys españoles preferían la contundencia de WASP que los himnos hard rockeros descomunales  
que en USA o Japón arrasaban entre las huestes metálicas. La maravillosa "Burning Like A Flame", o la peliculera "Dream Warriors".

Estas y otras ("Night By Night", "So Meny Tears", "Sleepless Nights"...) forman parte de una hora de música irrestiblemente ochentera y que cumple 25 tacos ¡Felicidades Back For The Attack!!!!!

El Hijo de Ron Keel




lunes, 24 de diciembre de 2012

NOVEDADES- QUEEN BITCH "Come Hell Or High Water"


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Arbo, Jonte, Kiki y Fenoy son los cuatro nombres que capitanean el primer trabajo grande hasta la fecha (Que sepamos) de los "Queen Bitch".

Sus nombres no nos dicen gran cosa, y el de la banda pues muy poco, aunque un servidor ha podido disfrutar de un clip y de un directo (Taberna de Hank, Luanco) que no es mala tarjeta de presentación, aunque con "Come Hell Or High Water", la cosa se convierte en un apretón de manos en toda regla.

El sonido de esta chavalada ponedlo en una diana como si de un dardo atravesando el estado de Georgia se tratase, o de Texas mismamente.

Hay momentos que pueden recordarte a bandas de pedigree tipo "The Outlaws" o "ZZ Top" : "Black Ship Sailing" o "Me & The Devil".
"The Red Van" rezuma Lynyrd Skynyrd bien depurado y destilado al estilo más "On The Rocks" via "Jacksonville city"; casi nada, y sin darse importancia...

...Riff and Roll por aquí, chispazos y balas sureñas por allá...y un buen hueso que roer llamado "Red Wine Nights".

Rock and Roll y Southern Rock alocado y bailón si tercia con el piano acompañando y emotivas baladas, que como en "Casa Güelo" tiene que haber de todo...("Saturn Rings", "Louide Dice").
Más frenesí roquero , aunque con la elegancia por bandera en "Let me Go" y más sensibilidad sureña en "Makin' Love Vains".

Si a eso le añadimos un mucho de los mejores "Georgia Satellites" ¿A que nos está quedando un disco bastante guapo? De eso va "Wild Hearts" muchachitos...¿Y ese final con "Forever Is Not Me"? Una balada de rompe y rasga que hará las delicias del personal gracias a las voces de Helena Gil Peña.

Y es que lo mejor es que estos "Sureños" llamados "Queen Bitch" no son de Georgia, ni de Alabama; son del norte. Pero no del norte de América, y del recóndito estado de Alberta ¡Que va! Son asturianos bravos como ellos solos. Y se las gastan de miedo con este estupendo debut. Esperamos que siga la racha!

Caído en Little Big Horn

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martes, 18 de diciembre de 2012

NOVEDADES-LYNYRD SKYNYRD-"Last Of Dyin'Breed"

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Rickey Medlocke ha dicho que cuando se jubile vendrá a vivir a este país. Barcelona, Sevilla, son algunos de los lugares que han enamorado al medio indio americano nacido en Jacksonville (Florida) un 17 de Febrero de 1950. 

Pero hasta que ese día llegue el que fuera gran jefe de los Blackfoot, nos anuncia batallas y combates a muerte encima del escenario como si de "Gettysburg" se tratase. 

Medlocke y Gary Rossington son los únicos supervivientes de esta panda de golfos sureños, Lynyrd Skynyrd, si, los del jodido "Sweet Home Alabama", los autores de varias obras maestras en los dorados 70's. "Nuthin'Fancy", "Street Survivors" o "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" ¿Os suenan verdad?

Y es que Medlocke antes de liderar los "Pies Negros" ya había sido parte de la banda más famosa a orillas del "St. Johns"tocando la batería. Luego acertaría de pleno cambiando las baquetas por la púa. 

Rossington y Medlocke, como buenos supervivientes de la leyenda sureña, siguen echando madera y carbón del bueno a la vieja locomotora sureña para que no se detenga ni descarrile, pese a que su nueva obra, "Last Of A Dying Breed" contiene un buen número de canciones para que eso ocurra, o como para que tipos como los del clan "Hatfields & McCoys" se levanten de sus tumbas a danzar al son de esta obra.

Ronnie, Collins, y el resto de la panda deben de estar orgullosos ahí arriba, escuchando temas tan redondos e indomables como "Last Of Dyin'Breed", "Good Teacher" o el medio tiempo cinco estrellas "Ready To Fly".

Los Skynyrd siguen contando con "Fogoneros" de lujo (Mark Matejka, excelente guitarrista, o Peter Keys, substituto del insustituible Billy Powells) que llevan varios años en la banda...Uno de los últimos maquinistas fichados ha sido el bajista Johnny Colt ¿Os suena su nombre verdad? Este tío estuvo en los Black Crowes amigos, con eso está todo dicho.

"Last Of Dyin'Breed" lo componen quince vagones (contando tres bonus tracks) del mejor rock, sureño o no, que se puede escuchar hoy en día.
Han dejado la política a un lado y han ido aún más al grano; con canciones mucho más directas que en su anterior álbum. 

Si hay un andén cerca, súbete al vagón de los Synyrd y disfruta del alocado o tranquilo viaje del ferrocarril clásico por excelencia del sur norteamericano, el de los Lynyrd Skynyrd.

Caído en Little Big Horn




martes, 11 de diciembre de 2012

TYGERS OF PAN TANG: "Spellbound/Crazy Nights"

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1982
La NWOBHM.... qué tiempos aquellos. Grupos surgiendo a puñados, cada uno con una velocidad, o contundencia, o comercialidad... había de todo. Iron Maiden, Saxon, Def Leppard… grupos que luego jugaron en Primera División.
Y la Segunda… como en el fútbol, más competida, con grupos más duros, que matarían por una oportunidad de jugar en Primera: Diamond Head, Praying Mantis, Samson, Grand Prix y… Tygers Of Pan Tang.
Desde el 78, y después de una época un poco confusa con Jess Cox a las voces, con el que grabaron el discreto “Wild Cat”, se refuerzan con Jon Deverill a las voces, y un tal John Sykes a la guitarra,, con el que harían grandes, grandes cosas…
En 1981 aparece “Spellbound”, un disco que todo amante de esa horda de grupos británicos debe tener en su estantería, sí o sí. Empezamos con “Gangland”, un tema acelerado, urgente. Ya te vas haciendo una idea de lo que te espera. “Take It”, uno de los, para mí, mejores temas del disco. No tan rápido, pero con una sincronización entre los dos guitarristas, Sykes y Weir, impresionante. Atentos a la alternancia de solos. Y empezamos a descubrir a Deverill como una gran cantante. Por aquella época, me dio por pensar que, si algún día Maiden se hubieran quedado sin Dickinson de cantante, me hubiera encantado que Deverill se hubiera hecho con el puesto.

Después de una breve intro, “Minotaur”, nos golpean con el tema más rápido del disco, el increíble “Hellbound”. Ese solo de Sykes… algunos especularon en su día con la idea de que esos solos no eran sino del mismísimo… Gary Moore !!!, que habría puesto a disposición de estos chicos, adolescentes por aquella época, su experimentada guitarra. ¿Leyenda urbana? No lo creo….
Sigue la balada “Mirror”, un tema a mi parecer bastante flojo, que no me pega en el tono agresivo que el disco había tenido hasta el momento.

De la segunda parte del disco, que baja bastante el listón, destacaría “Silver And Gold”, un tema que, salvando los coros (espantosos) mantiene el tipo en esta parte del disco, que se desinfla bastante respecto de la potencia devastadora de la primera parte.

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1982
Y llegamos al año 1982, un año después de “Spellbound”, con “Crazy Nights” como nueva entrega. Bajamos la velocidad, no la potencia, y ofrecemos un sonido más asequible.
Empezamos con “Do It Good”, donde ya apreciamos que hemos disminuido la urgencia, y nos decantamos por un sonido más FM. Las guitarras alternas de Weir y Sykes siguen con su sello característico. Y seguimos con uno de los temas, quizá, mejores del disco, sino el mejor: “Love Don’t Stay”. Muy similar en estructura al “Take It”, de su anterior trabajo. Atención a los solos.

“Never Satisfied”: el tema más agresivo del disco. Parece un medio tiempo, pero se acelera en el estribillo, y con Deverill cantando de forma bastante amenazadora.
Con “Running Out Of Time” alcanzamos el cénit de este disco. Esta canción debería estar entre los 10 mejores temas de la NWOBHM, por derecho propio. Vuelvo a incidir en los solos de Sykes y Weir.
La segunda parte arranca con otro tema asequible para las emisoras de radio, “Crazy Nights”, pero lo que no me explico es el bajón de estos tíos en las segundas partes de cada trabajo. Quizá por ello no hayan estado nunca en la Primera División. Les ha faltado un “Hallowed By The Name” para completar trabajos que podrían haber sido más redondos de lo que fueron.

En fin, un gran grupo que, para mí, murió cuando a Sykes se le ofreció la oportunidad de acrecentar su leyenda en monstruos como Lizzy o Whitesnake.
Nunca fueron, ni serán, los mismos.
"Ritchie" Moreno

martes, 4 de diciembre de 2012

MY DYNAMITE: "MY DYNAMITE"


Ahora que los Black Crowes se han tomado un nuevo descanso (Ojalá la invernación no sea demasiado larga) y que los Faces ya han consumado casi bodas de oro pero sin Rod Stewart y con el petardo del vocalista de los Simply Red, nos cae encima de la mesa el primer trabajo de los Australianos My Dynamite.
Quinteto de Melbourne que viene a llenar me temo que sin muchas pretensiones y bastante humildad, el hueco dejado por británicos y sus aventajados alumnos norteamericanos.

Si buscáis un disco con sonidos actuales, o simplemente un trabajo que como los de Wolfmother o The Answer suenan añejos, pero con halitosis actual, dejadlo por imposible.

Estos "Aussies" suenan vetustos y setenteros. Stones o Faces te vendrán a la cabeza más que los propios Black Crowes, aunque entre la voz del vocalista de My Dynamite y la de Chris Robinson no haya más que unos pocos matices que les separen. 


Así que Patrick Carmody ejerce su dominio a base de guiños al Soul Rock y al Rhythm & Blues, con una banda que le encubre a base de riffs arrancados del manual escrito por Mick Taylor o del mismísimo Ronnie Wood.

La mejor noticia sin dudas es que tanto producción, ejecución y canciones están a la altura del vocalista Carmody.

Si queréis disfrutar de parte del sonido del "Southern Harmony & Musical Companion" "No Problem" tíos, pinchad el inicial "Take it or Leave it" que se encuentra a medio paso del "Remedy" y el "Sting Me" de los Cuervos Negros.

¿Y que decir de "Inside Out? ¿Un tributo en toda regla al "Amorica"? "If We're Livin'" combina momentos de los primeros Aerosmith, con solos a lo Joe Perry más Black Crowes al cuadrado...Gran tema muchachos!

"Dirty Game" parece compuesta en un andén a medio camino entre el "Sticky Fingers" "Stoniano" y del "A Nod is a Good as a Wink...to a Blind Horse" de los Faces. A "Watch Yourself Way" le ocurre otro tanto de los mismo. 

También hay reminiscencias de otras buenas bandas de Rock and Roll como los Georgia Satellites, ese "Raise your Glasses" colegas...! y hasta de Rock sureño de sus majestades Lynyrd Synyrd, con algunos riffs a los Gary Rossington...Que si, que los chavales no son el colmo de la originalidad, pero ese Rock And Roll que hacen lo manejan cojonudamente bien.

Solo hace falta asomarse a "Singing Stormy Weather" o "Big Attraction" para darse cuenta de que el dúo de guitarristas Jorge Balas/Berny Wolf no se toman su trabajo a coña.

Es del todo cierto que la voz de Carmody es puro Chris Robinson, y que "All That She Brings" se la han podido mangar a los Crowes de su disco debut, o a los Stones del "Its Only Rock And Roll; pero por eso, por eso mismo nos gusta!

Caído en Little Big Horn




miércoles, 28 de noviembre de 2012

BLACK COUNTRY COMMUNION: "Afterglow"

NOVEDADES
Si es verdad que estos tíos se separan, después de aflorar esos “mega-egos” que parece que circulan por allí, yo, me llevaré un gran disgusto.

En el caos en el que parece que está sumido el rock durante no sé cuantas décadas, que un grupo como BCC, se dedique a reinstaurar la ortodoxia, es una bendición de Dios… o de los Santos Zeppelín y Purple. El espíritu “Kashmir” se deja notar en varios de los temas. Y otros podrían tener la voz de Gillan o Coverdale perfectamente.

Había oído rumores sobre este tercer trabajo. No muy prometedores… no olvidemos que esta gente está sacando trabajos a una cadencia de disco por año. Teniendo en cuenta el concepto “dinosaurio” que defienden, eso es más que peligroso.

Pero coño…. prueba superada en todos los casos. Incluído éste.

“Afterglow” tiene sus pros y sus contras, como todo disco clásico que se precie. Los pros: por fín Bonham y Sherinian tienen protagonismo. El primero, dando una exhibición de pegada y técnica. No esperábamos (o sí… hemos esperado mucho tiempo) menos del hijo de Bonzo. Y Sherinian… señores, ese Hammond hace sonreír a Jon Lord ahí arriba. Sobre todo, en monumentos como “The Circle”.

Los contras: Hughes debe cortarse un poco… solo un poquito. Algunos temas pecan de cierto histrionismo… esos agudos. Glenn, ya no te hacen falta. No tienes que demostrar nada. A no ser que quieras quedarte en alguna canción en fuera de juego, como te quedas, de hecho. Y Bonamassa… ¿desaparecido en combate? ¿Qué pasa… por qué no un tema (o dos, o tres) cantado por él? Solos de guitarra escasos, para mi punto de vista. Y comedidos.

Puntos fuertes: “Big Train” promete diversión, al principio. “Confessor”, es un pepino, el perfecto single: fuerza, melodía, y quizás el mejor solo del disco. “Cry Freedom”, la mayor concesión al sonido Bonamassa del disco (hasta se le oye !!!). “The Circle”: majestuosa, un medio tiempo que se convierte poco a poco en una demostración de fuerza 70’s. Y el órgano de Sherinian (el Hammond, malpensados !!!!) surgiendo de la bruma. Y “Common Man”: atentos a la “jam band” en la que se convierte el grupo al final del tema. Warren Haynes y sus chicos seguro que la tienen como favorita del disco.

Mención para Shirley: ha reforzado las rítmicas con el Hammond de Sherinian, lo que da bastante fuerza a los temas, y presencia al teclista.

Espero, por el bien de la música rock actual y, egoístamente, por mi bolsillo (pocas inversiones tan rentables como los discos de estos tíos), que las diferencias habidas se arreglen, y nos vuelvan a obsequiar, año tras año, con trabajos como éste.

Si no eres un genuino polvoriento, para tu desgracia, aléjate de este artefacto.

"Ritchie" Moreno






jueves, 22 de noviembre de 2012

ZZ TOP "La Futura"

NOVEDADES
Nadie conoce tan bien el motor del "Eliminator Coupe" como Billy Gibbons, Dusty Hill o Frank Beard. El primer barbudo solito se las arreglaría para montar y desmontar el motor pieza por pieza una y otra vez. Con Hill y Beard pues ya no digamos...

...Así lo llevan haciendo la tira de años, pero en los últimos álbumes el "Eliminator Coupe" no "Bufaba" como antaño.

Quizás por eso, para una puesta apunto más adecueda y para que todas las piezas del motor cuadrasen y el engranaje fuera perfecto, ZZ Top han contado con un mecánico de los de ajuste fino. Un tipo completo, que sabe de motores y de chapa y pintura, y que ha sido capaz hasta de producirles un último gran álbum a los hermanos Young, (Si, Angus y Malcom, esos dos) el lejano "Ball Breaker".

Rick Rubin es ese hombre, que uniendo fuerzas con Billy Gibbons ha logrado que con "La Futura", los barbas y el bigotudo tejano graben un disco con sonido añejo, si; pero actual al mismo tiempo, de sonido limpio y pulcro, algo que personalmente echaba de menos en las últimas grabaciones de la banda.

El arranque y la primera velocidad de "La Futura" entran de miedo con "Gotsta Get Paid". Tremendo ese "Reprise" con riffs de la casa Gibbons, que nos transporta a una de las mejores paradas que ha hecho el coche de los tejanos, el lejano y genial "Degüello". Los punteos, riffs y la cada vez más aguardientosa voz de Gibbons, con los apoyos en los coros de Hill, hacen que las revoluciones suban y de que manera.

Con la segunda velocidad, la cosa no se estanca, se dispara y entra directamente un salvaje turbo de la mano de dos temas entrelazados, "Chartresure"y "Consumption"; siendo la primera un "Boogie Hard-Rock" de altísima cilindrada en sus riffs y ritmo alocado, y más relajada la segunda, que vuelve a recordar los tiempos del "Degüello", pero con el añadido de esa producción limpia y clara que le ha dado Rick Rubin. Una vez más, las guitarras de Gibbons suenan de escándalo.

La tercera velocidad de "La Futura", como toda buena tercera marcha va lenta pero segura. "Over You" es un macizo Blues Rock, con un halo romántico de la leche. La quemada voz de Gibbons le imprime un carácter especial. Bonita balada.

La cuarta velocidad vuelve a lanzar a toda maquina a los de Houston...A medio camino de Nuevo Mexico y de la patria de la bandera tricolor con su estrella blanca, "Heartche in Blue" y "I Dont Wanna Lose, Lose, You" suenan a motor trucado por auténticos profesionales. "Heartche in Blue" es un Blues Rock con sabor setentero e intercambio vocal entre Gibbons y Hill; y además de unas buenas guitarras, tenemos una armónica que a mi me recuerda aquella gran unión entre los Blues Travellers y los Gov't Mule en el primer disco de estos.

"I dont Wanna Lose, Lose, You" es bastante más rockera, recuperando ZZ Top su faceta dura y peleona; Bourbon y cigarros, si, seguramente que si!

Cuando entra la quinta velocidad, el "Eliminator Coupe" se lanza a tumba abierta con otro par de canciones acojonantes. "Flyin'High" hace 25 años, y con un video clip currado, la pasaría a todas horas la MTV. Se trata de la canción más comercial del disco, con un ritmo vacilón y un estribillo muy pegadizo. Sería lo más parecido a lo grabado por ZZ Top en la época "Eliminator" o "Afterburner", pero prescindiendo de los sintetizadores y de aquel jodido sonido de batería ochentera.

"It's So Easy To Mañana", es un medio tiempo Blues con una acojonante melodía y un buen estribillo. Es como un cambio de rasante que te obliga a cambiar a cuarta, pero vuelve a meter la quinta en los últimos 25 segundos, con un pequeño acelerón de Gibbons en forma de riff, de uno de sus característicos riffs.

De tener seis velocidades, el coche rojo rallado de los ZZ Top despegaría como el "Delorean" de regreso al futuro con los dos últimos tirones de "La Futura".

Tanto "Big Shiny Nine" como "Have a Little Mercy" cumplen con su misión "Hard-Boogie-Rockera" con gasolina de alto octanaje saliendo de las guitarras de Gibbons y la base ritmica de Hill y Beard. Dos temas que dejarán satisfechos a todos aquellos que nos lo seguimos pasando pipa cada vez que volvemos a pinchar "Tush" o "JESUS LEFT TO CHICAGO"

Bien, han sido 39 minutos de viaje y lo único que he echado de menos es que Dusty Hill no cogiese el volante para deleitarnos como lo hacía en los tiempos de "Hi-Fi Mama".

El "Eliminator Coupe" ya está en el garaje, pero tengo la impresión de que seguiré subiéndome en él unas cuantas semanas más...seguramente que tú harás lo mismo!

Caído en Little Big Horn




jueves, 15 de noviembre de 2012

T&N: "Slave to the Empire"


NOVEDADES
La de Dokken es una de tantas historias rockeras de egos y personalidades enfrentadas que suelen darse entre cantantes y guitarristas y que, también en este caso, acabaron con uno de los grandes grupos de los ochenta por las luchas entre Don Dokken y George Lynch. 

Tras su separación y posterior vuelta las cosas no cambiaron y, una vez fracasado un nuevo intento en los últimos años, ahora tenemos a tres cuartos de la formación clásica (vamos, el grupo completo sin Don) en un nuevo proyecto originalmente llamado Tooth & Nail que por problemas legales han tenido que cambiar a T&N.

 Cuentan Lynch y Pilson que esta nueva colaboración (recordemos que ya grabaron un buen pero poco valorado disco, “Wicked underground”) nació tras estar trabajando ambos en ideas para un disco de Lynch Mob, pero que el resultado no se adaptaba al sonido del grupo y así nació Tooth & Nail.

 Brian Tichy (que también toca en Mob) sugirió la idea de llamar al hasta hace poco batería de Dokken, Mick Brown, y añadir unos cuantos clásicos regrabados, una idea que no hubiera estado mal si hubiera tenido otro enfoque (el de añadirlos como un cd adicional a modo de bonus). 


En cuanto a lo que es estrictamente el material nuevo, el equilibrio entre las raíces clásicas y el toque actual está perfectamente conseguido. El disco se abre con el tema que le da nombre, “Slave to the empire”, una canción que no hubiera desentonado en un hipotético disco de los Dokken clásicos reunidos, un buen riff de Lynch, una base rítmica potente y unas buenas melodías.

 Después se abre paso un tema de aire más actual, “Sweet unknown”, con un gran trabajo de guitarra a lo largo de toda la canción y un Pilson que pese a no ser un vocalista con todas las de la ley cumple con su trabajo. Otro tema de sabor más clásico es el medio tiempo “Rhythm of the soul”, un tema que termina siendo contagioso en cuanto a su riff principal le acompaña el estribillo.


 Y sin duda uno de los mejores momentos del disco es el oscuro y por momentos progresivo “When eagles die”, que se abre con unas acústicas que agregan una chispa de misticismo y que siguen arropando casi todo su desarrollo, asimismo Lynch ofrece todo lo mejor de su catálogo con un riff agresivo al principio, partes más melódicas y la guinda con un buen solo. La tónica general de los otros tres temas nuevos sigue por la misma senda y en conjunto ofrecen un trabajo bastante homogéneo y disfrutable que deja con ganas de más, pero para ello habrá que esperar a un segundo volumen que parece que está en camino junto con otra tanda de regrabaciones. 

Y volviendo al tema de los clásicos, aunque en general se adapta el sonido a los tiempos actuales sin perder la esencia que los hizo grandes, no aportan grandes novedades, destacando “Alone again” que recibe un buen tratamiento por Sebastian Bach, y el siempre genial “Tooth and nail” al que Doug Pinnick da un toque diferente. El que sale peor parado en el apartado vocal es “Kiss of death” ya que la voz de Ripper Owens no sirve para un tema de estas características aunque se haya buscado un enfoque más agresivo.

En definitiva, un buen disco que sabe actualizar lo que en sus buenos y grandes tiempos ofrecieron Lynch, Pilson y Brown y que hubiera sido todavía más redondo si se hubieran añadido más temas nuevos y dejado la regrabaciones como regalo para una edición limitada.

Albytor




miércoles, 7 de noviembre de 2012

NEIL YOUNG & THE CRAZY HORSE "Psychedelic Pill"

NOVEDADES

67 tacos recién cumplidos y el tío no descansa. Hace tan solo unos meses nos deslumbraba con un majestuoso disco de versiones clásicas arrancadas del suelo, de las mismas raíces del pueblo americano para sembrarlas a su manera, como siempre ha hecho desde mediados de los 60 y sorprendiendo a propios y extraños. Ahora, nuevamente Neil Young nos regala un pasaporte a su mejor rock con su banda al completo.

Cuando me enteré de que el canadiense publicaría otro disco pero con todos sus cuatreros juntos, ya imaginaba que si Young nos daba un dos por uno en un mismo año era porque algo grande tenía entre manos.

Hace unos días en una tienda de discos (obviamente) escuché por los altavoces lo que por narices tenía que ser un nuevo tema del nuevo disco de Neil Young, y me abalancé literalmente sobre la estantería en la que reposaba el doble cd "Psychedelic Pill".

El tema que sonaba se me ha quedado marcado a fuego como se le yerra a una res. Su estribillo, y una melodía silbada de lo más sibilina, no se irán tan fácilmente de mi cabeza. "Walk Like a Giant" es ese tema, una canción que para mi ya es un clásico de la discografía de Young y uno de los grandes temas de este 2012.

Pero "PS" empieza por otros derroteros más asombrosos, con una canción aún más valiente y con la que solo alguien con la suficiente personalidad de nuestro "Cowboy" canadiense es capaz de sacar adelante sin mostrar una arruga o mueca de duda en su curtido rostro.

"Drifftin' Back" es esa valiente de 28 minutos de duración. Poncho San Pedro y el propio Young dejan arrastrar los arpegios de sus guitarras al compás de los hipnóticos y sosegados ritmos de Bill Galbot y Ralph Molina (Bajo y Batería respectivamente) cabalgando los cuatro juntos por una sensacional "Jam Session" a la que no le falta el carácter que Young imprime a sus mejores letras, estrofas y estribillos. Todo ello con una tranquilidad y una sobriedad que asustaría si no estuviésemos hablando delante de un genio y de una de las mejores bandas de acompañamiento que han existido en la historia del Rock.
Con "Drifftin'Back" pareces estar atrapado en una "Jam" con la banda allá por el 69, contagiado por su aroma, su hedor de autenticidad.


"Psychedelic Pill" sirve para tomarnos un merecido respiro, aunque a medias señores, ya que tomamos contacto con un temazo de puro Rock Crazy Horse, con unos efectos en las guitarras que parecen aviones despegando del aeropuerto más cercano. Quizás alguno prefiera la "Bola extra" del disco, un remix más duro de la canción pero menos sucio y más directo, como si fuese extraído del cajón del "Rockin in the Free World".

El Neil Young de mirada densa regresa con la entrañable y larguísima "Rammada Inn". Un tributo a la amistad de ayer, hoy y siempre...y por qué no decirlo, un tributo a ellos mismos, y al sonido que les hizo grandes hace más de tres décadas.

Justo antes de terminar el primer disco, Neil a lomos de sus "Crazy Horse"· cabalga por las praderas de la tierra que le vio nacer hace 67 años. "Born in Ontario"es una cabalgada tranquila, trotando al son de sus raíces "Countries" que incluye un pequeño guiño irlandés en su final. No es una de las canciones más arrebatadoras del disco, pero uno se deja llevar mesmerizado por su melodía y su estribillo.


En el segundo disco Young va más al grano. Apuesta fuerte con "Twisted Road", rockera y directa; más melodías del mejor Rock americano de toda la vida, con cruces de camino con el mismo demonio de la mano, para vendernos su alma por un puñado de riffs y Rock and Roll...lo vuelve a conseguir, si, otro gran tema.

Más emotiva se pone la cosa con "She's Always Dancing", un tema para disfrutar de sus guitarras o de las voces de Poncho, Billy y Ralph Molina, que le hacen la cobertura perfecta a un Neil Young que vuelve a dar otra lección de Rock cantado con pasión y emoción. Lo que hizo grande en "Harvest" sigue estando presente en su nuevo disco.


"For the Love of Man" es una agradable balada antes de que la tormenta de Neil Young & The Crazy Horse nos coja por sorpresa como a un servidor. Y es que ya he hablado al principio de "Walk Like a Giant". Simplemente Neil Young durante catorce minutos resume con maestría más de cuarenta años de buena música, con un tema que solo ese señor es capaz de componer, grabar y cantar.

Si lo hace solo ya pinta bien, pero si le acompañan sus forajidos favoritos la cosa se pone mucho mejor. Definitivamente, uno de los discos de este 2012.

Caído en Little Big Horn




jueves, 1 de noviembre de 2012

NOVEDADES: MAGNUM "On the 13th Day"



Hay discos entretenidos ("Monster" de Kiss), discos extraordinarios ("Clockwork angels" de Rush) y discos mágicos. A este último grupo pertenecen las nuevas doce canciones de los británicos Magnum.
"On the 13th Day" es la cúspide de un elegante castell discográfico que comenzó a elevarse a mediados de los 70 con varios singles y un par de albumes en los que cohabitaban el rock progresivo, el rock duro y muchas influencias de Queen.
En los 80 endurecieron su sonido en plena NWOBHM con su primer gran disco "Chase the Dragon", y cuando parecía que Magnum empezaba a estancarse se sacaron de la manga el disco del antes y el después de Magnum "On a storytellers night".
"Vigilante" y sobremanera "Wings of Heaven" les colocaron al mismo nivel de otras bandas AOR, pero con un plus de calidad y unos tipos sin ningún sexappeal, lograron vender muchos discos sin tener la fachada de unos heavys ochenteros recién salidos de la peluquería.
Y es que los miembros de Magnum siempre han aparentado ser (sobretodo ahora) esos vecinos normales que tocan la guitarra el fin de semana sin molestar demasiado.
Si pasamos por alto los 90, la actividad de Magnum desde mediados de la década pasada se ha vuelto del todo volcánica.
Con el entrañable barbudo del sombrero, Tony Clarkin, más inspirado que nunca casi año a año, han ido cayendo discos de bastante calidad y que recuperaban parte del encanto ochentero de la banda, pero sabiendo sonar actuales.
"Princess Alice and the broken arrow" y "Into the Valley of the Moon King" ya eran dos discos más que interesantes y "The Visitation" aunque repetía los esquemas de los dos anteriores tampoco estaba del todo mal. 
Con "On the 13th Day" Magnum alcanzan la cúspide con una obra intensa, repleta de épica y muy pero que muy hermosa.
En un principio Bob Catley parece que canta más ronco que en anteriores trabajos. Con las escuchas lo que capto es a un Catley más agresivo e intenso, lo suficiente para dar esos matices geniales de su voz a las ideas que Clarkin ha querido plasmar para este maravilloso disco.
Aunque por supuesto Catley sigue cantando magistralmente, tejiendo maravillosas melodías con su voz, y es que Catley no es un tio tan reconocido como Paul Rodgers o Robin Zander, pero como sigue cantando el Angelito.
Del disco nada malo que decir. Lo dicho, es increible que una banda en estos tiempos tan extraños para el Rock, sea capaz de publicar año a año buen material.
"On the 13th Day" en algunos momentos parece un disco concepto con temas entrelazados, pero no es más que un discazo de Rock duro melódico sin paliativos.
Ese comienzo con "All the Dreamers", con una itro de 1:20 cercana a Iron Maiden que se convierte en una fiel seguidora de "On a Storytellers Night" durante siete minutos épicos que se quedan cortos, como los cinco y medio del tema que titula el disco, aspero pero muy melódico, con un estribillo tan Magnum pero con una base rítmica más potente y contundente.
Precisamente esos dos adjetivos es lo que no le falta a "Dance the Black Tattoo", el tema más heavy que recuerdo de Magnum donde Clarkin mete caña a su guitarra y de que manera, siendo parte importante Harry James con los palos que le da a su batería, con partes plagadas de redobles más acordes con estructuras típicas del Heavy Metal.
"Blood Red Laughter" y "From Within" no se diferencian demasiado de lo grabado en sus tres anteriores obras, pero mejor acabadas, mucho más redondas, con estribillos que entran mucho mejor y melodías super pegadizas.
Y por supuesto, como no podía faltar en un disco de Magnum la cara más amable de la banda no se esconde, aparece y de que manera...el AOR pero del bueno alumbra en dos temazos increibles, "So let it Rain" y sobretodo "Shadow Town" son el puro y mejor Magnum de siempre, o "Blood red Laughter, "Broken Promises", todo un ramillete de temazos. Incluso una balada como "Putting Things in Place" es capaz de enervarnos y de dejarnos al borde del K.O. técnico.
Tony Clarkin y Bob Catley seguramente no volverán  a ganar tanta pasta con sus discos como en los 80. Pero como músicos deverían estar orgullosos de lo que está ocurriendoles durante estos últimos años, y sobre todo de "On the 13Th Day". Quizás su obra más completa en 35 años de carrera.
Caído en Little Big Horn




sábado, 27 de octubre de 2012

NOVEDADES: KISS "Monster"



No hace más de una década, quizás incluso menos, Paul Stanley o Gene Simmons (¿O fueron los dos?) cacareaban a los cuatro vientos sobre el final de Kiss en cuanto a la posibilidad de grabar nuevos discos. Ya no era rentable, internet y las descargas les habían jodido el negocio, bramaban ellos.

Quizás como de "Merchandising", reediciones y giras con dos tipos disfrazados de Ace y del "Gato" la cosa no medraba aun más, decidieron pasar a la acción, y lo hicieron no muchos años después de amenazar al personal con retirarse y que una banda de pinta monas les sustituyese a todos.

Con Thayer y Singer lo han conseguido en parte, y los muy vagos es que ni se han molestado en buscarles un atuendo o personaje como pasó en su momento con el pirado de Vinnie Vincent. Thayer por Ace y Singer por Criss y todos tan contentos.

Una vez en el estudio fueron incluso capaces de grabar un muy buen disco como sigue siendo "Sonic Boom", con un Gene Simmons inspirado como compositor como no se le recordaba en años. Stanley flojeaba un pelín y los dos impostores quedaban la mar de chulos en su carnaval particular.

Como el disco funcionó bastante bien, al año ya se comentaba con una continuación en toda regla de aquel, y dos años después a bombo y platillo publican "Monster", un disco que no está dejando indiferente y que tiene dividida a parte de los parroquianos de la "Kiss Army" del globo terráqueo. 

Estoy pensando que hubiese ocurrido si "Monster" hubiese sido publicado después del "Creatures of the Night" ¿Hubiesen sobrevivido esos Kiss aun con maquillaje en medio de la vorágine Hard-aorera o sucumbirían ante ella?


El caso es que estos Kiss del "Monster" me dicen bastante más que los del "Animalize" o "Hot in the Shade". Cierto que aquellos discos tenían algún hit potencialmente más declarado que los temas de los dos últimos discos de la banda, pero me parecen vacíos de contenido, de un dejarse ir por las modas que la banda ya no tiene. A estas alturas la banda hace sencillamente lo que les sale de los huevos, y eso han hecho, un disco de muchas pelotas que nos muestra a una banda fuerte y con ganas de dar caña, al menos en el estudio.

Lo que si es cierto, es que después de montones de escuchas uno no acaba de quedarse con los solos de Thayer, aunque si con muchos de los riffs del disco, ese buenísimo "Eat you Heart Out" o el que canta precisamente el ex guitarrista de los "Black N Blue" ("Outta this World") y que es de lo mejorcito del álbum.

Más conclusiones de Monster es que la voz de Stanley ya es de poco recorrido, aunque tiene el suficiente para que traguemos el anzuelo a la primera con el temazo y single "Hell Or Hallelujah" (¿Quien dice que en "Monster" no hay sonido Kiss clásico al cien por cien?) .

El que me ha sorprendido gratamente otra vez es Simmons. Muchas de las canciones que ha co-escrito, escrito o en las que simplemente canta tienen bastante encanto. Ok, no busquemos a los grandes Kiss de los 70, no ha compuesto un "Calling Dr.Love", pero la nombrada anteriormente "Eat your Heart Out" unidas a la tremenda "Wall of Sound" o la trepidante "Back to the Stone Age" me han dejado completamente satisfecho. 


El álbum por cierto, pasa en un suspiro, y cuando te das cuenta estás empezando a engancharte a los estribillos para mi irresistibles de "Freak" , "All for the Love of Rock & Roll" o "Take me Down Below" de mala manera.

¿Más Kiss clásicos? Pues "Last Chance" mismamente. El tema que cierra el disco tiene ese tufo a un "Deuce" desfasado y decibélico, con ese sonido ciertamente saturado y garajero que no acaba de convencer a todo el mundo.

Pues a mi caballeros, este "Monster" me pone, un disco enérgico y que para un servidor es altamente adictivo ¿De verdad esperabais unos Kiss tan violentos a estas alturas? Yo no, y les aplaudo por ello. ¿Que este disco es puro "Fast-Food"? Si, ¿Que disco de la banda no lo es? Estamos hablando de Kiss amigos, no de Kansas o Led Zeppelin. Notable, vaya que si lo es este "Monstruo". 


El Hijo de Ron Keel







viernes, 19 de octubre de 2012

NOVEDADES- LED ZEPPELIN "Celebration Day"



Pues si, lo que fue un milagro, suerte o como queráis llamarlo para algunos un 10 de Diciembre de hace cinco años, por fin se va a convertir en realidad para el resto del mundo mundial que no pudo estar allí. Por cierto, mi odio eterno a todos los cabroncetes que tuvieron la inmensa suerte de ver a esos tres Dioses más Jason Bonham llamados Led Zeppelin.

El próximo 20 de Noviembre (Cachonda fecha por cierto) es el día escogido para que el dvd de tan magnánimo evento salga a la venta, pero durante estos últimos días el concierto se ha podido vivir en varias salas de cine (desgraciadamente no muchas) a lo largo y ancho de la península ibérica. 

Desde luego que por mucho equipo "Surround" que uno tenga en casa nada puede compararse (solo si estuviste presente en el puto concierto, claro) a la experiencia del poderío de la banda como en una sala habilitada para ello, con sus luces apagadas, pantalla de cine y sonido excelente.

Una pena que Led Zeppelin tan solo ofreciesen un concierto y que no nos volasen la tapa de los sesos a sus fans con una mini gira mundial. Aunque también es verdad que esa actitud, la de ese único concierto les honra y les otorga aun más autenticidad.


Cualquier duda sobre el estado de la banda se disipa con la primera canción del repertorio nocturno, un "Good Times Bad Times"ejecutado magistralmente y con una energía propia de chavalería más que de un ejercito de sexagenarios que ya se meten al público más adentro del bolsillo si cabe.

Las dudas venían en parte por el mediocre concierto del aniversario de la "Atlantic" records en 1988 que los Zepp ofrecieron. Pero en el "O2" londinense fue literalmente otra cosa.

Con un Robert Plant en una forma gloriosa y con un Page monstruoso tocando justo al resto del grupo en tonos más bajos para no castigar la voz de Plant, durante dos horas y cinco minutos fueron cayendo una buena parte del mejor material de la banda.

Desde contundentes versiones del "Ramble On" o de un celebradísimo "Nobodyś Fault but Mine", hasta sorprendentes e inesperadas maravillas del calibre de "In My Time of Dynig" o "For your Life", del infravalorado y genial "Presence" que nunca había sido tocada en directo por la banda hasta esa mágica noche.


La realización perfecta con algunos matices "Psicodélicos" y buenísimos primeros planos de los miembros del grupo se adornaba a cámara lenta con los riffs y gestos de un Jimmy Page inconmensurable y que sigue impresionando tanto como a mediados de los 70.

Por supuesto que no faltaron a la cita Page y su clásica "Gibson EDS-1275" para la mítica (¿Que canción de esa noche no lo fue?) "Starway To Heaven", u otros momentos descomunales como los de "Black Dog" (con el respetable enloquecido), "Trampled Under Foot", "Dazed & Confused" o ese bis final con "Rock And Roll", por no mencionar a la sin par "Misty Mountain Hope" con Jason Bonham (que concierto se marca el hijo de su padre!!!) cantando a dúo con Plant.


Dos cosas más. Por fin se ha hecho justicia con el bueno de John Paul Jones, y en este concierto le dan bola más allá de "No Quarter" dándole la oportunidad de que le veamos exhibirse con el bajo con casi tantos planos como el resto de la banda.

Y por último "Kashmir", ese tema fue el "tema". Como sonó...hubiese pagado lo que fuese por estar esa noche allí, sentirlo, paladearlo...

Caído en Little Big Horn



jueves, 11 de octubre de 2012

NOVEDADES: REDD KROSS "Researching the Blues"



Quince años desde que publicasen el imprescindible "Show World". Una barbaridad para unos pocos mortales que de verdad les hemos echado de menos. Durante estos tres lustros de ausencia se han publicado discos de todo tipo de pelaje, pero el rock and roll apenas se ha cobrado un puñado de discos significativos. 

Los "Frikis" de los Redd Kross somos pocos pero ruidosos y en no pocos foros las páginas sumaban más y más rumores sobre un posible nuevo disco de los hermanos McDonald, pero agua...

Luego, en las revistas especializadas (bueno, solo en una) cada año a lo largo de los últimos quince se le preguntaba al "Brother" de turno por esa vieja deuda con sus fans y con la música, ya que Redd Kross demostraban con cada nuevo trabajo una maestría bestial al alcance de muy pocos. Ellos prometían que sería pronto. Nuevamente agua...

Tuvimos que conformarnos con verles en el "Azkena" hace unos años y con un nudo en la garganta y la piel de gallina fuimos testigos de la grandeza de una banda nacida para reinar pero que sigue siendo un pequeño gran secreto y misterio dentro de la historia del rock, y volvimos a fantasear con que un nuevo disco estaría en camino. Esta vez tocados...

No hace mucho dejaron caer que tenían un montón de canciones listas y ¡Alabado sea Dios! El tiempo suficiente para poder reunirse hermanos, el tercer McDonald (Batería y que no tiene parentesco alguno con los otros dos) y el guitarrista y mega "Freak" Robert Hecker. Por fin empezamos a frotarnos las manos!


Al final son diez temas y treinta y dos minutos, pero que coño, Redd Kross han vuelto y con un buen disco; yo no voy a pedirles más a estas alturas del cuento, solo que hagan una gira y toquen al menos las cuatro mejores canciones de esta nueva supervitaminada "Cookie" llamada "Researching The Blues".
Mismamente el extraordinario y garajero tema que le da título y lo abre, o la siguiente "Stay Away From Downtown", un "Masterpiece" del power pop, una gema pura en la cúspide de su discografía.

Otros temas a destacar son la potente "Uglier" (Heredera del "Follow the Leader" de su anterior álbum) . "One of the Good Ones" y la sobresaliente "The Nu Temptation".

Con el resto de temas no han afinado tanto, pero el nivel de sus tres anteriores discos es tan tan tan enorme que era casi misión imposible de igualar. Pese a todo un buen disco, y los fans de Redd Kross tan contentos ¡Supongo!

Caído en Little Big Horn




martes, 2 de octubre de 2012

REEDICION : JUDAS PRIEST "Screaming For Vengeance" 30 Aniversario




30 años ya. 1982... el año de Naranjito. Se dice pronto. La NWOBHM en plena eclosión: Maiden, Saxon, Leppard. Recuperándonos de todo lo que el punk supuso para bien y para mal. Solo algunos de los grandes permanecen: UFO, Sabbath, Motorhead y… Judas
 

 
Después de asentar (y bien asentadas) las bases de lo que se llamaría después Heavy Metal, con un álbum tan definitivo como “British Steel”, los de Birmingham se descuelgan con un álbum para el olvido: “Point Of Entry”. ¿Cómo es posible que parieran semejante mediocridad, después de liderar el renacimiento del hard con un trabajo como “British Steel”? Las dudas se instalan en la comunidad metalera.

Pero, amigos, si algo ha tenido Priest desde su nacimiento, es esa capacidad de reinventarse cuando todo parece perdido. Y de ese convencimiento nace esta obra maestra: 1982, el año de “Screaming For Vengeance”.

Secundados por su productor de confianza, Tom Allom, Halford y compañía destrozan las expectativas sacándose de la chistera el que puede haber sido el álbum definitivo del metal. Sí, amigos, en el diccionario, al lado de “heavy metal”, debería aparecer la portada de este disco.

Los abuelos machacan al resto de jóvenes promesas metaleras: Maiden y compañía no tienen nada que hacer contra esta demostración de poderío. Los auténticos Metal Gods siempre han estado ahí…. y lo que les quedaba.

Ahora nos llega esta edición 30 aniversario, con un sonido más depurado y algunos extras que, para mi gusto, podrían haber sido mejores.
Pero vamos al álbum.

La intro: “The Hellion”. ¿Alguna intro más definitiva en un disco de Metal? ¿Una manera mejor de empezar un concierto? No, absolutmente…. no.

“Electric Eye”: te vigilamos, amigo. El ojo siempre está, y estará allí. Halford te previene entre alaridos y voces susurrantes y amenazantes. ¿Un tema premonitorio?

“Riding On The Wind”: con los riffs característicos, marca de la casa. Un tema “British Steel”, pero bastante más depurado. Tipton y Downing afilando sus guitarras y atronando tus oídos por cada canal. La intro de Dave Holland, muy similar al “Rapid Fire”, otro de los sonidos característicos de la banda en esa época. Por cierto, en esta edición especial, ni una sola mención para el batería, que ya sabeis que entró en barrena después de su salida de Priest: supuestos escándalos con menores, encarcelamiento, y fallecimiento en 2004. Una pena para un batería que dotó a Priest de un sonido característico en los 80.
 
 

“Bloodstone”: el riff machacón y Halford llevando su voz a extremos inimaginables (sus mejores momentos en este disco estarían por llegar).
“(Take These) Chains” y “Pleasure and Pain”: quizá los temas menos intensos del disco, una especie de relax hasta que llegue el climax.

Y el climax llega con el título que da tema al disco: para mí, el tema que da nombre a un concepto como el de “heavy metal”. No concibo este movimiento sin acordarme de esta canción. Demoledora. Y con un hombre, Rob Halford, que sin lugar a dudas debe ser considerado con el “Metal God”. ¿Quién puede discutirlo después de escuchar este trallazo? Cuando llega el final del tema, con ese especie de “picado” que hacen las guitarras, no eres consciente de la experiencia que acabas de tener: la adrenalina, como si te hubieras tomado un cajón de Red Bull con Jack Daniels, y los pelos, para picar carne.

Después de ésta demostración de poder, es obligatorio bajar un poco el listón: “You’ve Got Another Thing Coming”, un tema con cierto gancho comercial a lo “Breaking The Law” o “Hot Rockin”, pero que no deja de tener ese regusto definitivamente Priest en la composición.

Y para terminar, “Fever” y “Devil’s Child”, dos temas que también pueden considerarse como un poco más bajos, si los comparamos con alguno de los temas que componen este disco.

Esta edición especial se completa con varios temas en directo en el CD, y con un DVD de una actuación del año 1983 en el US Festival que, la verdad, y al ser con luz diurna, desluce bastante lo que es la esencia de una actuación de Priest. Eso sí, la banda, pletórica de facultades, especialmente Halford, al que yo creo que nunca se le vio así de agresivo y demoledor.

Se que muchos de vosotros ya tendrán el disco desde hace años, y que muchos hace mucho tiempo que no lo han vuelto a poner. Esto es diferente, amigos. Aunque solo sea por el sonido, muy, pero que muy mejorado en esta versión, debeis haceros con esta joya intemporal, y volver a saborear algo que siempre ha estado ahí, pateando nuestros culos, y los de algunos advenedizos más que se han pasado a la causa gracias a este disco.
 
Nunca defraudan. Jamás. Bueno… ese “Nostradamus….
 
Ricardo Moreno "Ritchie"
 

jueves, 6 de septiembre de 2012

MIRADA RETROSPECTIVA-FOGHAT "Fool for the City"




Foghat, la trituradora de “Boogie-Hard Rock” “Made In England” con más sabor americano. En pocas ocasiones se ve con tanta nitidez como una banda formada en la “Perfida Albion” acapara como nadie todos los “tics” de la música creada por Chuck Berry en el país del “Tio Sam”. El sonido “Slide y Blussy” de la guitarra del fallecido Rod Price combinado con la voz llena de sentimiento del malogrado “Lonesome” Dave Peverett son la marca blanca de Foghat, una banda fundamental, todavía Virgen para muchos.

Es el momento pues, de penetrar en su discografía de la mano de “Fool For The City”, sin lugar a dudas, el mejor trabajo en estudio, que supuso un punto de inflexión con sus anteriores discos, especialmente con “RnR Outlaw”, con el cual Foghat embarrancaban peligrosamente en tierra de nadie, hasta que con “Fool For The City” pudieron hacerse a la mar de nuevo, gracias a un repertorio escandalosamente bueno.

El tema que abre el disco es una de las canciones más reconocidas de la banda. Comercial e hiper-adictiva, recuerda en sus riffs iniciales a los KISS del primer álbum. Rock And Roll duro de estribillo pegadizo, guitarras “Vitange” y rítmo jovial cargado de “Groove” Funk rockero. La primera joya de la corona Foghat.

“My Babe” los adentra en el Boogie-Hard Rock que ya era el parche que tenían cosido en la píel desde sus comienzos en 1971. Otro excelente tema que destaca por la impresionante “Slide guitar” de Rod Price y por las voces de tres de los cuatro Foghat a lo largo del mismo.

 

Pero si hay un tema que determina el sonido de Foghat es “Slow Ride”. Habrá un antes y un después a esta canción que les marcará para siempre. Rock duro vicioso y peleón tocado con un “Feeling” asombroso. Cercano a los ocho minutos , acaba formando una bola de fuego de guitarras fuera de sí y rítmos enloquecedores con los que revientan la canción y el propio álbum. “Slow Ride” llegará al “Top 40” de las listas americanas y no es para menos.

“Terraplane Blues” les recuerda de donde vienen como banda, o mejor dicho, de donde procede su sonido desde los tiempos de Savoy Brown (Banda anterior a Foghat en la que militaron varios miembros de la misma). Los Chuck Berry o Willie Dixon se aparecen ante Foghat sin necesidad de juegos esotéricos, basta una guitarra y un buen guitarrista.

“Save Your Loving (For Me)” es otro “fresco” al estilo del tema “Fool For The City”, que me recuerda bastante a los QUEEN de aquella época. Todos los temas del disco son para enmarcar, así que “Drive Me Home” no lo iba a ser menos. Otra vez un tema adictivo, repleto de juguetones pianos “Honky-Tonk” y Rock & Roll a lo STONES.

Foghat concluyen esta obra maestra con la deliciosa “Take It Or Leave It”; “Soft”, acústicamente barbara y con el uso del piano Wurlitzer que le imprime un carácter único al tema. ¡Grandiosos!.

Caído en Little Big Horn