jueves, 15 de junio de 2017

QUINCE DISCOS AOR PARA EL PRÓXIMO VERANO (VOLUMEN TRES)

1- "Vital Signs".Si amigos, esta vez el primero de la clase es para nosotros el número 1. "Vital Signs" es al AOR lo que Pelé al futbol o "La Traviata" de Giuseppe Verdi a la ópera. Pocas veces ha sonado todo un disco como una perfecta banda sonora desde que empieza hasta que termina. Imposible no palidecer y asombrarse al escuchar las maravillosas melodías y el pluscuamperfecto estribillo de "I Can´t Hold Back".
1984
Hay pocas cosas en este mundo que posean el encanto irresistible de "High On You", la garra y pasión aorera de "First Night" o el melodrama echo canción de "The Search Is Over". Jamison, Sullivan, Peterik, Ellis y Doubray son una alineación que debería uno saberse mejor que la de su equipo de futbol favorito. Definitivamente "La Voyager" esa tendría que haber sido lanzada al espacio con "Vital Signs" sonando a todo trapo para deleite de toda la Galaxia. Una pena que no retrasasen el viaje una década. Materpiece no, The Next!

2- "Megaforce"¿Una sola palabra que sustituya a "Hard-AOR"? "Megaforce" amigos, esa única palabra es suficiente para definir a ese sub estilo del Rock más melódico al este del Rock Duro. Y vaya álbum que se marcan 707 en su cuarta intentona por hacerse un hueco entre las radio fórmulas USA y los corazones de los rockeros duros americanos.
1982
Sus anteriores trabajos son feten, de eso no hay duda, Kevin Rusell que es el vocalista en todos ellos lo hace rematadamente bien, pero hace falta un plus para que el 707 alcance la altura de los aviones supersónicos y eso al menos va ocurrir en este disco gracias al fichaje de Kevin Chalfant para pilotar con maestría gracias a su portentosa y aorera voz.
Chalfant acomete las canciones a la Steve Perry pero con garra rockera y desarmando el lado soul del menudo frontman de Journey.
Del disco destaco todos y cada uno de los temazos que lo llenan pero el que lo titula se sale literalmente de la estratosfera AOR, encima es el tema central de la película de Ciencia Ficción serie Z "Megaforce" y viene producido por Keih Olsen. Sobresaliente!

3- "Runaway". El debut era bueno pero este segundo disco posiblemente sea mejor. "Runaway" de título y esa carpeta que mezcla paisaje marciano por delante y Pablo Iglesias + Tarzán Migueli por detrás agranda la leyenda del segundo disco de Dakota. Pero que nadie huya todavía, de facto no lo vas hacer cuando "Runaway" comience a sonar, sus teclados se apoderen de tu mente y caigas en la cuenta de que has desatado un "Necronomicon" aorero que te llevará de Dakota a Toto, de Toto a Le Roux y de ahí al orgasmo.
1984
El dúo Hludzik/Kelly son culpables del desaguisado, los dos un par de "Una Bombers" cargados de explosivas muestras del mejor AOR de los años 80. "Heroes", "When The Rebel Comes Home" o "Love Won´t Last" son alguna de esas canciones que harán de tí mejor persona este próximo Verano cuando tengas que incorporarte nuevamente al tajo, y que en las vacaciones te convertirán en el puto amo al son de "Into The Night" "Pepsi Cola" en mano.
El disco lo produce Danny Seraphine, batería de los repelentes Chicago que aquí también se hace un hueco con las baquetas. Monstruoso AOR super cinco estrellas!

4-"Living In Oz". Quizás alguno echó de menos en los dos volumenes anteriores que le dedicamos al AOR a Mr Rick Springfield. Pues problema solucionado, aquí tenemos uno de los discos bandera del guaperas australiano que lo mismo te cantaba una de Power Pop que hacía de médico galán en un culebrón de tres al cuarto y que antes de meterse en discos farragosos de Hi-Tech lo clavó con este particular Pais de las maravillas aorero.
1983
Para la ocasión Springfield se rodea de varios astros de lo melódico, tipos como Alan Pasqua, el batería todo terreno Mike Baird, el tipo de los Mister Mister Richard Page o Tom Kelly; todos ellos le echan un cable, aunque las canciones practicamente todas vienen firmadas por el australiano que demuestra su maestría en la vital "Me & Johnny" o en la fantasmagórica "Motel Eyes".
Obviamente todo gira en torno al AOR desde el arranque de "Human Touch", consiguiendo los momentos más destacados con el tema que titula el disco, la inmensa "Souls" o con "Affair Of The Heart", tema que fue single y que llegó muy arriba en las listas de éxitos americanas. "Living In Oz" quizás no sea el mejor disco de Springfield pero si que puede mirar a la cara al anterior "Success Hasn´t Spoiled Me Yet" y con altanería a cosas como "Tao". Muy notable.

5-"Streets". "If Love Should Go"...corazón de AOR, que letras y que chorus. Menudo brío tiene el cantante ¿Y el estribillo? Buff, calla calla que no hace prisioneros ¿Habéis escuchado esas guitarras? Joder, puedo pensar en Foreigner, Journey o Survivor; los tres grupos en uno solo pero puede que hasta mejor ¿Pero de verdad que no has escuchado "Move On"? ¿Estás tonto? Rápido, aún no la han capado en youtube ¿El disco para comprar dices? Si, "Wounded Bird" sacaron una de sus pírricas reediciones hace unos años pero te aconsejo la de "Rock Candy", que no está mal de precio y esos tíos si que saben cuidar sus productos.
1983
Qué este disco sea tan cojonudo es tan fácil como tener a Steve Walsh de los Kansas como vocalista. Uno de los grandes en los 70 dentro del Prog Rock era imaginable unos años más tarde en algo más directo y comercial. Su voz va como anillo al dedo para el rollo aorero y en "Lonely Woman´s Cry" tienes la prueba. Sus compañeros de calle no pueden ser mejores, el Mike Slamer a las seis cuerdas está tremendo imprimiendo personalidad y garra a todas las canciones del disco. Billy Greer camarada de Walsh en Kansas durante años y de Slamer en los estupendos Seventh Key durante las dos últimas décadas es el bajista y perfecto escudero de Walsh para moldear unos estribillos fabulosos. Produce Neil Kernon.

6-"Vigilante". Que el programa bandera del AOR en este país lleve el mismo nombre del disco de Magnum ya es para pensar que efectivamente hay que detenerse necesariamente en el sexto disco de los británicos. Al "Vigilante" se le ha dado palos por su sonido y portada entre otras cosas. La portada es cierto que parece sacada del carrusel de los Barriguitas pero es innegable que tiene su gracia y su encanto. Recuerdo leer la reseña en alguna revista cuando el disco fue publicado e interesarme inmediatamente por Magnum. Meses más tarde sacié mis ganas con el recopilatorio "Mirador", otra historia diferente a la que nos ofrece este magnífico "Vigilante".
1986
En cuanto a la producción del Queen Roger Taylor...vamos a ver, estamos en el 86, no veo tantas diferencias entre el sonido de este disco de Magnum y otros de su mismo tiempo. De su poker aorero comprendido entre "On A Storyteller´s" y "Goodnight L.A." posiblemente sea el más comercial de todos pero suena perfecto para ese momento, y si olvidas que son Magnum y de lo que tiene delante y detrás podrás disfrutar de un disco repleto de himnos AOR. Temas como el que titula el álbum, la inicial "Lonely Night" o "Midnight (You Wont Be Sleeping)" son auténticos masterpiece aoreros. Las canciones como no podía ser de otra manera las firma Tony Clarkin pero es Bob Catley el que nos cautiva con su voz, poderosa en "Red On The Highway" y melódica en "Sometime Love" ¿Un tema por encima de los demás? La inmensa "Holy Rider".

7-"Righteous Heart". Un disco que comienza con un temarral del tamaño de un cometa de grande ("Modern Day Delilah") y que no decae ni un solo instante de los casi 38 minutos que ocupa tiene que venir incluído en esta lista  no apta para diabéticos que preparamos cada verano como si fuese la sangría más fresca del mundo mundial. Van Stephenson debería de haber vendido millones de discos amigos, y no el panoli ese de Michael Bolton, pero la vida es así de cabrona, tanto que el bueno de Stephenson se fue hace ya unos cuantos años dejando como legado tres discos en solitario entre otras cosas. En nuestra primera entrega del 2015 os recomendamos su tercer disco, el magnífico "Suspicious Heart", ahora le toca el turno al segundo trabajo del cantante de Ohio.
1984
En esta ocasión "RH" lo componen diez temas que tienen más garra que los que componen "SH" de dos años más tarde, pero que siguen siendo puro AOR 80´s que te los puedes imaginar en la banda sonora de la película que se te pase por la cabeza  de aquella época. Acompañando a la estupenda voz de Stephenson los reputados músicos de sesión Dan Huff, Alan Pasqua, Mike Baird, Tom Kelly, Bill Champlin...la flor y nata pues del AOR y del West Coast al servicio de un repertorio sobresaliente.


8-"Racing After Midnight". Adoro a estos tíos. Acaban de regresar con un magnífico trabajo cuando nadie lo esperaba. Sus cuatro primeros discos son de enciclopedia aorera, cualquiera de ellos podría copar los primeros puestos del género de sus respectivos años de publicación.
1988
Las dos cosas que destacan en mi opinión de los canadienses son el vocalista Johnnie Dee con un timbre melódico pero con garra que me recuerda a John Bon Jovi y el guitarrista Derry Grehan, un tío que descorchaba las botellas de una marca de cola en un anuncio a mediados de los 80 con su guitarra y que de verdad es un auténtico monstruo a las seis cuerdas. Las canciones de este tercer trabajo fueron grabadas en Los Ángeles con Ted Templeman trás los mandos. La discográfica obligó practicamente a la banda a grabar el tema del dúo Steinberg/Kelly "Cold Look", algo que no fué del agrado de los músicos canadienses que grabaron un clip para dicho tema en Inglaterra mientras estaban de gira. La versión es mejor la original de los I-Ten, pero lo destacado del álbum es lo que Grehan y Dee crean, AOR tremendísimo con alguna incursión en el Power Pop como en la final "Tears On The Page" ¿Otras joyas? "Long Way Back", la inicial "Looking Out For Number One" o "It´s Over Now". Masterpiece total!

9-"Diving For Pearls". Otro incunable del AOR es el debut del quinteto de Boston afincado en New York City. Pedazo de disco repleto de himnos memorables, coros y estribillos arrebatadores, teclas que adornan con sensación, buenas guitarras y la estimable voz de Dany Malone.
1989
La balada "New Moon" es una de las destacadas de un disco lleno de dinamismo y con muchísimos detalles que no lo hacen caer en la banalidad de alguno de sus contemporaneos. Los arreglos no patinan ni hacen del producto algo empalagoso aguantando 28 años después las envestidas del tiempo. Una de las bazas que juegan a favor de Diving For Pearls es la original mixtura de sonidos dentro del AOR que practican, incluyendo sonidos prestados a bandas tan dispares como Simple Minds, The Cult o Cheap Trick. Una pena que no tuviesen continuidad y que tardasen más de quince años en volver a publicar nuevo material.

10-"Shaft Of Light". Reino Unido también fue zona AOR a mitad de los 80 colegas...vamos a ver...FM, Strangeways, Virginia Wolf, Shy...y Airrace claro. Esta banda es el proyecto encabezado por Keith Murrell, un cojonudo cantante de aíres clásicos cuya voz estaba en algún lugar entre los tíos de Toto y el Paul Rodgers, demostrando que era un cantante de buen gusto principalmente British.
1984
El otro nombre que suena de la banda es Jason Bonham que con 18 años empezaba a labrarse su carrera baqueta en mano emulando a su bestial papá. "Shaft Of Light" es un magnífico disco de Hard/AOR tipo FM pero también Foreigner, Survivor, Journey. Te prometo que no podrás dejarlo ni cuando saltes del trampolín a la piscina. Es casi seguro que tonadas rockeras del calibre de "I Don´t Care" o "Promise To Call" te convertirá en el rey de la tumbona durante estas vacaciones ¡Que se preparen los niños y la parienta! Produce el artefacto con gracia y salero Mr Beau Hill.

11-"Heartbeat City". ¿THE CARS presas de la fiebre AOR? Pues sí, al igual que Heart, Cheap Trick u otras bandas que nada tenían que ver con el género, el quinteto nueva olero también se dejó atrapar por los cantos de sirena que maleficamente dominaban buena parte del Rock a mediados de los 80. The Cars en realidad se dejan querer por los estilos que gobiernan tiranicamente las emisoras de radio, Techno, electrónica y otras moderneces sónicas se diluyen en el Power Pop y en el sonido New Wave que los norteamericanos practican desde finales de los 70.
1984
"Hello Again" descoloca al principio con esa entrada más propia de los Def Leppard, con Ric Ocasek haciendo de Joe Elliot y con un enfoque melódico descaradamente emparentado con el "Pyromania" de los británicos, con la salvedad de que dan el cambiazo al Hard de los Leppard por el Pop/AOR de los Cars. La producción de Robert John Mutt Lange es fundamental para este nuevo sonido que atrapa en su maraña a los Leppard, Bryan Adams o los propios Cars y que en "Heartbeat City" les hace entrega de su salvo conducto sónico particular que hace que temas como "Magic" o "Drive" suenen con altanería en las emisoras de radio USA. Las canciones pese a esa producción tan rebuscada no pierden nervio ni garra cuando las guitarras tosen su particular Power Pop como en "It´s Not The Night" y las voces de Benjamin Orr y de Ocasek suenan altas, claras y más limpias que nunca. Masterpiece en toda regla.

12-"Caught". Teri DeSario también lo intentó con este trabajo recién iniciada la década del AOR. Una artista del mundo del Pop y de la música disco podía hacer el viaje al revés que Kiss y cascarse todo un disco de Rock dentro de unos cánones en los que su voz gobernase con mano de hierro melodías atractivas, estribillos con mucho gancho en los que poder emular a Pat Benatar y alguna balada lacrimógena a la Barbra Streisand. Con "Caught" vaya que si lo consigue.
1980
Para llevar a cabo este virage al Rock Teri se rodea de la crema del AOR, tipos como Steve Lukather, Mike Baird, Steve Porcaro o David Foster, que por cierto en aquella época debían estar ganando un pastón componiendo y grabando música ajena a sus bandas. Músicos de sesión como el también productor del disco Bill Purse o Richie Zito componen un material al que DeSario pone tres de las nueve canciones entre las que está un cover del "I Should Have Known Better" de los Beatles.

13-"Virginia Wolf". De regreso a Gran Bretaña con el debut de este cuarteto que contó con Jason Bonham a la batería, pero cuyo miembro más destacado para los que aman el AOR es su vocalista, Chris Ousey, de timbre agudo y con muchas aptitudes como demuestra en este disco y posteriormente en los buenísimos Heartland.
1986
Producido por el Queen Roger Taylor, Virginia Wolf acumula lo mejor del género melódico en sus surcos, gracias al AOR con garra de "Are We Playing With Fire", "For All We Know" o el Power Pop a la Police de "Make It Tonight". En un disco de muchos teclados en el cual ninguno de los miembros de la banda son diestros en ese momento con él, se cuenta con Spike Edney, colega de Taylor que le había acompañado en solitario y también en Queen aparte de músicos como Ian Hunter o bandas como Maniac Street Preachers o los mismísimos Stones. Otra de las curiosidades de este debut es que fue parcialmente grabado en los estudios Mediterraneo de Ibiza donde seguramente la banda & Crew se lo pasarían bomba. Para fans de Foreigner, Loverboy y Strangeways.

14- "Save Your Prayers". Pete Way de UFO formó Waysted en los primeros 80, momentaneamente se desmarcó de su viejo compinche Phil Mogg y se hizo muy colega de los Iron Maiden. Luego de rockear duro con tres fornidos discos, cambió el chip totalmente y reorientó el sonido de su banda en el Hard-Aor. Para terminar de dar el enfoque melódico que Way buscaba, aterriza en la banda Danny Vaughn, vocalista norteamericano de dulce timbre y carismática voz que años más tarde sería pieza importante en los reivindicados Tyketto.
1986
El otro ex UFO al aparato es el guitarrista Paul Chapman. El Galés había estado en cuatro buenos discos que la banda grabó cuando Michael Schenker dijo basta, con Waysted grabó tres incluyendo "Save Your Prayers", un disco rico en guitarras Hard Rockeras como lo demuestran "Walls Fall Down" o "Heroes Die Young", pero también de Rock melódico cuasi aorero, "Black & Blue" o la inmensa "Singing To The Night" son ricas en estribillos azucarados que bien pudieron copar listas en USA como Bon Jovi en ese mismo año o Winger dos años más tarde. Una pena, Waysted con este disco merecieron más suerte, "Heaven Tonight" era el medio tiempo perfecto que debió vender un millón de unidades, la canción más AOR del disco y la más destacada sobremanera por la sobervia melodía que Vaughn despacha, un tema que ya fue grabado anteriormente por la banda pero que carecía del brillo mate que le otorga el vocalista norteamericano.

15-"Loverboy". Canadá otra vez amigos...
Unos precusores del AOR fueron LOVERBOY, liderados por Mike Reno, un tipo que vestía con un rojo butano horroroso y demodé incluso en los 80, pero poseedor de una voz muy melódica apta para estas latitudes light del Rock duro, pero también para sacar garra cuando hace falta.
1980
El debut de los canadienses hace de puente entre el sonido que bandas como Foreigner venían haciendo desde finales de los 70 y lo que veremos posteriormente. Es el año 80 y el AOR acogía sin hacer ascos propuestas que venían de la nueva ola, el Power Pop y naturalmente el Hard Rock. Temas comerciales que buscan el estribillo fácil con el teclado siempre en el disparadero y guitarras disciplinadas con arreones de sprinter en pos de una meta volante. De este debut nos quedamos con la inicial e hímnica "The Kid Is Hot Tonight", "Turn Me Loose" o la Cheap Trick "Lady Of The 80´S", con ese aíre tan moderno/hortera/demodé a los quince minutos de su publicación.

jueves, 8 de junio de 2017

WARRANT: "CHERRY PIE" 1990


Con Van Halen comenzó el Verano y con WARRANT terminó. Durante esos meses, que fueron años, miles de discos conformaron la banda sonora perfecta del Rock USA de los años 80.

La camaradería de las bandas era proporcional a los temas que trataban sus canciones, un carnaval bañado en sudor, rimmel y spandex que versaba sobre tías buenorras, coches a toda hostia y el explosivo cóctel "Sex & Drugs", que muchos de nuestros protas se tomaron al píe de la letra.

El Rock duro caramelo que rockeó California se transformaría en un néctar tan dulce como insoportable, puro cianuro, y en esto se hizo de noche y empezó a llover...

Pero antes de ese ocaso, Warrant nos dejaron uno de los discos totales de su tiempo, el memorable "Cherry Pie". La banda liderada por el rubiales de cara guasona Jani Lane, un híbrido de Lee Roth, Vince Neil con ticks Bret Michaels nos llamó la atención con "DRFSR" (comentado en estas páginas http://blogdecaido.blogspot.com.es/2013/08/mirada-retrospectiva-warrant-drfsr-1989.html), "Cherry Pie" nos cautivará siendo el último grande de la era Glam-Metal.

Aparte del vacilón y rapeado corte que titula y abre el álbum (espectacular se mire por donde se mire), la colección de gemas es un no parar.


Con "Uncle Tom´s Cabin" y su magnífico estribillo, o el pasteleo duro L.A. de "Sure Feels Good To Me", favorita entre mis favoritas, o la tríada mágica "Song And Dance Man"/ "You´re The Only Hell Your Mama"/"Mr. Rainmaker", remarcables en cada riff de guitarra, en cada guitarra acústica, en cada voz o en cada estribillo.

El sexismo de "Love In Stereo" es una constante del Hair-Glam 80´s, generosa en su melodía, espléndida en su estribillo.
Uno de los puntos fuertes del álbum es el de las baladas y medios tiempos. En el debut estaban bien, ok, pero les faltaba la inspiración melódica que "I Saw Red" y sobretodo "Blind Faith" poseen.

Y sí de medios tiempos hay que hablar..."Bed Of Roses". Qué su letra es cursi de narices lo tenemos claro, pero que es uno de los temas definitivos de su tiempo y estilo mucho más. Pocas canciones conozco con ese almibar tan increíble pegado a sus guitarras. La melodía vocal de Lane es perfecta y el estribillo super cinco estrellas, a la altura de los mejores Poison.

Otro de los puntos fuertes de "Cherry Pie" es la producción de Beau Hill. El ex manitas de los grandes discos de Ratt y del "Midnite Dynamite" de Kix entre otros, echa una mano a la hora de escribir temas, pero es su pulida y a la vez cromática producción la que acaba de dar con el punto "G" sonoro del disco.

Es verdad que todavía había pasta gansa para esta clase de discos, pero "Train Train" quizás no sonaría tan condenadamente bien sin Hill detrás de la mesa. "Cherry Pie" fue el último hurra (junto al "Stick It To Ya" de Slaughter) de una época irrepetible, el Septiembre del la era dorada del Glam-Metal americano que había comenzado con "Runnin´ With The Devil" y que terminaba con el impepinable copazo de "Bed Of Roses".

El Hijo de Ron Keel


jueves, 1 de junio de 2017

MAD DOG "DOWN OF THE SEVENTH SUN" 1969:TROGLODITAS DEL ROCK DURO VOL 19


Conocidos en California dentro del Rock underground de mediados de los 60 como The Zoo, grabaron el álbum "Chocolate Moose" y un par de singles más con Ed Cobb de los Standells como productor. Eran tiempos para que las bandas de Garaje Rock sacasen a relucir todo lo que habían aprendido a base de saquear a los Stones primero y a los Byrds más tarde, cuando el ácido empezó a ser dieta de músicos y productores de discos.

Luego llegó el momento de cambiar de nombre por el de Mad Dog y grabar un disco en Los Ángeles con Morgan Cavett de productor. Este tipo había compuesto alguna de las primera canciones de los exitosos por aquel entonces Steppenwolf, algo que sonicamente influirá en el disco de estos cinco hippys de aspecto fumeta que formaban el Perro Loco.

La marca de los creadores del "Born To Be Wild" reluce en "Military Disgust", en la cual Cavett deja su huella junto al guitarrista Howard M Leese y el bajista Terry Gottlieb. Es un Rock recio de sudoroso Wah Wah en el riff y letra reivindicativa.

Antes de ella "Suite For Two Guitars" deja un pequeño recado acústico que no es el único del disco. "For Huachuca Blues" combina elegantes momentos acústicos a lo Byrds/Buffalo Springfield, salpicados por una bucólica flauta.

"Ala Ala" es un Rock psicodélico con un estribillo muy bueno y con un emboltorio musical West-Coast total, mientras que "Everithing´s Alright" sacude Rock Duro deudor de Steppenwolf y Blue Cheer, con buenas guitarras muy ácidas y vientos que añaden brillo al sonido Psych.

Creando atmósferas Jazzy´s y Hard Rockeras, entre los Artwoods de John Lord y los Purple de Rod Evans inyectados en la vena de los Jefferson Airplane de finales de los sesenta suena el tema título del disco, con unas super guitarras ácidas que harán las delicias de los que aman el mejor Psych Rock. 

Con "The Fast Song" vuelve el Rock pesado de guitarras Blues a lo Moving Sidewalks/Amboy Dukes con pequeño solo de batería incluído, mientras "When It Touches You" y la final "Soulful Bouful" están en la onda del sonido West Coast tan en boga en California por aquel entonces.

"Dawn Of The Seventh Sun" no fue publicado en su momento, quedando postergado y olvidado hasta que el revival Hard Rockero, Proggy y Psych Rock lo trajo de vuelta en diferentes reediciones, siendo la de vinilo del sello suizo RD Records la más recomendable.

Artimus Alistair Babayobski


viernes, 26 de mayo de 2017

THE CYNICS: "ROCK´N´ROLL" 1990


Si hay un estilo dentro del Rock And Roll honesto y sincero es el Garaje. Quizás por su limitada propuesta, pero también porque ha navegado a contra corriente sobretodo si hablamos del revival que el género experimentó en los años 80.

Cuando la MTV empezó a dar la brasa con el Techno y las Hair bands ahí estaban Chesterfield Kings en Nueva York, Gruesomes en Canadá y Lime Spiders en Australia resistiendo y sacando singles, minis, flexis y albumes, corriendo de fanzine en fanzine en los cuales siempre había una cassette para disfrutar del último grito garajero de Miracle Workers, Lyres, Stems, Fleshtones, nuestros paisanos Sex Museum o nuestros protas de hoy, THE CYNICS.

Alumbrados en la industrial Pittsburgh de los primeros ochenta se dejaron ver y escuchar con varios singles antes de debutar en el 86 con el comburente cocktail de "Blue Train Station". Dos años más tarde "12 Flights Up" les regresaba como una Ouija con más caballos de Garage, Folk Rock y psicodelia a lomos de guitarras saturadas de Fuzz y enervados teclados farfisa.

Pero lo mejor amigos míos estaba por llegar y lo hizo con la tercera porción envenenada de su música a la que llamaron simplemente "Rock´N´Roll" y con la que conquistaron a cientos de jóvenes adictos al flequillo en las americas, Europa y la piel de toro "Of Course".

CYNICS ON THE ROCK´S!
Como cuarteto The Cynycs van a explotar todas sus virtudes ¡Y que virtudes! Con el dúo Michael Kastelic/Gregg Kostelich erigidos en los Jagger/Richards del Garaje Rock mundial componiendo el grueso gordo de las catorce canciones del álbum que se redondean con jugosas adapataciones de la primigenia y auténtica ola garajera de mediados de los 60 aparecida bajo la luna Stones/Beatles/Who/Kinks y que sacó de los sotanos USA entre otros tantos paises a bandas de enjundia como The Standells o The Shadows Of Knight.

Kastelic que en directo es un alma rockera poseída por Jagger/Iggy Pop/Lux Interior en el estudio nos revienta los oídos con su bestial manera de vomitar Rock And Roll mientras Kostelich nos fríe cual "Old Sparks" los sesos con sus lacerantes riffs repletos de decibélico Fuzz; maldito pedal guitarrístico que puede ser hiriente si lo toca Sean Bonniwell de los Music Machine o delicado si lo hace Neil Young.

Los tipos de la base rítmica el bajista Steve Magee y el batería Tom Hohm añaden el compango para que el cocido garajero de marras sepa como Dios al mezclarse con la cazallera guitarra de Kostelich y con la macarra y Punkrockera voz de Kastelic dando como resultado un disco de catorce himnos.

Da igual la que escojas, que empiezes el disco por la cara b o que vayas de atrás a delante; "Baby, What´s Wrong", "Way It´s Gonna Be!", la Power popera "Girl, You´re On My Mind", "Get My Way", "Close To Me" , "Now I´M Alone" o la balada "The Room"; todo es superlativo en "Rock´N´Roll", un auténtico 10 y uno de los discos definitivos de la década de los 90. 



viernes, 19 de mayo de 2017

KANSAS: "KANSAS" 1974


 

"Leftoverture", "Song For America" y "Point Of Know Return" son el trío de ases que Kansas han colado encima del tapete Prog Rockero, tres discos ganadores que son fantásticos. El debut aunque no está al mismo nivel es magnífico, coronado por canciones que no solo han envejecido fantasticamente, sino que son el exponente de un tiempo donde las bandas debutaban a lo grande.

Por aquel entonces, los seis miembros de Kansas eran jóvenes que estaban entre los 23, 25 años y tenían un amplio bagaje con su banda después de varios años tocando sin parar dentro de su área metropolitana.

 Siendo una de las bandas con mejor directo de su momento, demuestan todos ellos sus enormes aptitudes y su perícia instrumental, llamando la atención a Don Kirshner que los ficha para su sello "Kirshner Records", subsidiaria de CBS.

El repertorio que Kansas  grabará para su debut serán unos temas que la banda llevaba tiempo machacando en directo, ocho canciones, siete propias y una versión del "Bringing It Black" de JJ Cale.

Y el disco que fué grabado en Nueva York durante el Otoño-invierno del 73 no podía empezar de mejor manera. "Can I Tell You" que también fue single, es una coz rockera en toda regla, una forma directa de meterse al oyente en el bolsillo a base de Rock Sureño con un fuerte aliento a Blues, Rock Duro y Progresivo, aunque se tiene más constancia de estar más cerca de Allman Brothers Band que de Yes.
Las voces y los juegos de estas son espectaculares, y la instrumentación sorprendente, primero por la incursión del violín dentro del Rock, y segundo por la perícia de cada miembro del grupo con su instrumento, todo ello en un tema que  supera los tres minutos y medio.

A continuación el Rock directo toma mayor protagonismo con la acertada revisitación del "Bringing It Black". Hasta ese momento la voz cantante la lleva Robby Steinhardt, que canta a dúo con Walsh el tema inicial y protagoniza el segundo. Apartir de ese momento Steve Walsh será el vocalista principal del resto de las canciones del disco salvo "AperÇu" que volverá a unir el binómio Steinhardt/Walsh.


"Lonely Wind" es el bautismo como vocalista en solitario para Steve Walsh dentro del álbum. Balada compuesta por el propio músico con agradable ambiente creado por el violín de Steinhardt. 

Con "Belexes" tenemos uno de los clásicos de la primera época. Un trabajado himno con aíres trivales donde el órgano de Walsh y las guitarras de Rich Williams y Kerry Livgren están en estado de guerra y la base rítmica de Dave Hope con el bajo cabalga junto a la diestra batería del gran Phil Ehart que se marca unos redobles épicos al final del tema.

Pero para épica la de "Journey From Mariabronn". Esta vez si estamos ante el primer tema altamente progresivo, con elementos Jazz y Blues producidos tanto por la voz de Walsh como por el excelente trabajo musical.  Casi ocho minutos de grandeza armoniosa por obra y gracia de Steve Walsh y Kerry Livgren, en los cuales Steinhardt se explaya con un violín que libra una dura batalla con el órgano Moog de Livgren.

El dúo Livgren/Walsh repite en la composición de las dos siguientes "The Pilgrimade" y "Apercu". La primera un RockNRoll de tintes sureños y la segunda un grandilocuente cuento Prog Rockero con abundantes cambios de rítmo e influencias de los Genesis del Foxtrot.

El álbum se cierra con el espectacular "Death Of Mother Nature Suite". A caballo entre el Progresivo y el Rock duro, Kansas tejen una maraña de música en estado virtuoso que nos pone en alerta de lo que será su siguiente obra, el sensacional "Song  For America" publicado un año más tarde. 

Otra de las cosas míticas de este debut es la portada que siempre me ha fascinado, una pintura en la que destaca la presencia del lider abolicionista john Brown. Portada perfecta para un estupendo debut.

Artimus Alistair Babayobski






viernes, 12 de mayo de 2017

MÖTLEY CRÜE: "GIRLS GIRLS GIRLS" 1987


Recuerdo perfectamente que fué un Domingo de Primavera de hace 30 años sobre las cuatro de la tarde. Después de la comida familiar había una cita ineludible frente al radio cassette, sintonizabas Radio 3 de Radio Nacional y la voz de Carlos Pina presentaba las novedades que iban cayendo una detrás de otra.

Eran tiempos donde Internet era una utopía, la información salía directa de las revistas de Metal o de Rock como el Popular1 o de programas como "La Emisión Pirata", "Derrame Rock" o "Rompe Hielos", y ahí fue de donde golpeó "Wild Side".

En el 87 con quince años era fan total de MÖTLEY CRÜE, para mi no había nada más grande que esos cuatro pendejos pintarrajeados. Un poster promocional del "Shout At The Devil" vigilaba desde la pared de la cama ; otro de Vince Neil pegado a la puerta de mi habitación era mi complice y compañero, uno que molestaba especialmente a mi madre.

Los tres primeros discos de la banda eran Ley para mí, había crecido con los Stones hasta que conocí a los Maiden, cuando aparecieron los Mötley (mis amigos y yo así les llamábamos) todos se quedaron en un segundo plano.

Aquella tarde "Wild Side" me voló mis pelotas de adolescente. De entrada la voz de Vince Neil no parecía la del mismo tío que lo hacía en "City Boy Blues" o "Home Sweet Home", ni tan siquiera en "Ten Seconds To Love", sonaba rota y mucho más macarra. Los riffs de Mick Mars me parecieron super heavies, sobretodo después de un disco tan rockanrol como "Theatre Of Pain". La batería de Tommy Lee tan pesada como siempre y el bajo era lo que menos se apreciaba saliendo de aquél altavoz casi insignificante de un aparato que mi abuela había traído de un viaje a las Canarias.

Luego llegaron las revistas con las reseñas de "Girls Girls Girls", y recuerdo no se porqué razón la del "Heavy Rock" y sus tres cuernos de disco simplemente bueno. Los Mötley perdían dos cuernos por el camino desde "Theatre Of Pain". Curiosamente años después "Girls Girls Girls" es un disco mucho mejor visto que su antecesor, aunque yo pienso lo contrario.

El primer video clip que recuerdo del álbum fue el del tema que lo titula. Lo vimos unos cuantos colegas en casa de uno de mis amigos de toda la vida que grababa todos los clips que pasaban por la TV en aquella época en una cinta VHS. Era el único de la pandilla que a mediados de los 80 tenía un aparato de video en su casa.
GIRLS GIRLS GIRLS WORLD TOUR!
El clip nos dejó fulminados, andábamos todos entre los trece y los quince años, así que podéis imaginar que flipamos más con el video clip que con la canción. El tema a estas alturas de la vida no voy a descubrirlo, iba detrás de "Wild Side" y es un puñetero himno cervecero desde el rugido de moto inicial hasta el solo de Mars final y las Harley marchándose a toda hostia. Y la verdad es que representa lo que ves en la carpeta del disco, en el video clip y lo que escuchas en la canción y que a un quinceañero con espinillas hasta en las cejas le deja completamente KO: Motos, tías y rockanrol.


"Dancing On Glass" podía haber sido perfectamente single del disco, me parece el mejor tema; ya no solo por sus guitarras y su potencia rítmica con ese bajo que cabalga de Nikki Sixx o lo bien que la canta un anti cantante como Vince Neil, el tema es un Boogie Hard Rock espectacular con un estribillo perfecto, redondeado por unos chorus femeninos que follan de lo lindo con el piano tabernero que se une en la última parte del tema.

"Bad Boy Boogie" es otro tema cojonudo. Aquí destaco la batería asesina de Tommy Lee y el trabajo a la guitarra de Mick Mars que se saca de la entrepierna riffs y solos de manual Hard rockero. 

"Nona" es una balada con reminiscencias Beatles que Sixx dedica a su abuela y "Five Years Dead" uno de los temas más fiesteros del álbum; me encanta la forma en que Neil encara letra y estribillo, Lee sigue tratando a su batería con auténtico puño de hierro y Mars cosiendo riffs alrededor de las estrofas que canta Vince Neil.

 "All In The Name Of...", Aquí recuperamos la esencia Mötley tabernera-macarroide-putera, de esos himnos que son puro olor a sobaco, tabaco y cerveza hasta las mil; el pedo echo canción de Heavy Rock que se acaba transformando en musa adonis del Sleazy.

"Sumthin´For Nuthin" es otro de los buenos temas menores de la banda, lo mejor nuevamente las guitarras de Mick Mars, mientras que "You´re All I Need" recupera la balada que tan buen resultado dió con "Home Sweet Home" pero sin llegar a la altura de la misma.

Para el  final del disco no pudo ser mejor elección que el "Jailhouse Rock", el clásico inmortal con el que Elvis pateó a la sociedad americana de finales de los 50 es absorbido por los cuatro angelinos como si fuese bourbon embadurnado en gasolina, el final de fiesta deseado, Party Animal que el próximo quince de Mayo cumple treinta años, casi nada!

El Hijo de Ron Keel


jueves, 4 de mayo de 2017

INFORME POMP ROCK 77/80:STYX,ANGEL,PRISM...

1977
En el entorno universitario de Indiana está el cigoto de ROADMASTER, uno de los estandartes de lo que se llamaría a mediados de los 70 "Pomp Rock" junto a los legendarios Styx o los estupendos y reivindicables Prism. Debutarían en el 76 con "Roadmaster", publicando un año más tarde el sensacional "Sweet Music".
El disco es en verdad una perfecta aleación de los distintos estilos rockeros preponderantes en la década setentera, los treinta y siete minutos del plástico son el conejillo de indias que los jóvenes y experimentados miembros de Roadmaster eligen para darse un festín de Hard Rock, Funk Rock, Pomp Rock y Rock & Roll a secas.
Destaca ante todo la estupenda voz de Stephen Mac McNally, pero también las guitarras de Rick Benick y el teclado de Michael Read, músicos que empezaron siguiendo la estela de los Who, Cream o Jimi Hendrix y que desarrollaron sus habilidades cuando Kansas o Styx cogieron carrerilla y comenzaron el despegue de sus rutilantes carreras discográficas.
"Sweet Music" arranca con la ELO "It Doesn´t Mean A Thing"; trás ella un riff que suena como el aterrizar de un avión nos mete en el Rock Blues duro sureño de "I Must Be Dreaming", puro Reo Speedwagon en la música del "Lost In A Dream" y estribillo Styx made in "Equinox".


El Rock & Roll prosigue con la amena "You Move Me", donde hay Boogie Rock como en los mejores Status Quo y la Queen/Angel/Kiss "Been Gone Too Long", con unos riffs mangados al "Tie Your Mother Down" y una super potente base rítmica del bajista Toby Myers y el batería Bobby Johns.
Luego la sorprendente "I´Ll be Lovin´You" hará las delicias del personal con su incipiente y contagioso sonido discotequero licuado en marchoso y forzudo Funk Rock. "The Swang Song" evoca a los Eagles más campestres durante minuto y medio, para deleitarnos a continuación con un Pomp Rock de muy señor mío de título "You Come See Me" con teclados bombásticos como el género requiere, y voces a la Styx/Reo.
"Higher Higher" es un tema Hard Rockero poderoso y fenomenal al que no le faltan coros enfáticos, solos de guitarra a lo Brian May y teclados fantasiosos; mientras que Eagles y Boston planean como hienas carroñeras en "Circle Of Love".
El masterpiece del álbum queda para el final, "Sweet Music" es la mejor canción del disco, elevando el notable siete al diez del tema en cuestión. Aquí es donde el Pomp Rock medra en toda su hermosura. Los teclados desarrollan ese gusto tan exagerado y entrañablemente demodé en el que no faltan ni melotrones. Las guitarras están entre el Rock Duro y el progresivo, y las melodías vocales y musicales se postulan entre las aguas del nuevo AOR de Boston y el progresivo duro de los Styx del Crystal Ball, el Prog Pomp de Starcastle desarrollándolo con auténtica maestria y originalidad, cerrando posiblemente el mejor trabajo de la banda.


1977
PRISM y ROADMASTER están unidos por algo más que el sonido "Pomp Rock", en común tienen la desgracia de haber perdido a ambos vocalistas. Stephen McNally de los de Ohio lo hizo por motivos 
naturales (el maldito cancer), mientras que Ron Tabak lo hacía años antes, a mediados de los ochenta trás sufrir un accidente de motocicleta.
Prism debutan en el 77 con un apañado artefacto "Pomp Rockero" que se atiborra del sonido "Pomp" de los Styx de "Crystal Ball", desposeyendo el sonido progresivo que los de James Young y Dennis DeYoung arrastraban desde "Equinox".


"Spaceship Superstar" tiene a The Who en su punto de mira, mientras que "Open Soul Surgery" rockea duramente en la onda de unos Moxy o Derringer antes de endulzarnos con la balada caramelosa a la Styx  "It´s Over".
Como ya habían demostrado Styx a mediados de los 70, hasta los temas más prog tenían momentos de puro rockanrol, "Freewill" es divertida y nada pretenciosa, estribillo pegadizo, siendo vientos y piano los principales protagonistas del mismo.
A Prism se han asociado nombres con importancia dentro de la escena rockera canadiense, el productor Bruce Fairbairn colaboró como miembro de la banda y produce este debut, también Jim Wallace, nombre ligado a Bryan Adams entre otros, y Lindsay Mitchell, guitarrista de Prism y autor del tema que cierra el disco, la correcta "I Ain´t Lookin´Anymore".
Prism quizás no sea el debut soñado, es cierto, pero contiene varios temas destacables, apunten de la segunda mitad del disco las interesantes "Amelia" y "Julie", dos nombres propios que toca reivindicar en el día de hoy.




1977
Sin lugar a dudas la abeja reina del Pomp Rock son Styx. Grandilocuentes, pomposos a más no poder...y finalmente los paladines de la simbiosis perfecta entre Rock Progresivo y el Arena Rock de los años 70. Dennis De Young es con sus teclados y su pizpireta manera de cantar el elemento principal de la música del quinteto, pero la ecuación "Pomp" no se resolvería sin la participación de los dos guitarristas principales de la banda en este disco: Tommy Shaw y James Young, los dos junto a DeYoung son los instigadores de las particulares melodías vocales que para bien o para mal son marca de la casa.
Los teclados en Styx son básicos para entender el sonido de la banda desde el comienzo de la andadura musical de la misma cuando eran una cabreada versión de los Grand Funk con teclas, subiendo tono e importancia apartir del quinto disco de la banda, "Equinox" acrecentándolo en el sexto "Crystal Ball" donde se pueden escuchar como en el anterior ecos de Yes, Genesis o Kansas, y disparándolo finalmente en "Grand Illusion".
Las canciones se las reparten entre el trío calavera señalado anteriormente que cantan con bravura cada una de sus partes. Son estupendas todas ellas pero destaco dentro del primer acto la imperecedera "Come Sail Away"; maravillosa de comienzo a fín, dominada por guitarras acústicas de orfebrería fina que entran en conflicto con guitarras duras y pomposas capas de teclados, el estribillo es trepanante de veras, una de las grandes canciones de toda la discografía de Styx. 
Cuando hay que ponerse duros la banda también sube el tono de sus amplificadores, los guitarristas ponen a tono sus juegos de pedales y sus efectos, mientras la base ritmica de los hermanos Panozzo hace su trabajo artesano de metrónomos humanos, entonces aparece un temazo como "Miss America".
Otras muestras de estupendo Rock pomposo se dejan ver en la balada semi acústica de corte prog "Man In The Wilderness", la fantasiosa "Castle Walls" o la última "Grand Finale", esta más dura y de aíres majestuosos, última bala de un estupendo álbum concepto. 



1978
                                                               
Todo el grano sembrado por Styx en el 77 con "The Grand Illusion" la banda lo recolecta un año más tarde con "Pieces Of Eight". Si aquellas canciones eran notables, en el nuevo disco alcanzan en muchos casos el sobresaliente; el Pomp Rock luce más pomposo y angular que nunca.
En un lado del ring melódico están Boston y en el otro Styx con una versión más grandilocuente y arriesgada que la de Brad Delp y sus muchachos, pero sin olvidar que las emisoras de radio son al final las que tienen que hacer llegar el mensaje a un oyente rockero que está atrapado por la vorágine voraz del Punk Rock.
En este nuevo disco los teclados siguen siendo el referente a la hora de guiar el camino a seguir de las melodías vocales y del resto de instrumentos, mientras que las tareas vocales vuelven a partirse en tres pedazos, uno para Tommy Shaw, otro para Dennis DeYoung y otro para James Young.
El Rock Duro ataca en la inicial "Great White Hope", con James Young pletórico acompañado de unas guitarras que no hacen prisioneros. Su reverso Prog-Pomp es la deliciosa "Sing For The Day" cantada por un Tommy Shaw que nos regala todas las guitarras tocadas del tema mandolina incluída.
Dentro del Rock rimbombante las sensacionales "I´M Ok" y "Lord Of The Ring"; la primera directa y repetitiva, la segunda mucho más rebuscada tanto vocal como musical, toda una encerrona a lo Queen del segundo álbum con guitarras a lo Brian May y también con el sello de unos Styx que ya dejan su propia marca en cada riff de guitarra, teclado o linea vocal.
"Blue Collar Man" no falta en los directos de la banda ni en sus recopilatorios, no es de extrañar ya que estamos ante un tema que acopia la esencia mísma de lo que es Styx y el sonido rockero por el que son famosos. El resto de temas no vuelan tan alto pero completan un disco cuasi exquisito con el minutaje típico de la época, cercano a los cuarenta minutos.


1978
Cruzando nuevamente la frontera volvemos a encontrarnos a los canadienses Prism, que en el 78 publican "See Forever Eyes" nuevamente bajo la atenta mirada de Bruce Fairbairn y con la idea de repetir el éxito al menos parcial en su país natal.
Así que repetición de esquemas, aunque las canciones suenan más maduras y trabajadas que las del primer disco, superando el efecto sorpresa con canciones ligeramente más atinadas. Sigue siendo puro "Pomp Rock" que en algunos momentos como los de "Nickels & Dimes" son Styx total, con unos coros que parecen los mismísimos DeYoung y Shaw los que los perpetran, y los efectos pomposos y espaciales del teclado que tanto Prism como Roadstar o Styx utilizan habitualmente para terminar de dar el enfoque a lo que es el sonido Pomp.
Los temas rockeros también están más logrados en este segundo trabajo de la banda, esas "Flyn" y sobretodo la muscular "N-N-N-N-O!" . Y si hablamos de medios tiempos, que sea la Power Pop "Take Me Away", una delicia compuesta por el guitarrista Allen Harlow; sin duda estas tres canciones y la homónima "See Forever Eyes" son las mejores bazas de un buen segundo disco.








1978
Si hablamos de POMP Rock por narices hemos de nombrar a ANGEL, una de las bandas definitivas de ese genero y de las más originales, que pese a tener influencias obvias de bandas de Rock de los setenta e incluso alguna de ellas del mundo Prog Rockero, desarrollaron y desplegaron un sonido único y reconocible, que podía competir con los Styx de turno sin pisarles el sonido a estos.
Apoyados principalmente en los teclados fantasia de Greg Giufria, Angel destacaban igualmente por las melodías vocales de Frank Dimino y el apoyo prestado por el resto del combo en las voces.
En los números más rockeros podías escuchar retazos de Rush, Kiss o Led Zeppelin, representados en este estupendo "White Hot" en temas tan poderosos como "Under Suspicion"  o "Ain´t Gonna Eat My Heart Anymore", donde la batería de Barry Brandt repartía mandobles a la John Bonham y el bajo de Felix Robinson expectoraba notas como si de Chris Squire se tratase.
En "Got Love If You Want It" parecen Cheap Trick y en "Stick Like Glue" inventan un Pomp Glam Rock que le hubiese gustado cantar a Paul Stanley y que Mott The Hoople robarían para sí mismos, mientras  "Flyng With Broken Wings (Without You)" está a la altura del mejor material de la ELO.
"White Hot" es un discazo, pero cualquiera de los discos que grabaron en los setenta es altamente recomendable, "On Earth As It Is In Heaven", "Angel" o "Helluva Band" son discos muy notables y con caracter, lo mejor es que el relleno brilla por su ausencia en cualquiera de ellos.



1979


El año 79 va a dejarnos discos importantes dentro del género Pomp como el segundo trabajo de Roadmaster ("Hey World") o "Cornestone" de Styx, pero los dos trabajos más destacados para un servidor son el "Armageddon" de Prism y el debut de Airborne, banda de Denver que contaba en sus filas como guitarrista y uno de sus vocalistas a Beau Hill, el futuro productor de los discos más exitosos de Ratt será parte importante de las diez canciones de este trabajo.
El disco tenía todos los condimentos para haber sido un éxito, canciones mil por mil pegadizas repletas de estribillos arrebatadores y la producción de Keith Olsen, que era por aquel entonces un buen colega de los miembros de la banda.
"The Lady Knows Best" inicia con potencia el disco, nos vienen a la cabeza los mejores Styx, alcanzando el sumun en "Ghost Of Love", una fuerza de la naturaleza Pomp aorera con la desenvoltura de los Styx más atinados y con unas guitarras rockeras a lo Scholz/Goudreau que tiran de espalda.


El otro condimento destacado que Airborne explota con atino son los juegos vocales deudores tanto de Brad Delp como de Dennis DeYoung, hay buenas muestras de ello a lo largo y ancho del redondo ("Thats Where My Love Goes", "Feel Like Lovin´").
Otras bandas importantes rockeras como los Angel de Greg Giuffria o los Kiss tampoco escapan de la tela de araña caza melodías de Airborne, escuchad la final "Optimystical" para comprobar que no solo de Styx vivían estos chicos del medio oeste americano.
Una pena que CBS dejase en la estacada a una banda con un potencial como el que atesoraba Airborne, con una terna de músicos que estarían en el futuro ligados a la producción de discos y como músicos de sesión a sueldo en varios trabajos importantes de las siguientes décadas.

1979
Con su tercer trabajo "Armageddon" Prism no van a entrar en el Olimpo del Rock of course, pero si que elevarán sus ventas alcanzando disco de platino y terminarán el año 79 como una de las bandas referentes dentro del Rock canadiense.
Lejos de parir una obra maestra si que ofrecen un producto mejor acabado que sus dos anteriores intentonas, por un lado se quitan todos los puntos que les cosían a Styx y aunque quedan secuelas logran desarrollar un sonido propio de Rock con pompa y Pop chillón y colorista, con arreglos orquestales para darle un enfasis grandilocuente nuevamente bajo la atenta mirada del productor y colega Bruce Fairbairn.
A "Armageddon" viene ligado el nombre de Bryan Adams que antes de despegar con su fulgurante carrera discográfica hará de escriba para bandas como Kiss o Prism a los que "regala" tres composiciones (dos en realidad ya que una viene firmada a medias con el guitarrista de Prism Lindsay Mitchell) una de ellas junto a su colaborador habitual Jim Wallace, que en aquella época firmaba con el nombre de Rodney Higgs.
Precisamente las canciones de Adams destacan como es el caso de "Jealousy", con esos toques a los ABBA/Cheap Trick, y también "You Walked Away Again" que viene firmada en solitario por el de Ontario.
Otras pequeñas alhajas que contiene "Armageddon" amén del tema título son la final "Mirror Man" y la inicial "Comin´Home", que junto a las mencionadas canciones de Bryan Adams redondean un disco de Rock amable y ameno, Prism aún no eran AOR pero iban por el camino correcto hacia él.

Artimus Alistair Babayobski