martes, 27 de diciembre de 2011

NOVEDADES



El "Rock And Roll" no entiende de justicia. Ni poética ni pollas. Que se lo pregunten sino a "Badfinger"," Redd Kross", "Urge Overkill" o "Enuff Z Nuff". Todas ellas merecieron el oro y el moro pero...

"Screaming Trees" no eran menos que los otros. Publicaron buenos discos a finales de los ochenta y nos dejaron boquiabiertos en los noventa con dos diamantes gigantes llamados "Sweet Oblivion" y "Dust" ¿Quien no recuerda "Nearly Lost You" o "Sworn & Broken"?

Después de "Dust" llegó el silencio, y solo el errático y camaleónico Mark Lanegan se dejaba ver de cuando en cuando. De los hermanos Conner ni rastro; Barrett Martin "missing"...Ahora en 2011 "Screaming Trees" reaparecen, pero no teman, "Last Words: The Final Recordings" es el epitafio de una banda que debió publicar estos diez temas perdidos en el limbo hace doce años.

Mejor tarde que nunca pensarán algunos, efectivamente. Demosles las gracias a "Screaming Trees" y especialmente a Jack Endino (¿Recuerdan este nombre?) y a Barrett Martin por terminar este producto y no dejarlo pudriéndose en cualquier cajón de sus casas.

Así disfrutaremos de nuevo ese agrio placer que es escuchar la voz de Mark Lanegan, capaz de estremecernos en varios de estos "Nuevos-viejos" temas ("Door Into Summer", "Revelator"), incluso  su colega Josh Homme le echa un capote en la oscura "Crawlspace".

Gary Lee Cooner nos fusila con sus riffs "Post-Grunge" en "Last Words" y a golpe de Rock duro en "Anita Gray", sin olvidar que cuando guiñaba el ojo al "Rock Psicodélico" también era la ostia ("Ass Gray Sunday").

Pero como bien dice el escueto dictado del cd, con la décima canción ya está todo dicho. No habrá más "Screaming Trees". Pero al menos tendremos el consuelo de que este testamento desempolvado les ha quedado guapo de cojones.

Caído En Little Big Horn.

sábado, 24 de diciembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA "Especial Navidad" Mötley/Wasp!!!

Es noche buena. Doble ración: ¡FELICES FIESTAS!!



Posiblemente hubo una alineación de estrellas, planetas y todo tipo de astros el día en el cual Mötley Crüe aparecieron para quedarse (Con sus idas y venidas) en esa rueda circense llamada Rock And Roll. Cuatro tipos de baja estofa dispuestos a quemar todo a su paso y sin miedo a nada ni nadie con algo claro en el punto de mira: Lograr la fama, dinero, sexo y todas las drogas que les pusiesen por delante. Y damos fé de que lo consiguieron.

Los Crüe fueron la primera banda Angelina en pegar el petardazo, Van Halen pusieron la gasolina pero la cerilla o la mecha que hizo arder el Sounset Strip fué cosa suya. Así se convirtieron en los embajadores del mal y del Rock de aquella ciudad para que através de sus ojos se viese lo que se estaba cociendo en esa "City" americana y lo que quedaba por ver durante toda la decada de los 80. Mötley cayeron en las emergentes redes del Metal ochentero aunque sus gustos (Los de sus componentes) estaban bastante alejados de este estilo, tan solo Tommy Lee comulgaba con una "Nueva religión" que empezaba a tener millones de practicantes en todo el mundo. Mick Mars era un fan del Blues y Jeff Beck; Vince Neil, un surfista follador con ínfulas de ser el nuevo David Lee Roth y Nikki Sixx suspiraba por convertirse en el nuevo Johnny Thunders y apunto estuvo de lograrlo varías veces a lo largo de esa decada. Así que la música de la banda era más bien una especie de mezcla entre unos Mott The Hopple y Slade Hard Roqueros cruzados con el Rock teatral de Alice Cooper o Kiss a los que ellos le insuflaban toda la energía Punk Rockera y destructiva que moraba en sus álmas.


Después de grabar este primer disco y editarlo ellos mismos bajo el abrigo del sello doméstico Leathur Records, un avispado tipo de Elektra les ficha y trás mezclar el disco el gran Roy Thomas Baker sale a la calle con una tirada estimable convirtiendose en el trampolín hacía la fama que conseguirán definitivamente un año más tarde. Pero esta primera toma de contacto es la más genuína y dañina de toda la discografía Mötley, nueve canciones rápidas y explosivas como pocas.

 La poca técnica instrumental la suplen con canciones de efervescentes melodías que se ganan al oyente a la primera gracias al tono Pop de la voz dulce en aquellos primeros años de Vince Neil. "Live Wire", es el comienzo aguerrido y Metálico del disco seguida por tortazos efectivos como la Glam Rockera "Come On And Dance" o la compuesta por Nikki Sixx en sus días formando parte de London "Public Enemy N:1"; una canción con un estribillo pegajoso como pocas he escuchado en mi vida y a la que la banda incomprensiblemente dejó en un segundo plano hasta su "Comeback" a finales de los 90.

El pistón no es capaz de bajar en la bonita pero macarra balada "Merry- Go-Round" y la máquina vuelve a desvocarse en la trepidante "Take Me To The Top" con otro estribillo enmarcable. En el segundo acto atacan mostrando garras Metálicas en "Piece Of Your Action", una de las fijas casi siempre en directo durante todos estos años. "Starry Eyes" los muestra como los grandes seguidores del Glam Rock setentero que son y concluyen con la divertidísima "Too Fast For Love" ( Que demuestra a las claras las intenciones de la banda) y la balada "On With The Show", rajada de Nikki Sixx sobre su padre con el qué apenas tuvo relación. Perfecto final para un disco que no ha perdido un ápice de su fuerza, al contrarío.

El Hijo de Ron Keel



Tengo en mis manos la carpeta de “The Last Command” y la observo mientras suenan los arpegios de “Wild Child”, soy 26 años más viejo pero esa música me dice lo contrario. Gran canción ¿Verdad? El poderoso estribillo resuena en mi pobre cabeza hasta que termina pero yo ya estoy preparado para “Ballcrusher” que comienza como una tormenta con un riff sencillo pero cortante, estrofas cortas y estribillo pegadizo. Yo canto “Ballcrusher” sin cesar…me encuentro en medio del solo correctamente ejecutado por Randy Piper y vuelta a empezar,que gozada.

Suena una emisora de radio ¿Se habrá jodido el disco? Que va! Es la intro de “Fitsfull Of Diammond” otro tema poderoso que trata de ambición y poder, mucho poder, el mismo que tiene la canción. Tengo 13 años de nuevo…
“Jack Action” entra en escena para barrernos a todos del planeta , un temazo, rock alto y fuerte, antes Steve Riley habia dado la señal de avance con el cencerro. Una canción de metal y rock and roll, lo que definia a W.A.S.P. en aquellos años. Con “Widowmaker” se termina la cara A, tampoco es uno de los mejores temas del grupo, pero tiene su cosa.


Te levantas y le das la vuelta al disco para que suene “Blind In Texas” y esas guitarras de Chris Holmes y Randy Piper irrumpen en escena rockeando que da gusto. Este tema lo tiene todo, el mejor tema de la banda y punto. Menudo estribillo, lo canto una y otra vez hasta desfallecer mientras recuerdo el video clip en el oeste con carreras de armadillos y los mismisimos ZZ TOP de “guest stars” como en las mejores series de la época.

 “Cries In The Night” quiere ser la “Sleeping In The Fire” del disco pero no lo acaba de lograr y llegamos al tema que da título al album “The Last Command”. Un tema que comienza con un solo de guitarra melódico que nos conduce a la típica linea vocal de Blackie Lawless un pre-chorus y un chorus más que aceptable y vuelta a empezar, otra buena canción.

 La banda tenia magia en aquellos años. “Running Wild In The Streets” es un tema potente que me recuerda a los mejores momentos de su debut de 1984, con ese sonido tan caracteristico del grupo, abundantes efectos, poderoso coro y gente corriendo salvajemente por las calles. Mi viaje concluye con “Sex Drive” otro tema ligado con su primera entrega, con unos W.A.S.P. divertidos y demenciados, W.A.S.P. en estado puro.

“The Last Command” ha terminado pero está listo para cualquier momento. Un disco que como mínimo está a la altura de su antecesor. El cd contiene siete temas extras, “Mississippi Queen” y la cojonuda “Savage” y siete temas en directo sacados del “Live At The Lyceum” del 84 que termina con un “I Wanna Be Somebody” memorable.

El Hijo de Ron Keel










miércoles, 21 de diciembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA



¿Qué se puede escribir de uno de los discos que dio significado a una de las expresiones más significativas de la historia del Rock 'N' Roll de todos los tiempos?
¿Qué se puede decir de uno de los pilares fundamentales del Heavy Metal?
Pues la verdad es que poca cosa más que no se haya escrito ya.

"Paranoid" es un disco imprescindible en la discoteca básica de cualquier amante del Heavy Metal más primitivo y contemporáneo.
Es un disco clásico por encima de todo, un disco repleto de riffs inmortales y melodías que pasarán a la historia del Rock 'N' Roll de todos los tiempos.

La verdad es que el primer disco de BLACK SABBATH ya apuntaba maneras, en él había temas que pasarían a la discografía universal del Heavy Metal; "The Wizard", "N.I.B.", "Evil Woman" o la mismísima "Black Sabbath" son temas imprescindibles en la historia de la música en general.
Pero este segundo disco de la banda marcaría los parámetros básicos de lo que en un futuro debería ser una forma de entender una música que trataba de abrirse camino con una serie de discos anteriores de bandas como LED ZEPPELIN, DEEP PURPLE, BUDGIE o VANILLA FUDGE.

Este es un disco único en el género, repleto de temas capitales como la inicial "War Pigs", repleta de toda una serie de riffs impresionantes, entrecortados y muy marcados con una parte final más movida.
O la inmortal e imprescindible "Paranoid", toda una institución en la historia de la música rock de todos los tiempos y versioneada por infinidad de bandas a lo largo de toda la historia.


Otro tema que destaca sobremanera es "Iron Man", poseedor de uno de los riffs de guitarra más famoso de toda la historia del Heavy Metal, a la altura del "Smoke On The Water" de DEEP PURPLE sin desentonar lo más mínimo.

A partir de aquí la cosa se calma, temas como "Planet Caravan" o "Electric Funeral" le dan al disco un toque más pausado y relajado, toque que dura hasta el cambio de ritmo magistral de "Hand Of Doom", toda una lección de como cambiar de ritmo sin que la canción baje un punto de intensidad y energía.
La instrumental "Rad Salad" le da un toque distintivo al badaje general del disco con sus innumerables cambios de ritmo donde la batería de Bill Ward toma un protagonismo destacado.

Y para terminar un tema clásico de la banda como "Fairies Wear Boots", un tema con múltiples cambios de ritmo y pasajes muy melódicos poseedor de un ritmo muy marcado y cañero que completa un disco que ha pasado a la historia como un de los más influyentes y determinantes del género.

Con este disco BLACK SABBATH marcaron los parámetros de por donde debía ir este tipo de música que trataba de abrirse camino en la historia del Rock 'N' Roll, más tarde les siguieron bandas como JUDAS PRIEST o BLUE OYSTER CULT con mayor o menor éxito, pero lo que está claro es que BLACK SABBATH con este disco señalaron el camino a los que vendrían más tarde y les iluminaron una senda por donde debían dirigir sus siguientes pasos.
Este es un disco imprescindible y básico en la historia del Heavy Metal de todos los tiempos.

Alvaro Kintana "Mazinger-The Trooper" Urrestarazu

domingo, 18 de diciembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA



La obra controvertida por excelencia de los británicos, su disco más complejo y el que les convirtió en auténticos mártires por parte de la crítica que en definitiva esperaba con los brazos abiertos un disco así para poder machacarles, y así lo hicieron. El redondo contenía todas las papeletas para que recibiese apelativos como "desmesurado", "demasiado grandilocuente", "excesivamente ambicioso" y sobretodo "aburrido". Calificativos como "autocompacientes" también cayeron sobre las espaldas de los miembros de Yes que acusaron las tensiones de la grabación de tan extenuante disco hasta acabar con la salida de Rick Wakeman; el rubio teclista llegó a decir a los hasta entonces compañeros de aventuras "topograficas" : "No podeis tocar lo que no entendeis, y yo no entiendo nada de este disco".

Personalmente creo que un grupo que es capaz de grabar una obra como "tales from topographic oceans" es de todo menos "autocomplaciente", ya que con este album buscaron (sobretodo Steve Howe y John Anderson ) el más dificil todavía después de grabar una obra maestra de la música del siglo XX como "close to the edge" y eso solo demuestra la categoria de esta banda que practicaba "rock progresivo", una etiqueta que debiera buscar el avance en sus ideas musicales y huir del estancamiento que es el peor enemigo de este estilo con tantos detractores como amantes. Y eso mismo es lo que Yes hicieron, mirar hacia delante y arriesgar grabando un ambicioso doble album con cuatro canciones, cuatro largas "suites" que ocupaban una cara entera cada una, repletas de recovecos y más cambios de rítmo de los que tenían acostumbrados a críticos y fans.

La primera gran novedad es que estrenan batería, Bill Bruford sale, Alan White entra. White es un gran batería, con una gran pegada pero me gusta menos que Bruford que seguirá con su ejemplar carrera junto a Robert Fripp en King Crimson. Analizando un poco los temas se repartirian en dos "suites" buenísimas y otras dos que no acaban de convencerme.



El comienzo de "tales..." es muy bueno, "the revealing science of god dance of the dawn" continua la temática mística de su anterior album pero llevada aquí a la exageración en las letras, hay que recordar que John Anderson estaba muy metido en las religiones orientales lo que significó una fuente de inspiración definitiva para escribir temas para este disco. Músicalmente es un tema sensacional, me imagino estar escuchandolo en el 74 y pensar que es la mejor canción de Yes, si no lo es, estaría cerca de serlo.

Pero las cosas se tuercen a la segunda de cambio, "the remembering high in the memory" es un tema que no arranca hasta pasado casi el cuarto de hora lo que para una canción es mucho decir! Es aburrida, pero no por pretenciosa, sino por el atolladero que supuso para el grupo tantas y tan difíciles ideas a plasmar en ella; los últimos minutos son mucho mejores pero ya es demasiado tarde para levantar el vuelo.



Tampoco salen bien parados de la tercera canción, "the ancient giants under the sun" tiene el mismo mal que su antecesora, acumula mejores momentos en general pero tampoco salen airosos o al menos esa es la impresión que te queda a su conclusión.

En cambio "ritual" si que contiene todos los elementos que les hicieron grandes en "fragile" y "close to the edge". Es un temazo de principio a fin, nada en él sobra, las partes vocales son brillantes pero las de guitarra incuso lo son más. Steve Howe hace uno de sus mejores trabajos a las seis cuerdas tanto en los momentos eléctricos como en los acústicos. No me quiero exceder más, solo decir que si este disco lo hubiesen formado las dos mejores canciones del disco, estarimos hablando de la cima discográfica de Yes y no de un muy buen trabajo pese a los detractores que ha ido acumulando a lo largo de estos casi 40 años.

Caído en Little Big Horn


viernes, 16 de diciembre de 2011

NOVEDADES




Cuidadito con este artefacto. Entramos en unas épocas oscuras: pleno invierno, frío, lluvia, quizá nieve… si estás pasando una mala racha, no muy recomendables. La falta de luz puede hacer estragos. Y discos como éste, también.

No he seguido muy a fondo la carrera de estos británicos. De hecho, mi primer contacto con ellos fue un disco muy semejante a éste: el impresionante “Hindsight”. Un disco que tampoco es muy recomendable para malas rachas. Y… ¿por qué? La melancolía, señores, la melancolía. Ese estado en el que todo ser humano, que se precie de serlo, cae alguna vez. Esos recuerdos, ese “pudo ser y no fue”, esos que se marcharon… o que siguen ahí y no están al mismo tiempo.


Este disco recoge versiones de temas antiguos del grupo. Más orquestales que en “Hindsight”, donde predominaba lo acústico. No, aquí predomina lo orquestal. Secciones de cuerda, cellos… que transforman piezas como “Kingdom” en algo que recuerda al original, vagamente, pero que en realidad es otra canción. Profunda, como sugiere el nombre del disco. Esta canción, en particular, es mi favorita de este trabajo. Me gusta pensar, mientras la oigo, en sagas como la de “Juego de Tronos”. Y esa frase que define a la casa Stark: “Winter Is Coming”. Justo lo que destila esta canción: invierno, desolación… creo que, definitivamente, mi tema del año. Temas como “They Die” o “Alone” no le van muy detrás. No son precisamente la alegría de la huerta, pero ya sabías a lo que venías con esta gente.

El resto de los temas siguen la misma pauta: orquestaciones gélidas, ausencia casi total de partes vocales… como ya he dicho, un monumento a la melancolía. El doom de los primeros tiempos del grupo, hecho arte casi clásico.

Bueno amigos, avisados quedais. El verano y Van Halen quedan aún lejos. Esta es la verdadera banda sonora de lo que tenemos ahora encima. Eso sí, si andais tocados por algo, alejaos de este engendro. Pero si lo que vais buscando es introspección, un momento de aislamiento, tranquilidad… este disco os lo va a ofrecer de sobra.

Ricardo Moreno "Ritchie"



miércoles, 14 de diciembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA



JETHRO TULL “MINSTREL IN THE GALLERY” 1975

El disco en el cual Ian Anderson lleva sus cantos de juglar un paso más allá. Ambientado en una época de señores y vasallos, "Minstrel In The Gallery" es uno de los discos saludados con más gracia por los incondicionales de la banda. Y ciertamente que "Aqualung", "Thick Is A Brick" o "Songs From The Wood" se me ocurren a la hora de pensar en trabajos que puedan hacer sombra a este genial disco, pero ni por esas...
Y es que como si de un cuento de esos de "Once Upon A Time"...empieza el primer tema "Minstrel In The Gallery". Con Ian Anderson haciendo acto de presencia a lo trobador y a capela. A continuación entra el resto de la banda marcándose un Rock Duro Progresivo cardiaco con los riffs y punteos de Martin Barre por delante de la acorazada base rítmica que vuelven a formar Jeffrey Hammond Hammond al bajo y "Super" Barriemore Barlow" a la batería. Por supuesto que acompañado a las melodías vocales, y flauta marca de la casa, Ian Anderson.

A renglón seguido "Cold Wind To Valhalla". En un principio la propuesta del tema se presenta a modo de ese "Folk Rock" que campeará a sus anchas por los surcos de "Songs From The Wood" un par de años más tarde, pero el tema camina finalmente por derroteros ciertamente rockeros, con una instrumentación recia y una linea vocal de Anderson muy original.

"Black Satin Dancer" es un tema conducido por David Palmer. Es el primero del álbum donde los arreglos orquestales van delante del resto de los instrumentos, por lo menos hasta la mitad del mismo. Más adelante los riffs de Martin Barre y la flauta travesera de Ian Anderson le igualarán la partida, para finalizar juntos en una hermosa eclosión sinfónica.



Dicen las malas lenguas que Ian Anderson llegó a la grabación de este disco bastante quemado psicológicamente, algo que afectaría a algunas de las composiciones del álbum. Quizás la melancólica y hermosa "Requiem" o la no menos tristona "One White Duck/Nothing At All" fueran compuestas bajo un manto grisáceo en la mente del genio escocés que beneficiaría a las dos canciones, ambas magistrales.

Este disco, como no podía ser de otra manera, posee su "Suite" particular. "Baker St. Muse", dividida en cuatro partes en las que la banda se muestra ciertamente rockera. Martin Barre hace gala de su mejor repertoria eléctrico y acústico. John Evan se destapa exquisito al teclado y Ian Anderson locuaz al máximo con esa lírica tan expresiva, y también épica, de su voz y flauta, con sus virulentos ataques vocales e instrumentales.

De todas todas, "Minstrel In The Gallery" es una nueva obra maestra para paladares exquisitos.

Caído en Little Big Horn








viernes, 9 de diciembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA



Si no conociese la música de las hermanas Wilson y escuchase este disco sin saber quienes son pensaría que estaba ante un disco de Jefferson Airplane grabado en 1975 o 76. Pero no, son Heart y su homónimo debut o lo que es lo mismo, un disco de rock impresionante por el que parece que los años no han pasado.

El disco salió al mercado originalmente en Canada, concretamente fué el pequeño sello "Mushroom" el encargado de "rularlo" por aquel país y por algunas zonas de USA como la ciudad de Seattle. Poco después, Heart fichan por Capitol que pone el disco definitivamente en la calle el 14 de Febrero de 1976 aunque la grabación del mismo data de Julio-Agosto de un año antes.

La banda la lideran como no podía ser de otra manera las hermanas Wilson, Ann es la que canta y además toca flauta y guitarra acústica en algún tema. Nancy se encarga de la guitarra eléctrica y de la de doce cuerdas amen de secundar a su hermana con las voces. Junto a ellas encontramos a dos guitarristas, Roger Fisher (que firma junto a las Wilson alguna de las canciones de este debut) y Howard Leese que además hace de teclista y percursionista. Además encontramos también a Steve Fossen al bajo y a todo un rosario de baterías a lo largo del disco.




Las canciones son nueve temazos de Rock con incursiones en el Hard, Folk e incluso el progresivo aunque esto último en pequeños detalles. "Magic Man" abre este debut de una manera arrolladora. Es un temazo con un estribillo genial y una Ann Wilson cautivadora desde el arranque de la misma. En este disco da gusto escuchar las guitarras acústicas y eléctricas. "Dreamboat Annie (fantasy child)" es el preludio perfecto para otro temazo, "Crazy On You", que recoje finamente influencias vocales que van desde Eagles a Led Zeppelin y músicalmente pequeños matices progresivos que me recuerdan a Yes en esos punteitos muy a lo Steve Howe.

"Soul Of The Sea" navega por un oceano "folkie" muy agradable al igual que el tema que da título al disco donde el sonido del "banjo" da ese ambiente tan rural y americano, otras dos grandes canciones. El rock duro vuelve a ser parte de este disco en temas tan acertados como "White Lighting And Wine" o "Sing Child" cerrando este maravilloso debut con el "reprise" de "Dreamboat Annie". Simplemente delicioso.

Caído En Little Big Horn





 






















domingo, 4 de diciembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA



El Rock And Roll nos ha regalado a sus fans mucho desde su irrupción en la década de los cincuenta. Son incontables los riffs que hemos silvado miles de veces, las sesiones de "Air-Guitar" emulando al guitarrista de turno, son inacabables las listas de canciones, los álbums que han hecho historia; y como no, las bandas de Rock, sumos sacerdotes de esa religión pagana llamada Rock And Roll.

ZZ Top son posiblemente una de las bandas más genuinas que haya procreado la música del Diablo. Un trio tejano enraizado en la "Psicodelia Garajera" de finales de los sesenta unidos por y para el Blues Rock.

Billy Gibbons es uno de los hijos aventajados de la guitarra "Gibson", y pocos han sabido sacar fuego de sus cuerdas como lo ha hecho este barbudo tejano. Para la historia han quedado los riffs de "La Grange" o "Tush".

Tampoco serían entendibles los ZZ Top sin el bajista Dusty Hill. Un músico eficaz, buen cantante y estupendo compositor. Gibbons y Hill han ido asando el benado a su manera durante más de cuarenta años. Cantando uno o el otro, y llevando las riendas de ese rodeo movil llamado ZZ Top junto claro está, al bueno del bigotudo Frank Beard. Siempre a la sombra, o por lo menos en un segundo plano.

Estos tres tipos que reinarían en buena parte de las décadas de los ochenta y los setenta, despedirían esta última con uno de sus trabajos más imponentes.
"Ladies And Gentelman", ¡Con todos ustedes el sexto álbum de los ZZ Top! : ¡Degüello!!!!



Degüello es un disco excepcional elaborado con materia prima de primera calidad Blues y Rock. Nos ofrece un producto óptimo para su consumo. Todas las canciones son de cosecha propia a excepción de un par de estupendas versiones.

Arrollador como el imponente coche que ilustra la cubierta de "Eliminator" comienza este "Degüello" con "I Thank You", un Blues Rock de David Porter y Issac Hayes fibroso y rítmico.
La primera canción del álbum compuesta por el trio es el Rock And Roll "She Loves My Automovile"; cantada por Dusty Hill, punteada brillantemente por Gibbons, encargándose ambos de los saxofones.

Dos momentazos: El primero se llama "I´m Bad I´m Nation Wide" y el segundo "A Fool For You Stockins". Las dos son impepinables demostraciones de Hard Blues Rock, más acelerada la primera y reposadita la segunda. Una misma conclusión para ambas: Geniales! Un puto gustazo escuchar los bramidos de la guitarra de Gibbons acompañada de una caliente base rítmica.

"Maniac Mechanic" es un esquizofrénico tema mitad instrumental mitad canción que cierra la primera cara del disco. De dar buena cuenta de este tema, se encargaba un colgado D.J. que lo reproducía por las colinas Hollywoodenses un dia y otro a eso de la una de la tarde en la época en la que se publicó el disco.



La cara b no puede empezar de mejor manera. "Dust My Broom" del genial Elmore James es reconducida con maestría por los barbas y el bigotudo de turno. Rítmos cuasi Hawaianos estrechados con solos impolutos de Mr Gibbons, rítmicas sencillamente matadoras...!

...Pero para matadora "Lowdown In The Street". Un tremendo Blues Rock compuesto por el trio de hipnóticos riffs, rítmos y voces, que posee un solo cósmico de Billy Gibbons.

Con "Hi Fi Mama" vuelven al Rock And Roll envilecido y chuleta. Guitarras que vacilan y nuevamente saxofones a todo trapo.

"Cheap Sunglasses" es otro tema inspiradisimo. Blues Rock humeante e infernal. Para saber porque Billy Gibbons es el puto amo con su guitarra obligatorio escuchar este tema.

"Eather Be The One" en cambio es un tema con cierto regustillo pop. Quizás en una primera toma de contacto parezca un patinazo, pero pese a su tono melancólico sigue teniendo el reclamo de los riffs y punteos del cabronazo de Billy Gibbons ¿Quien puede decir lo mismo????

Caído En Little Big Horn





miércoles, 30 de noviembre de 2011

MIRADA RETROSPECTIVA

 


El Segundo trabajo del grupo de Boston no se hizo esperar mucho, siendo publicado en Marzo de 1974 después de grabarlo en los Record Plant de Nueva York donde lo habían hecho con anterioridad los Stones y Led Zeppelín. Con esta grabación comienza el idilio entre el productor Jack Douglas y Aerosmith. El nuevo productor mejora el trabajo de su predecesor en el album de debut y “Get Your Wings” es un paso adelante ya no tanto por el sonido como por las canciones.

Para abrir boca tenemos “Same Old Song And Dance”, canción compuesta por Steve Tyler y Joe Perry que contiene un riff de guitarra muy vacilón y rockanrollero, uno de los puntales de la primera época; canción por otra parte muy Stones y que gana enteros gracias a la sección de vientos tras el punteo y los posteriores juegos entre guitarras y vientos, una de mis canciones favoritas de Aerosmith donde Steve Tyler está que se sale.

Sinceramente creo que “Get Your Wings” es uno de los discos más oscuros de la discografía de los Bostonianos : “Lord Of The Things”, “Spaced” y “Woman Of The World” son tres buenos ejemplos. La primera tanto por el ritmo como por la forma de ser cantada y de la extraña letra de Tyler, algo que se repite en “Spaced” y en “Woman Of…”aunque esta última creo que es superior a las anteriores; es un tema con un toque a gran grupo 70´s en plan The Who: Comienza con guitarras acústicas, algo que no suele ser habitual en Aerosmith, y mantiene continuas subidas y bajadas de ritmo, culminadas con un muy buen solo de guitarra que mantiene un espectacular duelo con la armónica de Steve Tyler.




“SOS” es la canción más rock and roll del disco con permiso de “Same Old Song And Dance”. No llega a los tres minutos algo que les une a bandas de finales de los 60 de las que Aerosmith siempre han sido fans. Precisamente en “Train Kept A Rollin” es donde lo demuestran ya que la canción original es de los Yardbirds, el grupo en el que militaron entre otros Jeff Beck, Page y Clapton, una banda que daría mucha importancia a sus guitarristas, algo que Aeromith rescatarían en sus primeros discos ( sobretodo en el primero cargado de referencias blues) y lo seguirían haciendo con este tema que combina de manera magistral el Rithm And Blues con el Heavy Metal de los 70.

La cumbre de este buenísimo disco la ponen con “Season Of Wither”; una preciosa balada con un ritmo algo raro e hipnótico que te acaba cautivando por completo y una de las canciones mejor cantadas por Steve Tyler en su dilatada carrera con el grupo, esta canción es una de las más logradas de Aerosmith.

Tampoco es moco de pavo “Pandoras Box”, un tema muy rockero y con una base muy blues, siendo la única canción compuesta por Joey Kramer en toda la carrera del grupo. Todos los que añoramos la era dorada de esta gran banda deberíamos de tener este gran disco como cabecera de nuestras vidas al menos durante varias semanas. Tan bueno como desconocido en su discografía.

Caído en Little Big Horn













domingo, 27 de noviembre de 2011

NOVEDADES



Antes de nada, me gustaría confesar que los chicos de Perry Farell nunca han sido santo de mi devoción. Discos como “Nothing’s Shocking” o “Ritual de Lo Habitual”, cabecera de muchos entendidos del rock alternativo, a mi no me han dicho demasiado. Es más, siempre he considerado a Farell un “friki” del rock business, y a Dave Navarro, un guitarrista sobrevalorado.
               
Con estas consideraciones preestablecidas, he de decir que con su nuevo trabajo, “The Great Escape Artist”, me doy un puntito en la boca. O dos.

Ya les di una (otra) oportunidad con su anterior disco, “Strays”,  que tenía algún tema muy interesante, buena dosis de guitarreo, y que suponía la reunión de sus miembros originales, excepto Eric Avery, ese hombre con el que se suponía no podrían volver a levantar el vuelo. Pero no, no coló. Me pareció un trabajo recargado, muy artificial, y que ni siquiera respetaba los patrones originales de la banda. Vamos, que se nos han acabado las pelas (y las peleas), hacemos un disco, nos vamos de gira… y a recuperarnos.

Todo esto cambia con este nuevo trabajo. Con mi dosis de escepticismo me hice con él, y… sorpresa. Se nota un considerable, o quizás no tanto, cambio de estilo. Algunos temas puede recordarte a Nine Inch Nails (Dave Navarro ha colaborado en alguna ocasión con Trent Reznor), otros a Alice In Chains…

No espereis un álbum muy rockero… muchas guitarras. De hecho, Jane’s Addiction estan hoy más cerca de U2 que de los grupos que actuaban en el festival que ellos mismos apadrinaron… Lollapalooza (qué tiempos aquellos). Un viejo conocido, como Duff McKagan, conocido punk-rocker, decidió bajarse del proyecto a medio camino, viendo el cariz que estaba tomando la cosa, aunque le dio tiempo a poner su grano de arena en la composición de un par de temas. Pero no, definitivamente, este disco no era para un tipo como el bueno de Duff.



Toques electrónicos, medios tiempos; Navarro y su guitarra en segundo plano, pero eficaces cuando han serlo en algunos temas. Psicodelia en grandes dosis. Magnífico cuarteto el que forman “Curiosity Kills”, “Irresistible Force” (el single), “I’ll Hit You Back” y “Ultimate Reason”, todas de tirón.

En definitiva, un álbum del que renegaran fanáticos del “Nothing’s…”, pero que seguramente reclutará nuevos seguidores (entre los que creo que me encuentro).

Ahora, solo cabe esperar que no sea otra maniobra comercial para financiarnos otros proyectos, en los que Farrell & Cía parece que no han salido escaldados precisamente.

Dale una oportunidad. Quizá te sorprendan tanto como a mí.

Ricardo Moreno "RITCHIE"


viernes, 25 de noviembre de 2011

NOVEDADES


Para ninguna banda es fácil sobrevivir al abandono de la mitad de sus miembros, en especial cuando uno de ellos se encarga de las voces y del bajo. En una encrucijada en la que muchos optarían, en los tiempos que corren, por colgar los instrumentos y tomar un trabajo “de nueve a dos y de cuatro a ocho”, el guitarrista y principal compositor de Glyder, Bat Kinane, comprendió que la elección del camino de la música no era una opción, sino una necesidad. Y así, tras unas pocas semanas de confusión, da el paso y retoma una de las bandas más prometedoras de la escena actual.

No vamos a dejar de congratularnos por la sabia decisión: acompañado de la segunda “hacha” de la formación, Pete Fisher, quedaban por reclutar los repuestos en la banda; Des McEvoy a la batería por la baja de Davy Ryan y, para sustituir al frontman Tony Cullen, dos nuevos músicos: Graham McClatchie al bajo y Jackie Robinson en la mayor de las responsabilidades.
El resultado no ha podido ser más afortunado.

No hace falta escuchar más que unos pocos segundos de “Chronicled Deceit”, rompedor corte que abre el disco, para darnos cuenta de que esto suena más profesional que nunca, una producción de lujo para un cañonazo estruendoso y pesado, que da paso, casi como si estuviésemos ante una introducción, a “Long Gone”, un retorno a los setenta, a las guitarras de Ritchie Blackmore, a los riffs matadores (¿de dónde se saca esos malditos riffs tan inspirados?), suaves teclados que nos anclan en la época dorada del género, y la garganta de Jackie Robinson, llena de matices, que pone la garganta y los huevos sobre la mesa por si a alguien todavía le quedaban dudas (a mí, sin ir más lejos) de que ha sido una apuesta ganadora.

“Fade to Dust” es el primer single que nos ha llegado a los oídos, una orgía de guitarras y un solo punzante y veloz. A estas alturas, uno puede darse cuenta de que el conjunto irlandés está dejando atrás Thin Lizzy, que por supuesto sigue presente en sus composiciones, pero de una forma mucho más oculta, como si el bagaje adquirido con los años hubiese ido mermando una influencia clarísima para dejar espacio a otras, igualmente placenteras al formar parte de un conjunto en el que todo suena cohesionado y con personalidad, algo que en la actualidad brilla por su ausencia. “You have to fake it ‘till you make it”, dicen por allí. Glyder ya están en la segunda parte de la frase, y lo hacen de maravilla.

“Even If I Don’t Know Where I’m Gonna Go” supone una rebaja en las revoluciones y en la agresividad para dar paso a las melodías e incluso a pequeños retazos acústicos, con otra buena muestra de cómo hacer riffs en 2011.


“Don’t Make Their Mistakes” es casi desde el principio una de las que más va a llamar la atención, magníficos guitarreos acolchando el conjunto y un clasicismo fresco en el que Robinson se explaya en todas las direcciones. Directa al directo.

De repente, unas voces ambientales nos traen “Down and Out”, un comienzo delicado que corrobora que estamos ante el disco más variado de la banda hasta la fecha, y un estribillo con un ritmo que engancha, te mueve y te hace corear con ellos. Buena labor de la base rítmica, que consigue, con matices y buen gusto, crear muchos “rollos” distintos en poco más de cuatro minutos.

Casi sin darnos cuenta hemos pasado ya más de la mitad de las canciones , y “Something She Knows” nos recuerda que el nivel, parece mentira, no baja. Una de mis favoritas, sencillez clásica con ramalazos de los mencionados Lizzy, pero también de otros como BTO, con esa alegría contagiosa y de pretensiones humildes.

Vuelve el heavy: pesado y metalizado riff en “Two Wrongs”, probablemente el momento más bajo de una obra en la que lo malo resulta ser mejor que la mayoría de lo que escuchamos en las bandas actuales; y “End of the Line”, extraña canción que otorga mayor electicismo al conjunto, repleto de fraseos imaginativos de guitarra, y un regusto a grupos de modern como Shinedown, lo que demuestra que lo de estos chicos no es el estancamiento, sino el continuo aprendizaje, un “no parar” en ese camino hacia los sentimientos y hacia la sinceridad para con lo que hacemos, que es en lo que consiste el arte.

Para asentar la dosis de rock que acabamos de meternos por el oído, “Motions of Time”, preciosa balada con una delicada línea vocal, que no necesita de acompañamiento más que unos coros, algo de guitarra, y una percusión prácticamente imperceptible, y que cierra el álbum con suavidad.

Diez canciones que saben a tan poco que induce a ponerlo una, otra y otra vez. Y esto, ¿hasta cuándo? ¿Cuándo llegará nuevo material? En su web nos dan la clave: “las descargas ilegales y los servicios de streaming hacen que nos resulte imposible sufragar los gastos que supone hacer un álbum, así que por favor comprad una copia para ayudarnos en nuestro camino.”

Un camino por “carreteras secundarias” que por el momento nos ha dado un trabajo fabuloso que, confiamos en ello, no será el último.

Jul Figueras

domingo, 20 de noviembre de 2011

HELIX. La apisonadora canadiense!!!



Ya ha llovido de narices desde que les apodaron de esa manera las revistas especializadas que babeaban con trabajos como "No Rest For The Wicked" o "Walking The Razor Edge", y aún ha llovido más desde que se formaron un lejano dia de 1974 en una ciudad canadiense cercana al area metropolitana de Ontario.

Sus primeros pasos fueron duros como los de cualquiera de su generación y no tuvieron la suerte de grabar un disco hasta 1979, cuando publicaron "Breaking The Loose", el primero de dos álbums lanzados por una independiente. "White Lazy Black Leather" fué el segundo y corrió la misma suerte que el debut.

Afortunadamente para ellos todo cambiaría en la década de los 80. Helix, con un "Line-Up" liderado por el carismático Brian Vollmer, un par de videos para la "MTV" de éxito como "Heavy Metal Love" y "Rock You", el apoyo de "Capitol Records" y dos excelentes disco de Hard-Heavy comercial ("No Rest For...y Walking The Razor...") lograron situarse entre las bandas con más futuro del panorama Heavy mundial.


La banda aprovecha su momento para mostrar al mundo su incendiaria puesta en escena y para seguir escalando posiciones entre los preferidos de los "Metal-Heads" y publican otros dos buenos discos, "Long Way To Heaven" y "Wild In The Streets". Con el primero logran colarse en los primeros puestos de éxito no ya en Canada, en Suecia llegan a ser una de las bandas rockeras que más suenan en la FM y llevan su potente directo a los escenarios de aquel pais.

Pese a su insitencia y tesón, Helix no lograrán ese ansiado crecimiento en el resto del mundo, quedando en una excelente banda de segunda fila que vió como el estrellato de Guns N Roses y su tropa de clones eclipasaba toda toda posibilidad de éxito. Luego, la mala suerte se cebaría con ellos cobrandose la vida del guitarrista Paul Hackman, y aunque lo intentaron con necedad en la década siguente, ya nada sería igual...

Caído En Little Big Horn

  No Rest For The Wicked 1983

Después de dos discos editados con una discográfica independiente el cambio a una multinacional como Capitol Records le sentó francamente bien a esta banda canadiense formada en 1974. Este tercer disco supone un salto cualitativo y cuantitativo importante para el grupo ya que al formar parte de dicha multinacional facilitó, por ejemplo, el acompañar como teloneros a los mismísimos KISS en la gira mundial de presentación del disco "Lick It Up" que la banda norteamericana había editado ese mismo año. Con todo lo que evidentemente conlleva, que no es otra cosa que pasar así de ser una banda que se movía básicamente en el circuito nacional canadiense a ser una banda que empezaba a codearse con bandas que jugaban en la primera división internacional de la música. Que no es poco.

El dico se editó en 1983, y está repleto de grandes temas que exudan un embriagador aroma a Rock & Roll por todos sus poros. Las canciones que conforman este fantástico disco se mueven en un arco que va desde el Hard Rock más festivo a temas de corte más metalero sin olvidarse de las baladas. Baladas que en este caso están representadas por esa maravilla que se titula "Never want to lose you" donde el grupo demuestra un gran talento para las melodías más hermosas y épicas y donde destacan sobremanera esos coros femeninos que enriquecen el tema de manera más que notable.

Entre los temas más duros del disco incluiremos a cortes como el single con vídeo incluido titulado "Heavy Metal love" o  "Check out the love", una canción con un gran riff de guitarra entrecortado, o cómo no al tema que da título al disco, "No rest for the wicked", una canción dinámica, enérgica y acelerada con un gran estribillo altamente adictivo.
De entre los más duros tampoco podemos olvidarnos de esa maravilla titulada "Dirty dog", un tema con cierto tufillo sleazy que destila suciedad por todas sus notas con un gran riff de guitarra que lo convierte en uno de los puntos álgidos del disco.

El resto de canciones que componen esta maravilla se mueven dentro de un Hard Rock festivo con grandes melodías y estribillos magníficos donde el grupo se maneja como pez en el agua y entre los que destacan temas como "Let's all do it tonight", con un estribillo que en directo invita a maltratar a las gargantas de los presentes, o la más rockanrolera "White lace & black leather, o el single "Don't get mad, get even" que poseee uno de esos estribillos que una vez los has escuchado es imposible quitartelos de la cabeza.

Por último no quiero pasar la ocasión de destacar la maravillosa atmósfera que envuelve a todo el disco tan presente en muchos de aquellos trabajos editados a principios de los ochenta y que hacía de ellos algo tan especial y que muchos de los grupos de Metal que hoy en día sacan a la calle sus primeros trabajos discográficos tratan de capturar y trasmitir en el sonido de sus discos.
Dicho esto, y en definitiva, este disco que nos ocupa es sin lugar a dudas un gran disco que sirvió a HELIX  como excelente carta de presentación a nivel internacional y que no debería de defraudar a ningún amante de aquel Hard Rock que se hacía a principios de los ochenta.

 Alvaro Kintana
(The Trooper)(Mazinger)



Walkin The Razor Edge 1984

¿Para qué cambiar algo que había funcionado tan bien?
Se debieron preguntar los miembros de HELIX cuando se vieron en la tesitura de tener que componer los temas que formarían parte del disco que diese continuidad al exitoso "No Rest For The Wicked". Y evidentemente no cambiaron nada, repitieron esquemas y patrones consiguiendo de "Walkin' The Razor's Edge" una prolongación natural de su disco precedente.

El disco fué lanzado en 1984 y evidentemente no nos vamos a encontrar con ninguna sorpresa no deseada si lo que andamos buscando es un Hard Rock festivo con estupendas melodías y grandes estribillos comerciales de esos que entran a la primera escucha. Un disco en el que los siete primeros temas son de sobresaliente alto, desde el comienzo con "Rock you", todo un himno metalero de ritmo pesado y muy marcado especial para levantar los puños en los conciertos y a la larga el mayor hit del disco, hasta "My kind of rock", todo un temazo Hardrockero con un estribillo estraordinario, nos encontramos con todo un ramillete de canciones en las que HELIX nos demuestran que son unos genios construyendo melodías, estribillos y riffs de guitarra de alta escuela.

Y es que es muy difícil destacar algún tema por encima de los demás, quizás el single con doble vídeo (uno para todos los públicos con chicas en bañador y el otro con las mismas chicas pero en topless hecho por encargo para la revista Playboy) "Gimme gimme good lovin' sea el más destacado al ser el  más melódico del disco y poseer el estribillo más comercial de todos, pero es que "Young & wreckless", "Feel the fire" o "When the hammer falls" nada tienen que envidiar al anteriormente citado, todos poseen maravillosas melodías, enérgicos riffs de guitarra y comerciales estribillos altamente adictivos.
La balada del disco "(Make me do) Anithing you want" quizás adolezca un poco de la magia que desprendía la del anterior disco, pero no cabe duda de que es un buena canción que gana enteros gradualmente con las escuchas.

Para terminar el disco están "Six strings, nine lives" y "You keep me rockin'", el primero de ellos en una onda más metálica y con un estribillo muy quedón, para no variar, y el segundo con una intro suave y de maravillosa melodía que desemboca en otro buen tema de Hard Rock.
Para mi merece una mención aparte el tema "Animal house" con un riff de guitarra muy reconocible y un estribillo que parece extraido de las entrañas del mismísimo Ted Nugent (o eso me parece a mi) es uno de mis favoritos del disco.

Bueno, lo dicho, un gran disco que sigue la senda trazada por su predecesor y que lo único que cambia con respecto al "No Rest For The Wicked" es la entrada de un nuevo miembro en la banda, abandonó el barco el bajista Mike Uzelac y en su lugar entró Daryl Gray, por lo demás nada nuevo bajo el sol. Afortunadamente.

 Alvaro Kintana Urrestarazu



Long Way To Heaven 1985

Con este "Long Way To Heaven" los Canadienses intentaron seguir con la senda triunfal y para ello optaron por comercializar su sonido ya de por si comercial pero no lograron reverdecer los laureles de su anterior plástico pese a las buenas canciones de este trabajo. Si se quiere ver estamos ante un disco con ciertos chispazos Aor como el de la inicial "The Kids Are All Shakin" (Cuenta también con un divertido video clip) o el del primer single, el super ochentero "Deep Cuts Th Knife" que logró cierta repercusión en las listas de su pais. El resto del material estaba a la altura de lo mostrado en sus dos anteriores rodajas sónicas pero sin el elemento sorpresa de aquellos. De todas formas me sigue pareciendo un trabajo encantador desde su misma portada y fué el primer disco que me compré de la banda,cosa que cuenta bastante para mi.

"Ride The Rocket" es el típico himno de banda Heavy americana ochentera y junto al tema que da título al disco (Un temazo por cierto) no faltaba nunca en los conciertos de aquella gira junto a los Accept y Keel. Otra de mis preferidas y ya no solo del disco sinó de la discografia de la "Apisonadora Canadiense" es la incendiaria y nunca mejor dicho "House On Fire"repleta de todos los clichés facilones y "Jebilongos" que tanto gustaban, con unas guitarras muy buenas y un Brian Vollmer sensacional.

"Christine" y "Whitout You" vuelven a coquetear con el tan de moda a mediados de los ochenta Aor pero sin pasarse del todo y vuelven a pisar a fondo en las tres últimas canciones del disco. "Dont Touch The Merchandise" no deja de ser un tema menor en la discografia de Helix y tampoco creo que "Schoo Of Hard Knocks" o la final "Bangin Off-A-The Bricks" estén entre las más recordadas por sus fans pero son dos temas resultones,con gancho y fuerza para terminar un disco digno y entrañable de una época que siempre es bueno recordar por la cantidad de discos con canciones nada pretenciosas y divertidas como este "Long Way To Heaven".

Caido En Little Big Horn



Wild In The Streets 1987

Cuando pienso en 1987 me vienen a la cabeza el debut en largo de los Guns N Roses, el "Hysteria" de los Def Leppard y "1987" de los Whitesnake. Tres discos que se vendieron como churros y que cambiaron en buena parte al Rock Duro a partir del momento en que se publicaron. Lo bueno de aquel 1987 fué la cantidad de grandes trabajos que publicaron grupos como Dokken, Mötley Crüe o por qué no decirlo, Helix.

"Wild In The Streets" es posiblemente el disco menos popular del cuadrado mágico que los canadienses publicaron en los 80, pero es mi preferido. No creo que la banda opine lo mismo. La grabación del álbum en Gran Bretaña fué un pequeño infierno para los del Canadá. Dos productores, Un manager que les obliga a grabar versiones de Nazareth y los FM, presiones de la discográfica...demasiado para una banda que llegaba de mala gana a un estudio de grabación y con solo seis temas nuevos bajo el brazo.

Pero afortunadamente y aunque el disco ya no funcionó tan bien en los mercados como los anteriores, Helix salían airosos con "Wild In The Streets". Y es que mientras las bandas más rockeras empezaban a dulcificar en esceso su música, los Helix le daban un nuevo empujón. La apisonadora volvía a estar engrasada y a su paso castigaba más rockera que nunca.


Títulos que pregonan de que va este disco como "Never Gonna Stop Rock" o "Wild In The Streets" se hacen fuertes riff a riff. Las guitarras y los estribillos gamberros de "What ya Bringin´To The Party" y "High Voltage Kid" patean nuestros culos con fuerza. Tan solo la balada "Dream On", originalmente grabada por los escoceses Nazareth da un pequeño respiro.

"Wild In The Streets" no fué el disco definitivo de aquel año pero canciones como "Give Em Hell" irradian ese buen rollo que ofrecía el Hard Rock fiestero de aquella mágica época. Brent Doerner y Paul Hackman garantizaban solvencia a la banda con sus riffs y Brian Vollmer se ganaba al personal con su voz carismática y su simpatía. Era un buen "Entertaiment" que lo dejaba todo en el escenario, las volteretas que se marcaba eran uno de los puntos fuertes de su puesta en escena. En este disco vuelve a dar hasta la última gota colaborando en que "Shot Full Of Love" o "Love Hungry Eyes" no sean dos simples y mortales temas de Rock Duro jebilongo.

Aunque este disco fué reeditado por la propia banda hace unos cuantos años, "Rock Candy" lo ha vuelto a poner en el mercado en una de esas reediciones a todo lujo. Al igual que "Long Way To Heaven", que pasan a completar el catálogo iniciado por "No Rest For The Wicked" y "Walkin The Razor Edge". Los cuatro discos más importantes de un largo camino a....

Caído En Little Big Horn



miércoles, 16 de noviembre de 2011

NOVEDADES

Heavy Metal Blogs: The Wheel Album Cover

El norte de Europa se ha convertido en el bastión del Hard Rock con sonido americano. En realidad el fenómeno empezó a desmelenarse a finales de los 90 coincidiendo más o menos con la publicación del fenomenal "Total 13" de unos tales "Backyard Babies". El principal dilema fué que no todas las bandas lucian como la banda de Dreggen o los potables a ratos "Hardcore Superstar".
Dentro del nuevo Rock escandinavo germinaron montones de bandas de quinta fila que ya hemos olvidado; los nombrados anteriormente más Glucifer y The Hives eran de los que se salvaban junto a varias bandas vinculadas al Garaje Rock.

En estos últimos años y emulando al "Sunset Californiano", han seguido naciendo bandas con bastante más marketing que música de calidad. Los que rajaban de Mötley o Ratt se explayarán a gusto con los infames "Reckless Love" o los prescindibles "Wig Wam".
Pero no todo son malas noticias ni está todo perdido. Hay un cuarteto noruego llamado "The Wheel" que se ha autofinanciado su debut, y les ha quedado la mar de guapo.

Heavy Metal Blogs: The Wheel

The Wheel parecen a todas luces una banda americana, luego, no es original pero lo que hacen suena como si lo fuera. En parte enfocan su sonido al Hard Rock clásico que va de Led Zeppelin o Black Sabbath a los Van Halen (el tema "Sparks" y los Van Hagar quizás???) Pero personalmente los veo entre un cruce de los Cult, Buckcherry y Soundgarden. "Stand Up" o "Love" siguen esa ruta con una credibilidad a prueba de riffs. Ambos temazos de guitarras rabiosas y coros totalmente creibles que no están  metidos con calzador como les pasa a una buena parte de la tropa melódica nórdica.
Al hablar de Soundgarden no quiero decir que estemos ante un sonido oscuro o puramente "Grunge". Es la voz de Jan Erik Salvesen y algunos arreglos vocales los que llevan a la banda de Seattle. Pero en el tema "Tell No Lies" mezclado con riffs que recuerdan a Dokken y estribillos cercanos al Hard melódico.

"Sparks", que nombraba anteriormente, es otro tema con una fuerte carga ochentera. Medio tiempo semi acústico con buenísimas voces y mucha carga emocional. Salvando las distancias y aparte de los Van Halen me recuerda esta canción al "Dream On" de los Britny Fox.
El disco de The Wheel suena realmente homogéneo; la batería potente y clara, las guitarras y el bajo en su sitio y la voz rallando a buen nivel..
No todo el disco de The Wheel es para enmarcar, pero si sus primeras cinco canciones, lo que para un disco de hoy en dia es mucho decir.

Caído en Little Big Horn

jueves, 10 de noviembre de 2011

Tom Petty And The Heartbreakers. ICONOS DEL ROCK!!! Primera Parte



............Uno de los Iconos del RockAmericano de los últimos 40 años, estrella en Estados Unidos y Rockero de culto en Europa. Tom Petty publicó el año pasado "Mojo", indudablemente otro de sus grandes discos. Ah Claro ! le acompañan los Rompecorazones. Mojo es la clase de disco que renueva tu fé en que el RockNroll está más vivo que nunca, con su profundo poso Blues, pero RockNroll al fin y al cabo.
 Tom Petty nunca se ha rendido ante lo peor que representa la industria musical y sus entresijos más oscuros. Rebelde por naturaleza y por origen, nació en Florida, es decir Sureño, en el año 1950. En el 62 tuvo una revelación cuando durante el rodaje de una película, Elvis cruza la calle para saludar a sus fans y le dió la mano "aquello acabó con cualquier otra actividad en mi vida que no fuera la música" recuerda emocionado," ni te imaginas hasta qué punto me consumía el Rock'n'roll y no podía elegir". Con 13 años ya toca la guitarra. Con 18 forma con amigos la banda "Mudcrutch", que se hace muy popular en la comarca. Estamos en el año 1973 y con apenas unos dólares en el bolsillo emigran a Los Angeles, la capital mundial del Rock. A la semana de llegar ya tienen varias ofertas, entran agrabar un single. Cuando van a grabar el LP, éste se cancela ante el estrepitoso fracaso de dicho single. Mudcrutch se separan, pero Petty sigue bajo contrato haciendo de letrista para Leon Russell. En el 76 se encuentra con sus viejos amigos de Mudcrutch, el guitarra Mike Campbell y el teclista Bemont Trench quienes van a grabar una maqueta junto con el bajista Ron Blair y el batería Stan Lynch. Petty les visita en el estudio y acaba metido en el asunto. Así nacen Tom Petty & the Heartbreakers quienes ese mismo año publican su 1er disco que despunta por su sencillez, temas cortos y directos con una base rocosa y guitarras que beben tanto de los Byrds como del RockSureño. American Girl es el single que aupa al disco a listas y uno de sus temas bandera, todo un hito del ROCK, " era una chica americana educada a base de promesas, pero ella no podía dejar de pensar que había otro tipo de vida en algun lugar........... "



En menos de un año se edita su 2º disco "you're gonna get it", de sonido mas endurecido que el debut. Tras su publicación los acontecimientos están a punto de cortar un ascenso emergente en la carrera musical del grupo. El sello "Shelter" es absorvido por la multi MCA. y Petty ante su negativa a trabajar para MCA y entregar los derechos de su música es llevado a juicio. Al final hay acuerdo y el cantante se sale con la suya. Petty sienta un precedente del que otros musicos tomarían nota.........
MCA lanza su tercer disco, el totemico "Damn the Torpedoes", una obra maestra.De sonido más corpulento y con una colección de memorables canciones. Basta con apuntar que aquí están "Even the the losers", "here comes my girl","Refugee"............. nombres míticos para el Rock. El disco les aupa a la 1ª división codeandose con The River de Springsteen. Estamos en el año 79 con una ´gigantesca gira que durará hasta el 81 en que publican un nuevo disco. Quizás el verse situado detrás de una obra maestra rebaje la calidad del disco, pero no, "Hard Promises" es otro disco pluscuamperfecto.
Petty y sus Rompercorazones sufren su 1ª baja, Ron Blair abandona el grupo siendo sustituido por Howie Epstein quien debuta para su siguiente "Long after Dark". El disco es menos inspirado que sus predecesores,quizás demasiado contagiado por la New Wave que asola el mundo en aquellos años.



A terminar la correspondiente gira se toman unas vacaciones, un descanso en el que Petty aprovecha para reflexionar sobre su siguiene paso creativo, "Southern accents", un tributo a sus raíces sureñas. Las sesiones de grabación son una pesadilla, con Dave Stewart de Eurythmics a los controles. La química no surge y la grabación se alarga más de lo esperado. Petty en un ataque de frustación, lanza un puñetazo contra la pared lesionándose la mano y que apunto está de jubilarle como guitarrista. "Es embarazoso recordarlo, porque me la rompí en un ataque de furia y ésta nunca es buena.........". El disco es su mayor patinazo,deslabazado,sin un rumbo y casi dando tumbos. "Rebels ó "Spike" salvan el naufragio..............
Ante las profundas críticas recibidas por parte de Fans y prensa Petty y su banda se lanzan a demostrar que son una gran banda de Rock, y la mejor manera de demostrarlo es con un disco en directo. "Pack up the Plantation" devuelve la fe a sus seguidores y la prensa, aunque con reparos por ser un recopilatorio en directo, no tiene más remedio que reconocer que es un buen disco. Los años 86 y 87 marcan un ya histórico encuentro. Bob Dylan contrata una nueva banda de acompañamiento, son Tom Petty y sus Heartbreakers, casi nada........... Al final de la gira y del año87 Petty saca nuevo disco "Let me up", en el que se reencuentra con las musas de la inspiración, pues es un disco compacto y perfecto, presidido por el ataque frontal de "Jamin me" compuesta a medias con Dylan.



Su siguiente paso enciende las alarmas pues anuncia su primer disco en solitario. El mundo del Rock interpreta como el fin de la asociación de Petty con su banda, algo que con los años se demostró como infundado pero que entonces si que preocupó mucho.
La verdad es que lo de disco en solitario es solamente "oficialmente" pues en "Full Moon fever" le acompañan los Heartbreakers. El resultado es una Masterpiece. El sonido es más limpio que nunca,armonías vocales sublimes,melodías irresistibles y una colección de canciones para la historia. "Free Fallin", ""Runnin down a dream"......... No seré yo quien niegue semejante título de honor..........
De vuelta con los Heartbreakers,en el 91 edita "Into the great wide open" con el single "learnin to fly" volando en lo más alto de listas y con el resto del disco a la altura de la perfección.
En el 94 su 2º disco en solitario, "Wildflowers", otro dico rotundo en calidad, desnudo en sonido cortesía de Rick Rubin. Es su disco más romántico. Para el siguiente se compromete a poner banda sonora a la película "SHe's the one" y el resultado es un compacto alegrey vital ............................................"Continuará...!!!

BERIBOOGIE